EU GARIMPO [música na peneira]

Não faz mal a ninguém: The XX

2009-09-08T00:42:00.005-03:00

:: Diogo Rodriguez

Um New Order sem agressividade, um sonzinho triste de fundo. Isso é o The XX, banda (?) inglesa que eu descobri não sei como. Estava na minha pasta de músicas e não lembro como foi parar ali. Dei um rápido google e vi que eles já são relativamente famosos (NME e tudo). O disco de estréia deles saiu no dia 17 de agosto.

Agora, o show deles tem que ser em teatro, porque a coisa é muito calma. Até demais em algumas horas. Será que na hora de tocar eles pegam pesado no "e" e ficam mais animados? Bom, de qualquer jeito, não ouça dirigindo. É perigoso. Mas é legal.

The XX - "Crystalised"

Punk rock underground feminista: Bikini Kill

2009-08-20T11:39:00.007-03:00

:: José Rodrigo Rodriguez

Falar de sexo fora do registro pornográfico é muito difícil. Podem examinar toda a história da literatura: falar do assunto sem dissolvê-lo nas palavras elevadas do amor; o sexo em sua animalidade e carnalidade é dos temas mais difíceis. Sexo e política: pior ainda. Faz tempo a relação sexual foi politizada em razão de questões como estupro, abuso de mulheres, de homens e de crianças. O impulso veio do feminismo, mas o problema é geral: a relação sexual e o prazer são hoje um problema público e privado, uma questão da cidade e da casa.

Que linguagem usar para falar desse assunto? Que forma inventar? O problema que a Banda Bikini Kill, central para o mivimento conhecido como RIOT GRRRL, enfrentou nas duas letras traduzidas abaixo é complicado para qualquer escritor. Sem cair em maniqueísmos a banda se sai muito bem ao falar da sexualidade feminina em versos cheios de hesitações e repetições que preparam estrofes claras e diretas sobre os problemas que desejam abordar, despida a linguagem de qualquer artifício. O objetivo estético é eliminar toda e qualquer ambigüidade, com violência se necessário, para constituir um ponto de vista que vê a si mesmo como ignorado pela sociedade.

Esta necessidade de falar algumas coisas de forma clara e na nossa cara motiva a escolha do estilo, coloquial a ponto de ser constrangedor, cheio de gírias e palavrões entre os quais reluzem versos de altíssima carga emotiva como:

Só porque meu mundo, querida, é tão fodidamente,
Merda, cheio de estupro – - Isso quer dizer que
Meu corpo será sempre fonte de dor?
Não, não, não.

Ou:

E então, você, você, você, você, você, você, você, você, você, você, você, você,
Vá dizer para a porra dos seus amigos
O que eu pensei e como me senti
Como, caralho, a porra
Da minha boceta cheira
Você já disse para eles?

O efeito é extremamente agressivo; como se alguém passasse um bom tempo balbuciando ou grunhindo sentenças sem muita ligação entre si para ser capaz de formular algumas frases que soam como um soco no estômago. A dificuldade na formulação, a violência, a hesitação, tudo se liga à gravidade e intimidade do assunto abordado. Quem se sentiria completamente à vontade discutindo, por exemplo, o cheiro de uma boceta?

Nada nos textos é ingênuo ou displicente. O tom confessional e coloquial pode enganar o leitor desatento. Mas a pontuação, a escolha de palavras, o ritmo, a forma de diálogo, tudo está a serviço do eu poético que tem urgência de falar sobre um assunto difícil para tentar pensar novas formas de sexo a partir de elementos velhos, uma linguagem nova a partir de palavras e relações marcadas pelo violento modelo do estupro.

Emancipar o sexo/linguagem: daí a necessidade do Bikini Kill de politizar questões tão íntimas e tão complexas para encontrar uma linguagem/relação emancipada. Falar de forma direta, de indivíduo para indivíduo, sem metáforas ou mediações, foi a solução adotada pelo eu poético que deseja convencer os ouvintes de seu ponto de vista. Pois o Bikini Kill, banda formada apenas por mulheres, acredita na emancipação do sexo/linguagem e quer nos convencer disso. Quer falar sobre o assunto, mesmo que seja difícil e duro.

Apesar de tudo, apesar de você comentar com seus amigos o cheiro da minha boceta, “Acho que gosto de você/ Acho que sim” e “Eu creio nas possibilidades radicais do prazer”. Pois um dia, talvez, você possa vir a trepar comigo e não se limite a me foder! Afinal, as mulheres também gostam de trepar para sentir prazer!

O som? Punk rock, claro.Nada mais adequado.

Eu gosto de trepar

Bikini Kill

Ei! Você acredita que há algo
além desta realidade tosca? E acredito, eu acredito.

É tão difícil estar apenas bem
Estar feliz, cara, é o que às vezes
Me dá mais medo
Cara, tipo, é tão difícil para
mim, lutar – - eu não sei eu
Acho que nunca lutei – - Porque você
Não me mostra como – - como sair de mim

(ela é tão “Caguei!”)

Só porque meu mundo, querida, é tão fodidamente,
Merda, cheio de estupro – - Isso quer dizer que
Meu corpo será sempre fonte de dor?
Não, não, não.

(Ela é tão “Caguei!”, Ela é tão “Caguei!”)

Só porque eu falei claro, querida
não quer dizer nem por um minuto que você
deva pensar que eu sou o contrário de
qualquer coisa – - mas se você quer ter certeza
eu digo

Nós não vamos provar nada nada
Sentadas, paradas, olhando nossa fome
O que precisamos é de ação/estratégia
Eu quero eu quero eu quero
Eu quero agora

Eu creio nas possibilidades radicais do prazer, cara.
Eu creio. Eu creio. Eu creio.

Tradução: José Rodrigo Rodriguez

I like fucking

Hey do you believe there’s anything beyond troll-guy reality?
I do. I do. I do.

It get’s so hard
Just to be okay
Sometimes being happy baby
Is what I’m most afraid of
Baby you know
It gets so hard for me to fight
I don’t know how
I guess I never did
Why don’t you show me now
How to lose control

(She’s so very I don’t care She’s so very I don’t care)

Just cuz my world sweet sister
Is so fucking goddamn full of rape
Does that mean my body must always be a source of pain?
No. No. No.

(She’s so very I don’t care She’s so very I don’t care)

Just cuz I named it right here sweet chickadee
Don’t mean for a minute you should think
I’m the opposite of anything
But if you wanna know for sure I’ll tell you
We’re not gonna prove nothing, nothing
Sittin around watching each other starve
What we need is action/strategy
I want. I want. I want.
I want it now.

What I want. I believe in the radical possibilities of pleasure babe
I do. I do. I do.

Canção do domingo: “Ol’ Man River”

2009-08-16T18:40:00.007-03:00

Cartaz do filme Show Boat, de 1936

Existem diversas versões para “Ol’ Man River”, gravada originalmente pelo tenor Paul Robeson, para o musical Show Boat, de 1927. O espetáculo trata das vidas de pessoas que trabalham e viajam no barco Cotton Blossom, que navega as águas do Rio Mississippi.

Incrivelmente temas como o racismo e preconceitos em geral fazem parte da trama, algo impensável nos anos 20 americanos. “Ol’ Man River” fala justamente do sofrimento dos trabalhadores negros, condenados à lavoura de algodão, ao trabalho manual, ainda semi-escravo.

Mais surpreendente ainda e pensar que quem melhor interpretou a canção foi Frank Sinatra, alguém que nada tinha de revolucionário. O mais próximo que o descendente de italianos chegou foi da máfia, segundo dizem as lendas. Obviamente que não se pode querer rotular um artista pelas canções que ele escolhe cantar. Porem, ouvir o branco de olhos azuis Sinatra cantando “Here we all work ‘long the Mississippi/Here we all work while the white folk live” (Aqui estamos nos trabalhando no Mississipi/Aqui estamos nos trabalhando enquanto a gente branca vive) causa um certo desconforto, um descompasso.

A arte, a musica, não tem o compromisso de fazer afirmações políticas e sociais, apesar de terem essa liberdade. Como fez Elvis Presley quando dançou de maneira lasciva no programa de Ed Sullivan (a moda dos negros, considerados obscenos), Sinatra deu apenas uma cutucada no establishment, fazendo com que aqueles que queriam pensar, pensassem, sem carregar nenhuma bandeira.

Não era papel dele, Frank Sinatra, “blue eyes”, arriscar e passar a ser um Bob Dylan dos anos 50. Mas certamente a questão da segregação dos negros era algo que fazia brilhar menos seus olhos azuis.

Frank Sinatra: "Ol' Man River" (somente audio):

O passado me condena [Underground nos anos 80 e 90]

2009-08-15T13:09:00.007-03:00

Shaun Ellsworth, Perplexed

:: Jose Rodrigo Rodriguez

“Que tipo de som você gosta?”

“Muitas coisas, mas cresci ouvindo Rock. Isso é o básico.”

“Legal? O que gosta de Rock brasileiro?”

“Bom, eu adorava o Vzyadoq Moe. Ouvi muito os primeiros discos do De Falla, Violeta de Outono. Putz, também aquela coletânea em homenagem ao Arnaldo Baptista, “Sanguinho Novo”. O Fellini tocando “Loki”… Eu adoro aquilo. Olho Seco. Eu não era punk, mas achava impressionante o som deles. Comecei por aí…”

“Ahn..? O que?”

Tive diálogos como esse dezenas de vezes nos últimos tempos. A partir deste ponto da conversa, a saída é o silêncio, a mudança brusca de assunto, ou a menção de bandas como Titãs, Paralamas, Legião Urbana que eu NÃO ouvia e NÃO gostava na época. Hoje, mais tolerante com o mundo POP, até curto. Mas para quem gostava de Rock entre o final dos anos 80 e anos 90, esse povo fazia música POP e ia ao Chacrinha para ganhar dinheiro. Não havia nada de transgressivo naquilo. Sonzinho coxa para as massas. Renovaram o POP, mas eram a retaguarda do Rock.

E os caras podiam cheirar e fumar baseado o quanto quissessem (desde quando ser louco é trangressão?): seu som era comercial na veia. Fácil de ouvir, fácil de engolir, fácil de mostrar para a mãe e para o pai. Talvez à exceção do IRA! (parente em primeiro grau da cena underground paulistana), Lobão e Barão Vermelho, havia tanto roquenroll no assim denominado “Rock Brasil” quanto existem pessoas ponderadas e conciliadoras na Al-Qaeda. Que existem, existem, mas tem que procurar com lupa.

Sempre que mantenho diálogos como o que mostrei acima, é difícil evitar a sensação de ter tido meu passado roubado. A história do Rock brasileiro tem sido escrita apenas do ponto de vista do mainstream, do que fazia sucesso, especialmente depois dos anos 70, quando se forma, de fato, a indústria cultural. A cena underground dos 80 e 90 (rock e punk), o rock psicodélico brasileiro dos anos 60 e 70 (um mundo a ser descoberto) e tantas outras coisas, são deixadas de lado, seja porque as pessoas têm preguiça de pesquisar, seja porque querem apenas falar do que pode dar certo. Ou do que pôde dar certo. Traçam uma linha reta que vem da Jovem Guarda (outro movimento POP) , passa pela Blitz e termina na cuticuti da Mallu Magalhães, sem olhar atalhos ou desvios. Mas a história não é feita de linhas retas.

O resultado é a predominância do POP, da música fácil e comercial, na história do nosso roquenroll. Do ponto de vista pessoal, isso resulta em eu não ter com quem partilhar e conversar sobre coisas que tomavam (e ainda tomam) muito tempo da minha vida. Pois à exceção de alguns gatos pingados, quase ninguém sabe que essas banda existiram e fizeram parte de uma cena forte, ao largo do “Rock-POP-Brasil-COXA”, cuja história ainda não foi contada. Começa a haver voluntários para desfazer esta hegemonia da musica facinha: vejam o texto anterior do Diogo. Algumas destas bandas voltaram a tocar, voltaram a despertar interesse. Shows recentes de Fellini, Smack, Mercenárias, Harry, Violeta (que nunca parou). Talvez a ficha comece a cair agora, quinze anos depois…

Seria genial. Especialmente neste momento, em que a internet e o barateamento dos custos de gravação abrem espaço para se fazer música não comercial sem precisar vender a mãe e/ou as cuecas. Casas de show aparecem, um novo circuito, talvez alguma grana, mesmo que não sejam milhões. Todos sabem que o undergound praticamente morreu, ao menos no Brasil, lá pelo final dos anos 90. O que temos hoje, quase sem exceção, são bandas que almejam fazer sucesso e bandas que já fazem sucesso.

Convenhamos: quando o projeto de vida de alguém, logo de saída, é aparecer na Globo e sair na Veja, tudo está perdido. Afinal, ninguém sai na Veja ou aparece na Globo impunemente: tem que diluir a mensagem, simplificar a expressão, situar-se rente ao lugar comum, falar de coisas anódinas com todo o cuidado para não ofender a maioria e perder audiência, ou seja, é preciso virar um coxa.

Nada de errado com isso, só não dá para entrar nesse jogo e reinvindicar o título de transgressor. Lamento, mas não dá mesmo. Não se pode ter tudo na vida. Como eu gosto de diversidade na música, acho que o mundo fica mais interessante quando mainstream e underground convivem, trocam experiências, modificam um ao outro. Aparentemente, isso está acontecendo de novo, ou pode vir a acontecer. Talvez eu esteja otimista demais…

Mas o fato é que se pararem de surgir bandas como Velvet Undergroung, The Stooges, Einstüerzende Neubauten, Cabaret Voltaire, Sonic Youth, Vzyadoq Moe, Throbbing Gristle, Olho Seco, As Mercenárias, Smack, o mundo vai perder o sentido para mim e o Rock vai ser dominado pelos Dinhos Ouros Pretos dessa vida, hoje reencarnados ainda em vida nos EMOs, na cuticuti da Mallu e em Tatá Aeroplano. Não me entendam mal: todos têm o direito de existir e se divertir como músicos de roquenroll. O que me assusta é a perspectiva de padronização e “coxinização”.

Por isso é importante contar essa história esquecida. De novo, Caetano Veloso pegou as coisas no ar. No momento crucial, percebeu, com “Cê” e “zie e zii”, que um dos modelos disponíveis de transgressão está nesse veio, o undergound dos anos 80 e 90, que ocorreu no mundo todo e no qual o Brasil tem uma honrosa inscrição. Os caras criaram selos, fizeram revistas, fundaram clubes, ou seja, se apropriaram dos meios de produção cultural para fazer uma música diferente, ao largo dos esquemões das gravadoras. Ouçam as bandas que acabei de mencionar e tantas outras, que vocês vão descobrir se forem fuçando por aí, depois digam se estou errado.

O mundo está melhorando!

Mas será mesmo?

Para Fabíola e Felipe

Não temos tempo a perder: Smack

2009-08-14T11:00:00.000-03:00

:: Diogo Antônio Rodriguez

Estou me sentindo injustiçado. Passei muito tempo acreditando que o rock nacional se resumia ao "BRock" que tocava e toca na televisão, achei que os heróis brasileiros eram mesmo Renato Russo e Cazuza. Ontem à noite descobri que há uma versão da história do nosso rock que não foi contada.

Ao longo dos últimos meses, percebi que há um encaixe faltando na linha lógica. Celly e Tony Campello, Jovem Guarda, Os Mutantes e... caímos direto na RPM, Paralamas, Ira! e Legião Urbana? Saímos do psicodélico avant-garde e fomos direto para o pós-punk e o new wave coxinha? Não, caros leitores. O que falta é o elo principal para entender São Paulo hoje em dia, o começo dos anos 80.

Digo isso porque no show Smack/Mercenárias que aconteceu agora há pouco na Livraria da Esquina as peças se encaixaram. As últimas refrescaram a memória de que de fato tivemos uma cena punk. Os primeiros mostraram que o punk, o pós-punk, o art-punk, o rock setentista, todos foram absorvidos aqui em São Paulo e reagrupados. Melhor dizendo, sintetizados.

Você já ouviu Edgard Scandurra tocando ao vivo? Então corra. Se você diz que gosta de rock, corra. Ouso dizer que ele é um dos melhores guitarristas do Brasil. Fácil dizer isso, convenhamos
.

As Mercenárias

Ouvi Smack poucas vezes. Não sei nem assoviar as músicas. Arrependo-me. Perdi tempo achando que não havia horizonte entre Arnaldo Baptista e Dinho Ouro Preto. Fui levado a comprar discos que não deveria ter comprado. Smack e Mercenárias, esse é o som que deveria ser obrigatório para nós, fãs de rock brasileiros, junto com The Clash, Ramones, Velvet Underground. "Garoto, você tem que ouvir os discos do Chico; e os do Edgar Scandurra". Esse é o tipo de pai que serei um dia.

Durante a apresentação do Smack não pude evitar de pensar no Television. Linhas de guitarra fraseadas, mas suingadas e punks. Agressividade de Pete Townsend e a doçura melódica que se ouve em "Marquee Moon". Scandurra mete a mão na Stratocaster sem palheta, sem muita distorção e enchia o pequeno clube paulistano de som - não havia muita gente presente.

Sinto-me culpado agora. Talvez tivesse sido melhor ter ficado em casa e sido feliz na ignorância. Caminho sem volta, encontrei uma parte do meu DNA que pensei estar em Londres ou Boston. Peço licença a José Ramos Tinhorão e digo: não estávamos copiando o punk e o pós-punk. Nós também os sintetizávamos (com o perdão do trocadilho). Os Mutantes estiveram na crista da onda; a São Paulo dos anos 80 (a dos clubes e dos pequenos selos) também.

Show hoje (13/08): Smack e Mercenárias

2009-08-13T13:00:00.001-03:00

Quero ver o Compadre Washington gritar "mercenááária!"

Os anos 80 alternativos paulistanos estão com tudo mesmo. Além de tocarem na Galeria Olido no sábado, às 18h, As Mercenárias subirão no palco da Livraria da Esquina hoje! Além delas, o Smack, banda de Edgar Scandurra estará por lá também. Recomendável para os saudosistas da época e os jovens que não conhecem a história underground de São Paulo.

Smack e Mercenárias (13/08)
Livraria da Esquina (Rua do Bosque, 1254, Barra Funda)
A partir das 22h
R$ 20 (R$ 15 com nome na lista)

A United Airlines quebra guitarras

2009-08-13T11:00:00.004-03:00

Quebraram seu violão, mas não o bom-humor

Não, a companhia aérea americana United Airlines não está patrocinando um novo festival de rock grunge.

Dave Carroll, um cantor country canadense (!), estava viajando pela United de Halifax, sua cidade natal, a Chicago. Chegando ao destino, descobriu que a companhia havia quebrado seu violão. Pediu ajuda aos funcionários, reclamou, teve de colocar os pedaços da viola no saco e ficar sem indenização.

Ainda bravo com a situação, o experiente músico resolveu fazer o que sabe e escreveu uma canção. Melhor, fez um vídeo amador hilário e o postou no Youtube:

A "canção de protesto" está fazendo sucesso na internet e Dave ganhou visibilidade. Melhor ainda, fez a United se pronunciar e avisar que vai ressarcir o cantor. Ele, nem um pouco tonto, abriu mão do dinheiro (que não devia ser grande coisa) e pediu que fosse doado à caridade. Veja sua declaração:

Esse é um ótimo exemplo de como a música ainda pode ter um certo poder. Pena que seja só para garantir mil dólares a alguma associação de caridade qualquer. Bons tempos em que as canções protestavam em nome de partes da sociedade, e não só de um indivíduo. Ainda assim, essa história não deixa de ser engraçada.

Eles estão chegando: Friendly Fires

2009-08-12T19:53:00.005-03:00

Eles parecem ser "friendly", vamos ver se têm "fire"

No sábado e na segunda o Brasil terá a chance de ver o show de uma banda iniciante no seu auge (por enquanto, claro). O Friendly Fires faz shows no Rio (15/08) e em São Paulo (17/08), na primeira turnê deles por aqui. Dessa vez até que a coisa andou rápido, já que o disco de estréia saiu no ano passado.

É cada vez mais comum bandas iniciantes estrangeira passarem pelo Brasil logo no começo da careeira, coisa que não acontecia até certo tempo atrás. O Radiohead demorou quinze anos para nos dar o Airbag de sua graça.

Com o som do momento, o Friendly Fires mistura punk, pós-punk e música dançante em geral. Eu e uma amiga chegamos à conclusão de que as fortes levadas de baixo do disco são influenciadas pelo Gang of Four. O resultado é um som empolgante e agressivo ao mesmo tempo.

Acho que fui o último a descobrir os Friendly Fires, o que significa que só faz uma semana que tive acesso ao disco. Não resenho, mas recomendo. Os que conseguiram comprar ingressos provavelmente vão ver um belo show, o que não é o meu caso.

Friendly Fires - "Paris"

Friendly Fires
Myspace
Página oficial

O transex gatinha e os Kinks

2009-08-11T17:38:00.005-03:00

:: José Rodrigo Rodriguez

A banda The Kinks sempre teve urgência em falar dos problemas de seu tempo de forma direta, num tom que os faz soar como uma banda punk avant la lettre. Menos sofisticados do que os Beatles e os Rolling Stones, de quem são contemporâneos, ganham em contundência e, por isso mesmo, parecem ter envelhecido melhor do que a maior parte dos artistas de seu tempo.

A revolução punk que mudou o rock nos anos 70 para torná-lo musicalmente mais simples e direto, teve nos Kinks um precursor imediato, fato reconhecido pelos diversos covers de suas músicas, que não param de ser gravados. Os Kinks sempre se preocuparam em comentar seu tempo, tanto no campo político quanto no campo dos costumes. A letra que traduzimos abaixo é um exemplo claro disso.

História de um affair entre um jovem e transex, trata de um assunto controverso até os dias de hoje com a coragem de falar claramente de desejos que, na maior parte das vezes, permanecem escondidos. Afinal, transexuais ou são motivo de piada, casos de policia (com giletes escondidas na gengiva) ou performers divertidos, mas nunca pessoas interessantes, sedutoras e humanas. Muitos de vocês já devem ter cantarolado seus versos sem se ligar na letra da sensacional Lola:

Eu a conheci num clube no velho Soho
Onde a champanhe tem gosto de Coca Cola
Ela se levantou e me convidou para dançar
Eu perguntei seu nome e numa voz cavernosa, disse: Lola

Bom, eu não sou exatamente um atleta
Ela me apertou forte e quase quebra minha espinha
Oh minha Lola!

Bom, eu não sou idiota, mas eu pude entender
Ela falava como homem e andava como mulher
Oh minha Lola!

Bom, bebemos champanhe e dançamos a noite toda
Sob a luz de velas elétricas
Ela me pegou, me pôs nos seus joelhos
E disse, meu querido, vem para casa comigo.

Bom, eu não sou um cara assim tão passional
Mas ela olhou nos meus olhos, quase me apaixonei por minha Lola

Eu a deixei para lá
E andei até a porta,
Eu caí no chão
E fiquei de joelhos
Então olhei para ela e ela olhou para mim…

Bom, queria que as coisas ficassem assim
É assim que eu queria deixar as coisas para minha Lola
Garotas serão garotos e garotos serão garotas
Este é um mundo virado, confuso e misturado, mas não para Lola

Bom, eu tinha saído de casa há uma semana
E eu nunca tinha beijado uma mulher na vida
Mas Lola sorriu e pegou na minha mão
E disse, meu garoto, vou te fazer homem.

Bom, eu não um sou cara assim tão másculo
Mas eu sei o que sou e sou feliz por ser homem
Também Lola.

Tradução: José Rodrigo Rodriguez

Lola

I met her in a club down in old soho
Where you drink champagne and it tastes just like cherry-cola [lp version:
Coca-cola]
C-o-l-a cola
She walked up to me and she asked me to dance
I asked her her name and in a dark brown voice she said lola
L-o-l-a lola lo-lo-lo-lo lola

Well Im not the worlds most physical guy
But when she squeezed me tight she nearly broke my spine
Oh my lola lo-lo-lo-lo lola
Well Im not dumb but I cant understand
Why she walked like a woman and talked like a man
Oh my lola lo-lo-lo-lo lola lo-lo-lo-lo lola

Well we drank champagne and danced all night
Under electric candlelight
She picked me up and sat me on her knee
And said dear boy wont you come home with me
Well Im not the worlds most passionate guy
But when I looked in her eyes well I almost fell for my lola
Lo-lo-lo-lo lola lo-lo-lo-lo lola
Lola lo-lo-lo-lo lola lo-lo-lo-lo lola

I pushed her away
I walked to the door
I fell to the floor
I got down on my knees
Then I looked at her and she at me

Well thats the way that I want it to stay
And I always want it to be that way for my lola
Lo-lo-lo-lo lola
Girls will be boys and boys will be girls
Its a mixed up muddled up shook up world except for lola
Lo-lo-lo-lo lola

Well I left home just a week before
And Id never ever kissed a woman before
But lola smiled and took me by the hand
And said dear boy Im gonna make you a man

Well Im not the worlds most masculine man
But I know what I am and Im glad Im a man
And so is lola
Lo-lo-lo-lo lola lo-lo-lo-lo lola
Lola lo-lo-lo-lo lola lo-lo-lo-lo lola

Festival Folk de Newport

2009-08-11T13:00:00.000-03:00

Foi onde o Bob Dylan conquistou os hippies e os ativistas dos anos sessenta e onde eles passaram a odiá-lo. Lendas da música como os Pixies já estiveram por lá também, quase sempre em sets acústicos. Sonho meu cobrir o festival. Rhode Island está meio longe, né? Mas tem gente que pode, fazê o quê? Descubra abaixo quem e como.

Bob Dylan chocando a galera (dá para ouvir as vaias no fundo):

Pixies no Newport (fazendo o inverso do Dylan, amansando o set):

O Ryan Spaulding, do Ryan's Smashing Life, foi para lá e fez, como sempre, uma cobertura legal. Tem muitas fotos.

Clique na imagem para ver como foi o Newport desse ano, que teve Fleet Foxes, Tom Morello (ele mesmo, do Rage Against The Machine) e Sons and Daughters:

Show das Mercenárias

2009-08-10T23:53:00.006-03:00

O clima dos anos 80 domina São Paulo nos últimos tempos. Depois de shows de Fellini e Violeta de Outono, no sábado As Mercenárias fazem a preza na Galeria Olido. Logo menos toca o Harry, no Madame Satã Fest (que foi adiado por causa da gripe súina; agora vai ser dia 03/10).

Tem ainda Garotas Suecas e The Bonsai Kitties. É legal que começa cedo, às 18h. E é de graça. Vamos todos.

As Mercenárias:

Tiger Army [é ruim, mas é bom]

2009-08-10T23:35:00.003-03:00

Voltando a postar nessa antiga categoria (ah, o começo dos anos 2000!), uma recomendação para ouvir escondido dos amigos indies e hypes. É difícil, eles nos reprimem, mas eu juro que você pode se empolgar sozinho no seu quarto.

Dessa vez é o Tiger Army, bandinha de psychobilly que esbarra no emo (!). Verdade. Por isso é perigoso sair por aí falando que ouve. O The Living End tem o mesmo problema.

Bom, eu juro que não conto pra ninguém:

Rock soturno da Nova Inglaterra

2009-08-10T23:32:00.000-03:00

Este post não se trata bem de um "recomendo" porque ainda não conheço bem o artista em questão. Trata-se de um "prestem atenção se tiverem tempo, o cara deve ser legal". O nome do moço é Ian "E" Adams. Ele próprio bem definiu o que as suas três faixas disponíveis no Myspace parecem ser: Iggy Pop, Roy Orbison e - adição minha - Nick Cave. Rockabilly, punk, essas coisas boas. Tão divertido que acho que vou comprar o disco.

Amigos da cena de Boston participam do disco, como o estranho Eldridge Rodrigue z (além de ser o rei da canção melodramática da Nova Inglaterra, é um dos vocalistas da banda pós-Pixies The Beatings).

Deixo aqui um link para download da faixa "Stay Up Late", que lembra o Glasvegas.

A História da Blitz

2009-04-22T09:30:00.000-03:00

Lembra da Blitz? Aquela banda dos anos 80 que cantava “Você não soube me amar” (ver vídeo abaixo), falava sobre batata frita e encartava gibis nos LPs! Se você não se lembra ou não conhece, vale a pena descobrir uma das bandas mais divertidas do rock nacional. A Blitz chegou a ser elogiada por Caetano Veloso e Gilberto Gil e fez muito sucesso. O livro As Aventuras da Blitz, de Rodrigo Rodrigues (apresentador do programa Vitrine, da TV Cultura) conta como foi a história do fenômeno sob a perspectiva de alguém que é fã e amigo – o autor chegou a viajar com a banda para registrar alguns shows em vídeo.

Formada no início dos anos 80 no Rio de Janeiro, a Blitz fui uma espécie de fusão entre a banda que acompanhava a cantora Marina Lima e o grupo de teatro Asdrúbal Trouxe o Trombone. Teve como integrantes Lobão (na época, baterista), Evandro Mesquita e Fernanda Abreu. O clima do livro é de total descontração. Mais do que fazer uma reportagem, Rodrigues procura mostrar como era o ambiente da Blitz, as brincadeiras, a intenção de misturar música com teatro e a empolgação dos integrantes. A linguagem também é leve, com gírias, conversas do autor com leitor e trocadilhos com as letras das músicas. Muitas imagens forma recuperadas, algo importante para entender o apelo visual que tinha o grupo carioca.

A história da Blitz realmente merece ser contada, mas o texto de As Aventuras da Blitz abusa da informalidade e isso incomoda. Outro problema é o descaso com a bibliografia no final, que não traz o autor, editora ou ano de publicação dos livros citados.

Quem era fã da Blitz certamente vai se empolgar mais com as referências oitentistas do livro, mas ele ajuda a entender uma parte importante da história do rock nacional.

Veja um dos maiores sucessos da Blitz, "Você não soube me amar":

Caetano segue jovem e em busca do novo

2009-04-20T09:30:00.000-03:00

Depois de fazer rock, Caetano volta aos poucos à MPB

Depois de surpreender e fazer um disco de rock (Cê, de 2006), Caetano Veloso volta com sua banda fazendo mais samba. Zii e Zie ainda tem guitarras e temas ligados ao universo da música pop (em Diferentemente uma letra de Madonna é citada), mas as faixas remetem à música brasileira. Mas não aquela MPB antiga e ultrapassada.

Apesar de estar com 67 anos, o novo disco traz um Caetano jovem. Falando de garotas, da praia e de como a Lapa é legal (cool), os treze temas de Zii e Zie fazem uma releitura do samba. Isso é possível justamente porque em Cê, o cantor baiano recrutou músicos mais novos do que ele com a intenção de repaginar seu som. Pedro Sá, Ricardo Dias Gomes e Marcelo Callado tocam os acordes do tradicional ritmo brasileiro sem os vícios de quem já é consagrado e faz isso há anos. Ao violão e à batida, misturam-se distorções e microfonias. Os arranjos são simples, como são no rock, sem que a música seja simplória.

Zii e Zie não é tão forte quanto Cê, mas mostra que Caetano Veloso sabe o que está fazendo: misturando elementos novos ao que é único na nossa música para mantê-la atual e relevante. E além disso, é um disco otimista, que vê os tempos atuais com bons olhos e humor. Caetano está ficando mais velho, mas não um senhor reclamão.

Veja o vídeo de Sem Cais, de Zii e Zie:

O peso ainda está vivo (e cada vez mais pesado)

2009-04-06T14:22:00.003-03:00

Adoro música pesada. Seja ela eletrônica, clássica ou jamaicana, é muito bom ouvir batidas fortes, melodias agressivas e até alguns gritos bem dados. Porém, nada como um bom rock da pesada. E uma das minhas bandas heavy favoritas é o Therapy, da Irlanda do Norte.

Já no décimo-segundo disco, o trio lançou faz alguns dias o hiper-pesado Crooked Timber. Baixo e bateria deveriam ser o subtítulo do disco, porque são os instrumentos que dominam e dão o tom em todas as faixas. Melodia, só na voz de Andy Cairns. Aliás, acho que eu nunca tinha ouvido um baixo tão agressivo e tão alto (!).

Nada de genial, mas coerente com a carreira do Therapy?. Faz os fãs, como eu, continuarem a gastar dinheiro com seus discos. E continuarem a ter fé na música pesada, apesar do que o new-metal e o emo fizeram com ela. Deixaram a coisa meio banalizada, meio levinha, apesar de barulhenta. Queridos amigos de olhos pintados e franjas longas, ouçam Crooked Timber e aprendam o que é música pesada de verdade.

Ainda não há previsão de lançamento no Brasil, mas Crooked Timber deve sair em versão nacional, já que desde Suicide Pact - You First (de 2000) todos os discos deles tem chegado a nós.

Veja o vídeo do primeiro single, "Crooked Timber":

Radiohead chega perto da perfeição em São Paulo

2009-03-24T14:51:00.001-03:00

Confira a matéria no Bom de Humor.

A noite foi quase perfeita. Depois de muitos anos de espera, finalmente o Radiohead fez shows no Brasil. Primeiro no Rio, na sexta-feira, com um setlist de deixar qualquer fã de boca aberta. Em São Paulo, Thom Yorke e sua turma levaram os 30 mil presentes à catarse. Finalmente, nós, os fãs, seríamos recompensados.

Começou com a volta dos Los Hermanos, um show não muito empolgante, mas que agradou ao pessoal que já estava lá. Em seguida veio o histórico Kraftwerk, numa apresentação tradicional do grupo alemão – todos os integrantes parados no palco, apenas comandando seus computadores e mandando ver na música eletronica. Foi o tempero certo para aumentar a vontade de ver o Radiohead.

Pontual, a banda entrou às 22h. Começou animada, com a primeira música (“15 step”) do último disco, In Rainbows. Não dava para acreditar que aquilo era verdade. Uma das bandas mais importantes dos últimos anos estava de fato ali, na nossa frente. As especulações foram muitas, eu já havia perdido a esperança. Só tive certeza quando segurei o ingresso e nele vi escrito “Radiohead”. Mas definitivamente nada havia me preparado para o que estava por vir naquelas duas horas e vinte.

Nos momentos mais calmos do show, o silêncio era absoluto. Quem falasse mais alto era logo repreendido pelas pessoas a sua volta. Enquanto “Faust Arp” estava sendo tocada por Yorke e Johnny Greenwood munidos apenas de violões, a platéia olhava compenetrada para o palco, sem se mexer. Quando a intensidade aumentava - como, por exemplo, em “Optimistic” - o público até dançava, mas a postura era mais de reverência à musica do que o clássico ato de cantar junto e pular freneticamente (algo comum na maioria dos shows de rock). Não se tratava somente de curtir as musicas que você já conhecia. O Radiohead fez com que mesmo os fãs mais fiéis redescobrissem o repertório dos 20 anos de carreira da banda. Era um outro Radiohead.

Isso teve um motivo: a qualidade do som, que estava, sem exagerar, perfeito. Era possível ouvir todos os instrumentos, todos os efeitos eletrônicos, fosse a musica mais animada ou calma. A banda também impressionou; os integrantes do Radiohead não formam apenas um conjunto de rock, são também excelentes músicos. Em alguns dos grandes shows de música pop, um palco incrementado serve para esconder a ineficiência do artista que está se apresentando; o Radiohead consegue usar efeitos especiais e de luz muito bem produzidos, que acompanham e complementam a musica, sem deixar que ela fique em segundo plano. O repertório também passou longe do óbvio. Claro que “Creep”, primeiro sucesso da banda, e “Fake Plastic Trees” não podiam ficar de fora. Mas teve até um lado b (“Talk Show Host”) e músicas menos conhecidas como “You and Whose Army?”.

Só não se pode dizer que o festival foi perfeito por conta da organização e da infra-estrutura. Era difícil chegar à Chácara do Jockey. O único estacionamento oficial tinha apenas uma entrada, o que dificultou a chegada e, principalmente, a saída (demorou mais de uma hora e meia). As filas para comprar lanches e bebidas eram longas. Os banheiros químicos estavam nos estábulos, portanto o cheiro era forte, além de ser difícil de transitar por ali.

Nada que estragasse o momento que todos nós presenciamos, mas certamente teria sido muito mais memorável se os responsáveis pela organização tivessem prestado mais atenção ao conforto dos que pagaram R$ 200,00 para estar ali.

Vídeo da semana - Joe Strummer and The Mescaleros

2009-03-23T10:00:00.001-03:00

Do fantástico disco Streetcore, lançado após a morte de Joe Strummer, vem essa também fantástica música, "Coma Girl". Agora, se você acha que só ouvindo essa faixa já sabe como é o som do disco, enganou-se. Tem de tudo nesse álbum, e muito bem-feito. É uma compilação do som que toca nas ruas das grandes cidades. A produção é impressionante.

"Coma Girl"

Vídeo da semana - The Black and White Years

2009-03-16T17:18:00.003-03:00

Claro que não poderíamos deixar de colocar aqui o vídeo de uma de nossas bandas favoritas, os texanos do The Black and White Years. Eles lançaram seu primeiro disco ano passado e prometem ser uma das melhores bandas novas dos últimos tempos. Já fazem barulho em sua terra natal, Austin, e participam do South By Southwest, um belo festival que acontece nos EUA.

Veja o divertido vídeo de "Zeros and Ones"

Flaming Lips viram hino

2009-03-13T23:43:00.003-03:00

Acreditem ou não, Oklahoma, nos EUA elegeu a música "Do You Realize?" do The Flaming Lips como a "canção oficial de rock" do estado. É oficial: houve uma seleção de músicas e as pessoas votavam na sua preferida em um site. Os estados americanos têm seu pássaro, árvore, prato, idiota (desculpem-me, todos não, só o Texas) e agora uma canção de rock. Do jeito que os americanos são politicamente corretos, periga terem de incluir um monte de outras categorias (canção hip-hop, música feita com canos de pvc, cantor banguela). Tantas quantas forem as minorias. Vai ficar parecido com o Grammy.

"Do You Realize?" é do disco Yoshimi Battles the Pink Robots, de 2002, um dos meus favoritos de todos os tempos; a last.fm não me deixa mentir.

Veja o vídeo do hino rocker de Oklahoma:

Bateria no teclado

2009-03-03T13:24:00.002-03:00

Olhem só o brinquedinho que eu achei (obrigado, Odilon!) na internet: uma bateria/efeitos sonoros que pode ser tocada no teclado do computador! Não dá para fazer grandes coisas, mas os sons são legais.

Clique aqui para brincar

Arnaldo Baptista

2009-03-03T11:20:00.000-03:00

Texto originalmente publicado na Revista Espresso dos meses de setembro, outubro e novembro.

O ROCK POPULAR BRASILEIRO DE ARNALDO BAPTISTA

Considerado um dos principais músicos e compositores dos anos sessenta, o ex-tropicalista fala sobre Gilberto Gil, sua saída dos Mutantes e suas paixões, os amplificadores valvulados

TEXTO DIOGO RODRIGUEZ

Arnaldo Dias Baptista não é um herói do rock’n’roll. Apesar de, junto com os Mutantes e na onda da Tropicália, ter criado a semente de uma proposta de música brasileira diferente de tudo que vinha sendo feito até os anos sessenta, hoje em dia ele está longe de ter o status que têm bandas como os Rolling Stones, ou mesmo de outras personalidades consagradas da MPB. Enquanto os ingleses sexagenários ainda fazem turnês milionárias e são reconhecidos pelo mundo todo e Chico Buarque lota casas de espetáculo pelo País, o ex-tecladista de uma das maiores bandas de rock do Brasil não encontra facilidade para lançar os discos de sua carreira-solo: “Eu ainda tenho falta de acesso a esse lado [às gravadoras]”.

Ele é um dos que ajudaram a plantar a influência do rock no Brasil. Nascido em São Paulo, em 6 de julho de 1948, passou a infância e a adolescência no bairro da Pompéia. Teve contato com a música desde cedo, graças aos pais, César Dias Baptista e Clarisse Leite. “Em casa, nós [Arnaldo e seus irmãos Sérgio e Cláudio César] tínhamos um envolvimento musical muito importante. Minha mãe foi a primeira mulher do mundo a compor um concerto para piano e orquestra; meu pai era poeta:, escreveu três livros. O nosso envolvimento com a arte era totalmente mundial, mas não no sentido popular”, disse. Arnaldo conta que sua preferência por rock o fazia sentir-se “como um pária, porque ouvia conjuntos do exterior e não conseguia encontrar ninguém paralelo no Brasil”. Entre seus favoritos estavam The Ventures, The Shadows e o guitarrista Duane Eddy.

DUPRAT INCENTIVOU, OITICICA BATIZOU

Até chegarem à formação mais conhecida, com Arnaldo no baixo, Sérgio na guitarra, Rita Lee no vocal e Dinho na bateria, os Mutantes tiveram vários nomes e integrantes. Esses quatro seriam os que apresentariam a composição Domingo no Parque com Gilberto Gil no 3° Festival de Música Popular Brasileira da TV Record, em 1967 – e seriam vaiados pela platéia porque empunhavam instrumentos elétricos, algo considerado inadequado pelas platéias conservadoras.

A responsabilidade por introduzir o quarteto paulistano à música brasileira de maneira decisiva foi do maestro Rogério Duprat, um dos idealizadores e principais colaboradores dos tropicalistas: “Nós fomos a um programa de rádio que ele tinha na época e conhecemos a Nana Caymmi. Acompanhamos a música Bom Dia e ela nos levou para conhecer o Gilberto Gil [autor da canção]”, conta Arnaldo. Encontraram-se no Hotel Danúbio, onde o baiano morava, e assim começava o ramo musical da Tropicália. O artista plástico Hélio Oiticica foi quem primeiro usou o termo; outros nomes mais famosos do movimento eram José Celso Martinez Corrêa no teatro e José Agrippino e Torquato Neto na literatura. Os tropicalistas tinham a intenção de misturar a cultura brasileira à cultura de massa do resto do mundo, principalmente das Américas.

A intenção de dar um caráter mais universal à música nacional que Caetano Veloso e Gil tinham em mente encontrou respaldo na vontade dos Mutantes de levar adiante o rock como música brasileira: “Quando eu fui ao hotel e encontrei o Gil com a Nana Caymmi e o Jorge Ben, meu lado nacional ficou mais forte, enveredei para isso e me apeguei às origens brasileiras. Me senti mais poderoso em deixar meu lado brasileiro aparecer”. Mais brasileiro, porém sem abandonar o rock: “Nós tínhamos instrumentos de rock, sem dúvida, e era um conjunto que sempre se baseou em guitarras. O sentido de rock’n’roll [da Tropicália] foi sempre nosso”.

O rock e a irreverência das letras e apresentações levaram os Mutantes ao estrelato no final dos anos sessenta. Além de participar do disco Tropicália (1968), fizeram desfiles de moda, campanhas publicitárias, programas de televisão e tocaram na Europa, na principal feira do mercado fonográfico mundial, a Midem. Porém, nada parecido com o que outras estrelas da época experimentavam. “De uma certa forma sempre fomos deixados de lado porque éramos muito diferentes do Roberto Carlos e da Wanderléa.” E qual teria sido o impacto de um conjunto de rock na música brasileira? “Os Mutantes tentavam abranger o que não era conseguido, ou seja, enquanto havia conjuntos que imitavam os lá de fora, nós entramos na pesquisa da música brasileira.”

Depois do frisson inicial e do sucesso conseguido por canções como Ando Meio Desligado, os Mutantes encontravam cada vez mais dificuldades para se manter populares. Problemas internos como insatisfações, brigas e desentendimentos causaram a saída de integrantes ao longo dos anos. Primeiro foi Rita Lee, depois Arnaldo Baptista. Segundo ele, começavam a aparecer diferenças artísticas entre ele, o irmão, Sérgio Dias, e o resto do grupo. Em 1973 deixou a banda; no ano seguinte lançou seu primeiro disco-solo, Lóki?. O irmão mais velho, Cláudio César, construía equipamentos para serem usados em shows e gravações. “O meu irmão fazia amplificadores digitais e eu prefiro valvulado, foi por isso que eu acabei saindo dos Mutantes.” Os mesmos motivos o levaram a sair mais uma vez, após a reunião em 2006, desta vez com Sérgio Dias, Dinho Leme e Zélia Duncan.

O EQUIPAMENTO MAIS-QUE-NECESSÁRIO

A questão dos amplificadores valvulados está fortemente presente na conversa com Arnaldo. Sua absoluta predileção por esse tipo de equipamento é algo que ele sempre faz questão de frisar. Quando perguntado do porquê disso ele conta uma história “muito íntima” e “nunca publicada”. Um ou dois anos antes do término dos Mutantes, quando visitava Armando Salles em São Paulo, “audiófilo” e amigo de seu pai, ouviu um som “totalmente maravilhoso, psicodélico”, que o “preencheu”. Quando perguntou a Salles o que era aquilo, a resposta: “É que o amplificador aqui em casa é valvulado.”

Foram seis discos com os Mutantes e outros seis em carreira-solo. Arnaldo tem procurado manter-se fiel ao tipo de som que admira, de “músicos como o Tony Kaye, pianista do grupo Yes, o Nigel Olsson, baterista do Elton John, o Jack Bruce, contrabaixista do West, Bruce and Laing, o Jimmy Page, guitarrista do Led Zeppelin”, que ele “endeusa”. O esforço agora é conseguir equipar seu estúdio caseiro em Juiz de Fora (MG). “Em São Paulo eu tenho um apartamento. Era um pouco difícil porque tenho um amplificador de 40 watts. Aumentava o volume um pouquinho e o zelador já berrava pelo interfone: ‘Tá muito alto!’. Vou fazer o som de acordo com o que eu sonho, que é totalmente valvulado e com instrumentos Gibson. Então, eu tenho bateria Ludwig, tenho três teclados em casa... Eu vou deixar transparecer a diferença que existe entre o rock’n’roll bom e rock’n’roll ruim.”

Com duas músicas do próximo disco já gravadas, Arnaldo Baptista tem esperanças de conseguir fazer música exatamente do seu jeito. Neste ano, estreou na literatura com a ficção-científica Rebelde entre os Rebeldes (Editora Rocco), em que convida o leitor para uma viagem espacial: “Aventuras interplanetárias de um casal que foge da Terra e vaga pelo tempo e pelo espaço em busca de paz”. E avisa: “Vou levar adiante a minha carreira-solo, porque agora vai ser como eu quero.” Além de gravar todos os instrumentos (como já havia feito em Let It Bed, de 2005), Arnaldo está executando toda a parte técnica sozinho: “Encontrei dois gravadores profissionais nos Estados Unidos que aperto um botão e sai deles um CD pronto para ser tocado. Então eu já passei a ser independente”. Uma independência merecida, ainda que tenha demorado a chegar.

Voltaremos a garimpar

2009-03-03T11:05:00.003-03:00

Para os poucos que ainda entram aqui, uma novidade. Uma novidade, não, a maior novidade desde que o blog começou, em dezembro de 2006. Voltaremos à ativa.

E não se trata de apenas voltar a escrever como antigamente. O Eu Garimpo terá, a partir de agora, uma veia mais jornalística, com entrevistas, críticas de casas de shows, baladas...

Claro que não abandonaremos nosso vício de pensar a música, mas faltava ao blog se relacionar mais com seu meio ambiente. Isto é, São Paulo.

Quando começamos, a quantidade de shows, bares e lançamentos era menor do que hoje. O rock e a boa música estão voltando à moda. Faz sentido, então, darmos atenção ao que acontece ao nosso redor.

E como já vinha acontecendo desde que mudamos o nosso "subnome" de Rock na peneira para Música na peneira, a cobertura não se limitará ao gênero mencionado. Música brasileira e pop também farão parte das pautas.

Claro que a postagem não poderá ser tão frequente como gostaríamos, mas terá uma certa frequência. Pelo menos uma vez por semana.

Começamos semana que vem, com a resenha de um show (garimpado, claro!) e possivelmente uma entrevista.

Por agora, vou postar um texto meu que saiu ano passado na revista Espresso. É uma entrevista com o Arnaldo Baptista, d'Os Mutantes. Ele fala sobre amplificadores valvulados, sua saída d'Os Mutantes e Rogério Duprat.

Até semana que vem.

Falta um dos Stooges

2009-01-06T14:11:00.001-02:00

Do G1:

Morre Ron Asheton, guitarrista dos Stooges

Músico foi encontrado morto em casa nesta terça-feira (6).
Com estilo agressivo, banda influenciou movimento punk.

Veja mais AQUI.

A espera interminável [Radiohead finalmente no Brasil]

2008-12-06T14:45:00.003-02:00

Depois de postar sobre o Radiohead diversas vezes e de ouvir Radiohead milhares de vezes mais, finalmente um dos sonhos deste que escreve se concretizou: ver um show dos ingleses. São oito anos de especulações e falsas notícias (obrigado, Lúcio Ribeiro).

Minha falha memória me conduz ao ano de 2000, quando ainda existia o Free Jazz (que trouxe muita coisa legal, como o Sonic Youth e o Jonny Lang). Nessa época, chegou-se a dizer que a turnê do disco Kid A passaria por São Paulo no tal festival. Até hoje não sei se é verdade a versão que correu explicando o "cancelamento": a banda já teria sido contratada, mas a explosão do dólar - mais conhecida como "o fim dos subsídios governamentais para viagens ao exterior - fez o valor do cachê do Radiohead ficar caro demais para o orçamento do Free Jazz. Não me admira que a classe média alta tenha votado no Lula em 2002.

Parece que agora vai. Já comprei meu ingresso pela internet. Porém, como diria Silvio Santos, "eu só acreditôôôô...". Eu confio nos nossos promotores de shows, tão preocupados em trazer atrações internacionais para o nosso entretenimento, mas a crise mundial me parece que pode ter o mesmo efeito do que aconteceu em 2000. Sei lá, vai que cometeram o mesmo erro. Espero que o cachê já tenha sido pago dessa vez ou que tenham feito como as montadoras de veículos (que estão fazendo feirões a rodo nesse fim-de-semana) e feito o contrato com um valor fixo para o dólar, ou algo assim.

Estamos quase lá. Espero te encontrar aqui em São Paulo em março, Thom.

Não basta ser “cool”... [Simply Saucer, Cyborgs Revisited]

2008-11-08T14:57:00.007-02:00

:: Rodrigo Celso

Este é um texto da série: bandas “cool” que vêm de lugares nada “cool”. Hamilton, Ontário, Canadá, 1974, uma cidade de menos de 300.000 habitantes, às margens do Lago Ontário, dedicada principalmente à metalurgia. A banda, Simply Saucer, que nunca chegou a lançar um disco (o CD à venda, Cyborgs Revisited é uma compilação tardia), é hoje considerada uma referência para o Rock alternativo canadense e mundial.

A impressão que se tem ao ouvir a banda é que um grupo de jovens de talento, relativamente isolados, teve um monte de idéias geniais sem ter ninguém para mostrar. Quer dizer, sem ter ninguém capaz de levar seu som para um centro cultural que os lançasse aos olhos do mundo. Mistura do Pink Floyd de Syd Barret com Velvet Undergroug e The Stooges, o Simply Saucer é uma espécie de elo perdido entre o rock progressivo e o rock de garagem, como toques de música eletrônica utilizada de forma precursora e original.

Com uma produção contemporânea, a banda poderia ter sido lançada ontem e não deixaria de ser genial. As músicas misturam um humor descompromissado, às vezes negro, como em “Nazi Apocalipse”, com peso e sons climáticos que não desrespeitam o formato da canção de 2 ou 3 minutos, como fariam bandas progressivas e algumas bandas de hard rock como Deep Purple e Led Zeeplin. É difícil acreditar no que se está ouvindo (eu ainda estou tentando absorver a coisa toda...) e, principalmente, que esse som tenha permanecido quase inacessível por tanto tempo.

A esperança atual é que uma coisa como essa nunca mais venha a acontecer. Hoje, uma banda pode estar em qualquer lugar e ser ouvida em nível mundial. Talvez seja verdade, como diz nosso amigo Chris Anderson da Wired, revista especializada na Internet, em seu livro “A Longa Cauda”, hoje é preciso vender pouco de muitos produtos para fazer dinheiro. Muitas bandas vendendo menos, ganhando menos dinheiro no lugar de artistas POP arrasa quarteirão fazendo milhões de dólares. Não sei qual quadro é o melhor, mas pelo menos, no mundo de hoje, tenho quase certeza que o Simply Saucer não teria despontado para o esquecimento. E tenho orgulho de viver no tempo que eles e tantos outros artistas esquecido tem sido redescobertos, celebrados e ouvidos.

Tudo igual, graças ao Papai do Céu! [Oasis, AC/DC]

2008-11-05T13:24:00.020-02:00

:: Rodrigo Celso

Meu irmão deve ter alugado o mesmo desenho da turma da Mônica umas 40 vezes quando era criança. Vivíamos a época do vídeo-cassete e das vídeo locadoras. Eu oferecia outros filmes, mas ele queria levar sempre o mesmo, que assistia com entusiasmo renovado ... todas as 40 vezes! Todos nós vivemos histórias assim que revelam, em maior ou menor grau, nosso amor pela repetição. Por que será? Minha impressão é que repetir dá uma sensação de segurança; dá alguma garantia, mesmo ilusória, de que o mundo não vai mudar nunca.

Os discos novos de Oasis e AC/DC realizam plenamente nossos mais arcaicos desejos de repetição. Essas duas bandas de riff, com clara vocação POP, realizaram plenamente seu potencial em, respectivamente, "Dig Out Your Soul" e "Black Ice". Os discos são tão perfeitos, mas tão perfeitos, que é difícil dizer qualquer coisa. Dá vontade apenas de exclamar, entusiasticamente: "Gu, gu!".

Antes mesmo de ouvir os CDs você, que não chegou ao Rock ontem, sabe exatamente o que esperar. É muito fácil identificar todos os truques e trejeitos das duas bandas e se deixar levar por sensações de aconchego e sentimentos de felicidade. Como nos momentos em que entrávamos embaixo de nossos cobertorzinhos e mamãe ou papai liam historinhas antes irmos de nanar. Tudo soa familiar, quentinho, macio e gostoso. Afinal, para um roqueiro de verdade, ouvir Angus Young tocando seus riffs poderosos e vestindo a mesma roupinha de colegial de sempre, é muito parecido com ganhar uma chupeta nova ou avistar, mesmo que ao longe, nossa mamadeira noturna de leite morno.

Em uma palavra: delícia!

Obrigado Papai do Céu!

Observação: Os discos são contra-indicados para todos aqueles que pretendam algum dia se tornar completamente adultos. Esses, certamente vão achar ridícula a roupinha maravilhosa de Angus Young e completamente desnecerrária a eterna pose de moleques folgados dos irmãos Gallagher.

O Sonho não acabou [Beirut, Eisntürzende Neubauten]

2008-11-01T17:44:00.013-02:00

:: Rodrigo Celso

O recém lançado disco solo de Jochen Arbeit, guitarrista do Einstürzende Neubauten, ARBEIT : SOLO, segue na mesma direção do filme “Crossing the Bridge: The Sound of Istambul” dirigido por Faith Akin e protagonizado pelo baixista da banda, Alexander Hacke: o oriente. Mas nem o documentário nem o disco olham para o leste do globo em busca do exótico. Akin mostra bandas de rock progressivo e alternativo, rappers e artistas tradicionais num contínuo e com o mesmo destaque. Arbeit utiliza a seriação típica do Einstürzende para criar climas inusitados, utilizando instrumentos diferentes, especialmente cordas, que abusam da dissonância. No fundo, trata-se de perceber, como sempre, que o “outro” não é tão estranho assim. Mais do que isso, ele é tão parecido, que às vezes se confunde com nós mesmos.

Quem assistiu o filme de Jean Luc Goddard, “One Plus One" (1968) sobre os Rolling Stones, deve estar começando a desconfiar do sentido disso tudo. Goddard mostra, num documentário sobre dois dias de gravação dos Stones, como o diálogo social, especialmente sobre questões raciais, que estava bloqueado na sociedade, ocorria na música. Cenas de ficção, entremeadas a imagens dos Stones, retratam diversos movimentos sociais da época, inclusive militantes marxistas e panteras negras, autocentrados em discursos agressivos, unilaterais e sem espaço para negociação.

O filme acompanha dois dias de gravação de “Sympathy for the devil”. No primeiro, a canção é uma balada sem graça, cantada sem muito entusiasmo por Jagger. No segundo, irreconhecível, a canção toma sua forma final de clássico do rock. Tal transformação inacreditável, ocorrida diante dos olhos dos espectadores, se deveu a uma única coisa: a incorporação de percussão africana ao arranjo, elemento que acaba interferindo no andamento, textura e clima da canção.

Para Goddard, o diálogo musical que transformou completamente a música dos Stones, é um modelo ideal que a sociedade, naquele momento histórico, não pretendia ou simplesmente não era capaz de seguir. Afinal, os Stones não estavam em busca do entendimento entre as raças, não se tratava de um projeto político. A necessidade de expressão estética levou ao diálogo: a mistura de elementos negros e brancos nasceu naturalmente da atividade de pesquisa musical.

Enquanto isso no campo político, espaço que deveria ser dedicado aos assuntos da pólis, ao diálogo, à busca de entendimento, tudo conspirava para o conflito, o radicalismo, a guerra. A decorrência natural das posturas que Goddard apresenta em seu filme seria, certamente, a polarização entre amigos e inimigos. O que pensar de uma política, cujo desfecho normal é a guerra? Uma política que deixa de lado seu objetivo central e passa a explorar diferenças supostamente inconciliáveis, abdicando do projeto de construir zonas de acordo entre os homens? Para que ela serve?

Hoje o grande “estranho”, o “outro” é o oriente, pelo menos aos olhos dos radicais orientais e ocidentais. Claro, olhado de perto, esse “outro” não é tão estranho assim, como mostram Faith Akin, Jochen Arbeit e Alexander Hacke. Tal constatação é evidentemente incômoda para qualquer posição radical, pois desarma discursos unilaterais e dificulta a caracterização do outro como inimigo. Aparentemente, como nos anos 60, a música continua cumprindo seu papel.

Diversas outras bandas estão fazendo o caminho do leste, sem pensar exatamente em mudar o mundo, sem construir um projeto político, apenas em nome de sua sensibilidade. Um exemplo importante é Beirut, conjunto do Novo México, EUA, resultado da colaboração entre Jeremy Barnes do Neutral Milk Hotel e Heather Trost do A Hawk and a Hacksaw de Budapeste.

Conheci a banda por recomendação de um amigo alemão que jurava que ela fosse de Beirute mesmo, nunca um projeto paralelo de músicos de rock alternativo. Os sons do oriente fizeram o caminho contrário, inspirando o Beirut com seus trompetes e ukeleles, em plenos Estados Unidos. Vale a pena ouvir e sentir a melancolia presente em quase todas as canções da banda, e depois sonhar que estes fenômenos estéticos possam ajudar a melhorar o nível de nossa política. Afinal, sonhar sempre vale a pena.

Jochen Arbeit: http://www.myspace.com/jochenarbeit

Beirut: http://www.myspace.com/beruit

No TIM Festival por acaso [show do MGMT em São Paulo]

2008-10-28T23:01:00.004-02:00

:: Diogo BarbaRuiva

Geralmente não dou muita bola para o TIM Festival. As escalações são geralmente meio estranhas, os shows demoram e o público é irritante (talvez por causa da mistura indiscriminada das edições anteriores).

A última e única vez em que eu tinha ido a esse festival foi em 2005, na Marina da Glória (Rio de Janeiro). O único objetivo, apesar de Strokes e Television tocarem naquele ano, era ver o fantástico pianista de New Orleans Dr. John. O show dele não foi decepcionante, mas ver o público ir deixando o espaço da apresentação ao longo dela porque logo Elvis Costello entraria em outro palco me deixou traumatizado. Dr. John terminou tocando para não mais do que 100 pessoas, apesar de já ter gravado com gente como Etta James, Stevie Ray Vaughan e B.B. King. Triste.

Portanto, é uma surpresa que eu tenha de fato ir assistir a uma noite do TIM desse ano. Não foi planejado. De última hora, me vi intimado por uma amiga a ver The National e MGMT (que eu não conhecia muito). Tive de dar o braço a torcer para o TIM e para as surpresas que a noite iria apresentar.

Esqueçamos o The National, fica para outro dia. MGMT são as letras de ordem. O peso do som deles fez tremer o Parque do Ibirapuera (literalmente). E não se trata de um peso no estilo do Sepultura; é a agressividade do som ao vivo de uma ótima banda, que sabe animar uma platéia. Isso é raro hoje em dia.

Foi uma hora e pouco que lamentei ter passado tão rápido. O despreparo foi essencial nessa experiência: não saber o que esperar, não saber uma letra de cor pode ser muito bom em alguns momentos. Não havia como escapar da tremedeira. Tanto fazia estar ao lado do palco ou no fundo da platéia, comprando cerveja. Aquela barulheira toda tomava conta de tudo: chão, ar, caixa torácica.O melhor jeito de conhecer uma banda de verdade é vê-la ao vivo e tocando para uma platéia que (ainda) não é fã por completo. O MGMT deve ter conseguido arrebatar pelo menos 50% daquelas três mil e tantas pessoas.

E fizeram isso sem pirotecnia. Simplesmente tocaram, algo que fazem muito bem. O som não é nada muito original, nada revolucionário (claro, o que é hoje em dia?). Ser competente é o diferencial, fugir da burocracia é o que vai separar as grandes bandas do futuro do mero hype eufórico (e sempre foi assim, de um certo modo).

Agora, ouvindo as músicas gravadas, tenho ainda mais certeza do que está escrito acima.

Eles não são de nada [show do Fischerspooner na Bienal de SP, 26/10/2008]

2008-10-27T12:52:00.012-02:00

:: Rodrigo Celso

O show do Fischerspooner é uma paródia dos grandes espetáculos de artistas como Janet Jackson e Maddona. Além das músicas, as roupas e o texto estilizam a afetação e o exagero das grandes personalidades da cena POP mundial, temparamentais, perfeccionistas e cheias de manias. O vocalista Casey Spooner, não parava de relamar das roupas das dançarinas que acompanham o grupo e de implicar com o som da banda, com o comportamento dos músicos etc.

Tudo não passava de brincadeira, é claro, para nos fazer pensar na mistura de fascinação e asco que sentimos diante do "star system", montado principalmente nas décadas de 80 e 90. Andy Wharhol captou o espírito de seu tempo e, antes de morrer, fascinado pelas celebridades, fez retrados de Sylvester Stallone, Deborah Harry e Michael Jackson. Hoje, com a relativa fragmentação que o mundo da cultura está experimentando, é possível ser mais irônico e, porque não dizer, saudosista ao lembrar de uma época que parece estar fadada a morrer. As celebridades não são mais de nada.

Claro, ainda temos algumas celebridades mundias e locais, mas acreditem os mais jovens, não é a mesma coisa. Não é mais preciso ligar o rádio no Brasil, Japão, EUA e Alemanha e ser obrigado a escutar exatamente a mesma coisa. Estamos livres para ouvir rádio na internet e em emissoras locais e comunitárias; comprar CDs independentes em lojas, camelôs, bancas de jornal; baixar e ouvir música na Internet legalmente etc. Um número cada vez maior de pessoas, no centro e na periferia, pobres e ricos, ateus e religiosos, ignora a programação e a propaganda da grande mídia e constrói, a partir de seu gosto pessoal, a imagem do mundo que deseja vislumbrar. Só se submete quem quer ou quem gostar muito de sofrer.

O Fischerspooner pensa suas performances para este mundo pós-celebridades, em que é possível lembrar com carinho e ironia de seres que já se tornaram inofensivos. Além disso, sua música, um electro de alta qualidade, empolgou o pequeno público que compareceu à Bienal ontem a noite, criando um clima intimista que apenas um show pequeno pode ter. Claro, mais uma ironia do Fischerspooner: comportar-se como "superstar" diante de uma pequena platéia de "culturetes", no meio de uma exposição de arte contemporânea. Como bem sabia Freud, o riso nasce do deslocamento de um elemento para fora de seu contexto. Posso dizer com certeza absoluta: todos os que assisiram ao show do Fischerspooner ontem à noite e têm um cérebro saíram do Parque do Ibirapuera sorrindo.

Pichadores na Bienal: ativismo no estilo BB Brasil

2008-10-27T00:52:00.007-02:00

:: Rodrigo Celso

O excelente show do Fischerspooner no térreo do pavilhão da Bienal deste domingo dia 29/10 deve ter aliviado um pouco a tensão dos funcionários depois dos incidentes que ocorreram ali neste fim de tarde. Quando cheguei, por volta das sete e meia da noite, tudo parecia calmo, não havia fila. Tentei entrar no prédio, mas os seguranças, nervosos, não deixavam ninguém passar. Algum tempo depois ouvi gritos, barulho de vidro quebrado e gente correndo.

Passaram bem do meu lado um segurança perseguindo um rapaz de short verde com uma lata de tinta nas mãos: evidentemente, alguma coisa estranha estava acontecendo. Logo pensei nas pichações ocorridas em São Paulo na Galeria Choque Cultural e na Faculdade Belas Artes, lideradas por Rafael Guedes Augustaitiz, o PixoBomb e seu movimento “PiXação: Arte Ataque Protesto”. Matei a charada: alguns minutos depois recebi um torpedo no celular com a notícia da pichação. Eles atacaram outra vez.

O discurso desse pessoal, até onde entendi a partir das notícias lidas depois dos últimos ataques, é discutir os limites da arte pichando instituições ligadas ao mundo artístico. Das últimas duas vezes pelo menos, era isso mesmo, nas palavras do próprio Rafael. Dêem um Google e leiam várias matérias sobre o assunto. Essa maneira de intervir e até destruir espaços e obras (na Galeria Choque Cultural, diversas obras foram pichadas) pode ser interessante para uma Bienal que pretende discutir sua relação com a cidade de São Paulo, como disseram seus organizadores. Não tenho muita simpatia por ações violentas, mas desta vez, pelo menos, nenhuma obra foi danificada. Pode ser que a Bienal resolva incorporar o ocorrido nos debates que acontecerao em seu auditorio. Mas não tenho como deixar de notar o conservadorismo desses pichadores que, aparentemente, têm mais vocação para celebridades do que para ativistas.

Pensemos no Mano Brown e nos Racionais MC’s que se recusam a falar para a grande imprensa e criaram seu próprio selo, meios de divulgação, circuito de shows, etc. Pensemos na Internet e todo seu potencial para veicular informação, utilizado por bandas, escritores, jornalistas alternativos e tantos outros. Hoje pode-se apostar de fato em pólos alternativos de poder cultural que colocam em cheque a centralidade das grandes corporações e instituições. A indústria da música já cedeu e, muito provavelmente, nunca mais fabricará artistas de alcance global como Maddona e Michael Jackson, sobreviventes de uma era de hegemonia cultural que se acabou. Fim da era do hit: só não percebeu quem anda completamente alienado.

Os jornais tambám estão sendo redimensionados; as TVs, as editoras, todo o mundo da cultura está vivendo um processo de decentramento extremamente saudável. O poder simbólico está sendo fracionado de tal forma que cada vez mais gente tera poder para opinar e influenciar o publico a respeito do que deve e do que não deve ser visto. Hoje em dia, dizem, uma crítica ruim no NY Times por exemplo, é capaz de fechar uma peça de teatro. Tenho certeza de que isso vai mudar em muito pouco tempo.

Claro, no limite estaria o inverso, um mundo em que só haveria opiniões subjetivas, desprovido de qualquer senso crítico. Acho que essa distopia não vai se concretizar. Vamos ter apenas companhias menores, editores e editoras menos poderosos, salários mais modestos em troca de mais centros de poder, mais pontos de vista, mais argumentos e opiniões, ou seja, mais democracia.

Atacar a Bienal, com todo o respeito, é totalmente déjà vu. Lembra o começo do século XX ou final do XIX em que as vanguardas, de fato, precisaram atacar as instituições de arte para serem percebidas. Fazer isso hoje, em pleno século XXI é afirmar um poder que estas instituições não têm. É dar a elas uma centralidade que só expirimentam na grande mídia, porque é preciso preencher o imenso espaço vazio destinado às notícias do dia. Como era mesmo a frase daquele velho barburo e comunista? A historia se repete como farsa... O público de arte nem sonha em se informar sobre o assunto indo apenas à Bienal ou mesmo à Documenta de Kassel. Há outros espaços, outros centros, outros veículos. A Bienal é apenas mais um. Pode ser interessante, instigante, mas está ao lado de dezenas e dezenas de galerias, exposições, publicações, sites, blogs, etc.

Achei este episódio tedioso, como será tediosa a discussão que deve ocorrer na imprensa nos próximos dias. Sinceramente, fico imaginando que a única motivação desse pessoal deve ser mesmo aparecer. Porque não fazem como o Mano Brown e direcionam toda essa energia para criar, por exemplo, pólos de arte de rua nas periferias? Não, preferem se promover à custa das combalidas instituições “consagradas”. Aparecer nos jornais e nas TVs eles já conseguiram. Além disso, o que mais eles querem? Provavelmente nada. É isso que me entedia; esse “ativismo” no estilo BB Brasil em que vale tudo para aparecer. E fica nisso.

Ah, o show do Fischerspooner foi ótimo! Comentários em breve.

Quantos Ditadores fazem um Ramone?

2008-10-24T22:32:00.012-02:00

:: Rodrigo Celso

The Dictators é uma daquelas bandas que, ouvidas hoje pela primeira vez, podem passar despercebidas. O som lembra muito os Ramones, formados um ano depois, em 1973. Na verdade, o som dos Ditadores lembra várias bandas que vieram depois deles: eles sofrem as conseqüências de terem ajudado a criar uma fórmula que funcionou bem demais e resultou no punk, esse movimento tão interessante quanto plural, que deu origem a grupos “cabeça” como Eistürzende Neubauten e Pere Ubu, bandas proletárias e socialistas como Chelsea e Clash, anarquistas como Atari Teenage Riot etc. Resultou no punk, mas comecou com MC5 e Stooges, de quem os Dictators sao descendentes diretos (veja acima do cover de "Search and Destroy" dos Stooges).

The Dictators não tem muita sofisticação: faz um rock básico levemente melódico, sem grandes pretensões, mas com senso de humor. Nada da verve non-sense dos geniais Ramones, os Lewis Carrol do Rock, ou dos Modern Lovers, mas dá bem para o gasto. O mais interessante de tudo é que ouvir dos Ditadores, além de nos colocar em contato com músicas excelentes como “Faster and Louder” do disco Bloodbrothers, faz ver que nenhum gênio nasce do nada.

Quantas bandas excelentes como essa são necessárias para se fazer uma genial como os Ramones? Difícil dizer, mas não são poucas. Quanto mais se fuça os discos e referências de uma época, mais se encontram bandas interessantes. Os artistas geniais não ficam menos geniais por causa disso, mas certamente, são colocados no seu devido lugar, ao lado de dezenas e dezenas de outros que ajudam a formar o espírito da época. Diante disso, se for verdadeira a minha teoria de que toda banda, por pior que seja, tem pelo menos uma música boa, ainda há muito, mas muito o que garimpar.

Vejam abaixo imagens da reunião dos Dictators em outubro deste ano na Espanha:

Mais um detalhe irrelevante de "Lóki"

2008-10-21T00:58:00.003-02:00

Nome do filme: "Lóki - Arnaldo Baptista"

Nome do disco: "Lóki?"

Cê tá pensando que eu sou loki, bicho?
Sou malandro velho
Não tenho nada com isso.

Ainda sobre "Loki" [Um detalhe...]

2008-10-20T21:42:00.016-02:00

:: Rodrigo Celso

A pesquisa do documentário "Loki" é ruim ou muito enviesada. Este Blog, com um mero Google, conseguiu um depoimento de Rita Lee em que ela afirma não ter sido casada de verdade com Arnaldo. Tudo teria sido uma brincadeira de criança: ela teria casado com ele, depois de ser disputada no palitinho com Sergio Dias, com o fim de casar formalmente e depois rasgar a certidão ao vivo na Hebe Camargo, programa para o qual Os Mutantes haviam sido convidados.

Vejam no Youtube:

Como dissemos nos textos anteriores (vejam logo abaixo), diante de tal exclusão, podemos supor que o diretor estava a fim de montar um dramalhão e o fez sem uma pesquisa mais aprofundada, sequer sobre a vida pessoal de Arnaldo, foco do filme. Sera? No minimo, esta informação atrapalharia um pouco a versão "amor adolescente" entre Arnaldo e Rita, que o documentário veicula enfaticamente. Segundo o vídeo de Rita, que não quis falar para o filme, mas liberou seus arquivos, este amor pode nem ter existido: tudo pode ser uma "viagem" de Arnaldo. Não sabemos se o que Rita disse é verdade ou mentira, mas por que a escolha de simplesmente descartar suas observações publicas e acessiveis a todos?

"Loki": tudo em nome do dramalhão?

Ainda sobre "Lóki": Erraram o alvo feio

2008-10-19T23:24:00.006-02:00

:: Diogo BarbaRuiva

Ratificando tudo o que Rodrigo Celso disse sobre o filme, eu tenho mais algumas observações para fazer a respeito do que faltou. E digo que faltou justamente porque o diagnóstico do post anterior foi preciso: não se trata de um documentário sobre música.

Aliás, não se trata nem de um documentário. Está mais para uma versão emocional de fatos já conhecidos que tem por objetivo levar o espectador a um clímax emocional. Cito um exemplo: Lobão diz que a revista Mojo elegeu o disco "Let It Bed" como um dos melhores discos gravados. Uma informação incompleta. O mínimo que se esperaria seria uma rápida pesquisa para mostrar em que ano isso foi, mostrar que tal lista de melhores era essa, com uma imagem para ilustrar a afirmação do entrevistado. Nada. Ficamos só com essa "sensação". E é nisso que o filme é baseado, em sensações, não em documentação.

Porém, o que mais me incomodou foi como Arnaldo Baptista foi retratado. Desde a época em que suas experimentações com ácido começaram (e até os dias de hoje), o mais comum é associá-lo à imagem de um doido, de um cara que não sabe muito bem o que está se passando e age de maneira infantil e desconexa porque ficou "lesado" por causa das drogas. Aqui, dou-me o direito de discordar radicalmente do que é mostrado no filme porque já tive a experiência de conversar com Arnaldo Baptista. Fiz duas entrevistas com ele para publicar um perfil.

Para começo de conversa, ele sabe muito bem onde está no mundo. Sabe o que quer fazer e como fazer. Tem preferências muito claras e opiniões muito bem-formadas do passado, presente e futuro. Uma de suas maiores paixões, segundo ele mesmo, são os amplificadores valvulados. Em pouco mais de uma hora de conversa que tive com ele, esse tipo de equipamento deve ter sido citado pelo menos cinco vezes. E não só citado, mas Arnaldo desenvolveu longos raciocínios dos porquês de preferir os tais amplificadores, contou que não são mais usados nem na Europa (o que lhe causou uma certa decepção na turnê européia com Os Mutantes). Quando fiz uma pergunta relativa às drogas, sua (desconcertante) resposta veio com uma pergunta: "Você já experimentou LSD?". "Não", respondi. "Então eu prefiro não falar sobre isso, é um tipo de coisa que não dá pra explicar", completou, encerrando o assunto. Bem diferente do Arnaldo ingênuo e romântico que o filme mostrou, alguém indefeso e que não sabe medir as consequências de seus atos; é um Arnaldo que sabe se expressar através de palavras e não só com pinturas ou frases desconexas.

Talvez seja mais fácil tratar um dos maiores músicos de rock que o Brasil tem (senão o maior) dessa maneira. Talvez seja mais fácil não dar voz às coisas que ele tem a dizer, tratá-lo com um louco que sobreviveu, como algo vindo de um passado distante que hoje podemos admirar com uma reverência parecida à de alguém que olha uma obra de arte sem entender nada. Esse é o papel que é reservado aos espectadores de "Lóki".

Mas, felizmente, existe quem dê o devido valor a Arnaldo Baptista - como por exemplo, o homem que se aproxima dele em Londres e diz que David Byrne lhe trouxe discos d'Os Mutantes do Brasil; ou o produtor que reuniu a banda para o show no Barbican. Infelizmente, essas pessoas estão quase todas no exterior. Elas são as bandas que reconhecem não só a parte espetacular da vida de Arnaldo, como sua tentativa de suicídio, seus problemas com drogas e a separação de Rita Lee, mas que vêem os discos de sua carreira solo com olhos de quem enxerga um músico de verdade fazendo música relevante para o mundo todo. O diretor do filme e a plateia que ovacionou, de pé, "Lóki", estava mais preocupada em sair cantando "A Balada do Louco" do que saber o que é que importa nessa história toda.

E na opinião desse blog (que não é de "críticos musicais", como já disseram várias vezes, mas de fãs de música), o que importa é a bateria Ludwig, o baixo e guitarra Gibson, os teclados, o convite de Ronnie Von para os Os Mutantes gravarem um disco com ele, a decepção ao chegar ao Fillmore Theather e não achar amplificadores valvulados, as divergências musicais entre os integrantes d'Os Mutantes, ou seja, tudo o que diz respeito à música de Arnaldo Baptista. E que me desculpem os envolvidos na produção do filme, mas isso é a principal parte do que ele é.

“Lóki”, documentário sobre Arnaldo Baptista [Poupe-se!]

2008-10-19T21:10:00.013-02:00

:: Rodrigo Celso

O documentário “Lóki” sobre Arnaldo Baptista que acaba de estrear em SP na Mostra Internacional de Cinema não fala de música. Se você está interessado no assunto, poupe-se de vê-lo. O filme pretende dar ênfase ao lado “humano” de Arnaldo e, para fazê-lo, deixa completamente de lado aquilo que é central para a existência de seu personagem: sua música. Um “detalhe” mostra isso com clareza: em nenhuma das diversas entradas de Arnaldo, entrevistado em sua casa em Juiz de Fora, o documentário se dá ao trabalho de mostrar os instrumentos do músico, personagens centrais para a história da maior banda de rock que o Brasil já teve, Os Mutantes, para a sua carreira solo e para sua existência. Quem já ouviu Arnaldo falar sabe que não há assunto que o apaixone mais do seus instrumentos musicais e a captação valvulada.

Quem leu Verdade Tropical de Caetano ou a biografia dos Mutantes escrita por Carlos Calado sabe que o som da banda dependia diretamente dos instrumentos, efeitos e amplificadores que eles utilizavam. Os instrumentos valvulados que o músico utiliza até hoje e as caixas “fuzz” construídas pelo irmão de Arnaldo, César, aparecem no filme na boca de Kurt Cobain, vocalista do Nirvana, numa entrevista durante o Rock in Rio, em que ele declara sua admiração por Arnaldo; numa fala do próprio Arnaldo em Londres, 2006, reclamando dos amplificadores “estranhos” com os quais ele foi obrigado a tocar no Barbican Center e num quadro que Arnaldo vai pintando ao longo de todo o filme e só aparece terminado no final.

O documentário não presta nenhuma atenção nisso, passando batido também pelas referências musicais presentes nas falas dos vários entrevistados, especialmente os músicos. Tais referências não têm importância nenhuma para a narrativa e, por isso, reduzem-se a frases de almanaque, sem qualquer preocupação de contextualização ou discussão mais detalhada. Ficamos sabendo que Os Mutantes e Arnaldo gostavam dos Beatles, faziam um som psicodélico, que passavam uma “alegria”, uma “liberdade” e coisas desse tipo.

Nelson Motta, Lobão e Tom Zé, os entrevistados responsáveis pelas frases mais superficiais do documentário, claro, são os que ganham maior destaque. Sean Lennon, musico de vanguarda e admirador do musico Arnaldo, ganha uns parcos minutos e o produtor responsável por reunir Os Mutantes no Barbican em 2006 (com Zélia Duncan nos vocais), é ouvido apenas na condição de fã, para dizer que a banda é melhor do que os Beatles, ou seja, para reafirmar o lugar comum "os estrangeiros se renderam ao Brasil", numa demonstração constrangedora de provincianismo dos autores do filme. Caetano, autor de analises fundamentais sobre a banda, compositor gravado por ela e companheiro de Tropicalismo, não foi entrevistado e não aparece sequer em imagens de arquivo. Ronnie Von, que pôs o nome na banda e gravou um disco com eles, também não foi entrevistado. Em suma, nada de musica.

Conclusão: ou presumimos que o documentário não está interessado nesse assunto ou somos obrigados a dizer que ele está baseado numa pesquisa pífia e foi feito por gente que não entende e nem quer entender de música. Mas não sejamos ranzinzas: vamos aceitar que o filme quer apenas mostrar o “homem” Arnaldo e não o músico; e esquecer que o próprio documentario afirma, pela boca de vários entrevistados, que especialmente no caso de Arnaldo, vida e obra não podem ser separadas. Mesmo nesse campo, o filme não tem nenhum interesse. Arnaldo aparece como um personagem de novela das 8 ou melhor, de um dramalhão mexicano. Sua vida, suas opiniões, sua visão de mundo ficam em segundo plano, instrumentalizadas em nome dos clichês que estruturam a narrativa. Auge, decadência, redenção em razão do amor; o artista “louco” e ingênuo, incapaz de lidar com o mundo real, transtornado pelas drogas e pela separação de Rita Lee, está tudo lá, apresentado da forma mais óbvia possível. O clichê tem essa capacidade: colocar em segundo plano tudo o que é singular.

“Lóki” foi aplaudido de pé pela platéia da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, na seção deste domingo dia 19/10, as 16H20, na sala 1 do Reserva Cultural, portanto, pode ser que, de fato, eu não tenha entendido nada. Mas devo dizer que este foi um dos piores filmes que vi nos últimos tempos, incapaz de dar conta de seu personagem, vida e obra. Espero que no futuro, Os Mutantes e Arnaldo ganhem um retrato melhor. Quem sabe daqui alguns anos: hoje, o rock parece ter ganho algum fôlego no Brasil e temos uma cena com bandas, gravadoras e casas de show. Com tudo isso, talvez seja possível ir formando um público mais bem informado, à altura desta banda que, ainda hoje, parece ter descido de Marte, como afirmou Caetano Veloso em seu livro. Por enquanto, o Brasil continua indigno deles. Nesse sentido, o documentário é exemplar: pelos aplausos efusivos do publico, podemos supor que o que interessa mesmo aos brasileiros é o dramalhão. Se for assim, fiquem felizes e fartem-se. Arnaldo Baptista, este sim, merece todos os aplausos.

Como conseguir música de graça legalmente [ou Sobre como bandas independentes podem ser legais]

2008-10-15T19:44:00.009-03:00

:: Diogo BarbaRuiva

O emule não é a única solução, caros leitores. De longe, é a mais rápida e a com o maior número de discos, de artistas famosos ou nem tanto. Por isso é também a mais fácil. E claro, existem os torrents, tão amaldiçoados pelas indústrias fonográfica, cinematográfica e televisiva.

Porém, não é preciso estar 100% na ilegalidade para conseguir mp3 e até discos (de verdade mesmo, em CD, com encarte e tudo mais) de graça. Cito dois exemplos que aconteceram comigo. E tenho dois propósitos com isso (e também com esse post): louvar a comunicação rápida entre pontos distantes e antes separados que a internet proporciona e criticar o excesso de informação que a mesma internet dispõe.

No ano passado, ouvindo o podcast de Vic Galloway na BBC escocesa, descobri uma banda de Edimburgo chamada Action Group. Claro que os achei no Myspace e fiquei amigo. Achei todas as faixas do perfil muito boas, tanto que decidi comprar o álbum de estréia, Greed, mesmo que tivesse que pagar uns 50 reais por isso. Mas não podia, porque o disco só estava disponível na loja do iTunes, que não deixa que nós, brasileiros, compremos nada. Resolvi mandar uma mensagem perguntando se era possível fazer a compra por algum outro site, algum que fizesse entregas internacionais.

Os eventos que se seguem me fizeram virar fã da banda, para além da música propriamente dita. Eles agradeceram o interesse, perguntaram como eu tinha conhecido eles, etc. Algumas linhas abaixo, perguntaram meu endereço e mandaram abraços. Eu, meio confuso, respondi questionando como eu iria pagar pelo disco, se era possível fazer algum tipo de transferência via Pay-Pal ou algo do gênero. Foi surpreendente ler que eles tinham ficado animados com o fato de um brasileiro - alguém que mora tão longe de Edimburgo - havia curtido o som e resolveram me me mandar o disco pelo correio, de graça. Fiquei achando estranho, mas mandei meu endereço mesmo assim. Dois meses depois, chega um pacote com o carimbo da Royal Mail Company. Não tive dúvida do que era e encontrei Greed, verde e sem nenhuma rachadura na caixinha. Além disso, uma carta escrita a mão (com uma letra muito ruim) agradecendo (que ironia; eles é que pagaram o frete!) e desejando o melhor para mim (all the best).

Outro exemplo, menos "épico", mas tão legal quanto, é do Ablespacer, também do Reino Unido. Arrisquei a mesma estratégia de perguntar se eles vendem o EP Butterfly Catch de outra maneira que não pelo iTunes (sim, de novo). Mais uma vez, uma boa surpresa. Um dos componentes da banda me mandou os dois EPs por email. Ele até teve que levar os arquivos de sua casa num pen-drive para que pudesse mandá-los do trabalho.

A internet é realmente uma ótima ferramenta. Garante comunicação instantânea e troca de informações que antes só podiam circular fisicamente (num CD ou disco). Porém...

Voltando ao emule: você consegue baixar quantos discos quiser ao mesmo tempo ou em etapas. Tem quase tudo disponível em poucos passos. Será que isso é necessariamente bom? Tomo uma posição e digo que não. Na internet, existe informação demais. É difícil exaurir um conteúdo, mesmo que se insista muito. O problema, porém, não está somente no excesso de informação, mas na relação que estabelecemos com ela. Nesse caso, eu. Precisamos pensar se tudo o está disponível está sendo de fato absorvido por nós, se essa informação toda não está sendo instrumentalizada, se não estamos consumindo informação só por consumir, sem dar algum sentido ao que aparece na nossa frente. Creio que as coisas não devem ser apenas úteis e divertidas, mas também causarem algum tipo de reflexão, e não precisa ser necessariamente algo extremamente intelectual. Sinto saudade da época em que era fácil se lembrar de épocas da vida pelas músicas que tocavam no rádio.

Hoje está tudo ali, de Abba a Shostakovich, de Dominguinhos a Arctic Monkeys. Vejam só, não estou condenando nada e ninguém, isso é só a expressão de uma opinião e um desabafo. Talvez exista mais gente por aí procurando se relacionar com as novas tecnologias de uma maneira um pouco mais lenta, mas afetiva até. É por isso que eu vou me dedicar à audição cuidadosa dos discos de Ablespacer e Actiongroup. Para ter de novo aquele gosto de conquista, de felicidade por poder ouvir algo que não é fácil de conseguir. Mas claro, vou organizar a fila de 10 cds que estou baixando pra ouvir alguma hora dessas.

As canções perfeitas [Stella Maris de Einstürzende Neubauten]

2008-10-15T02:08:00.005-03:00

:: Rodrigo Celso

O amor está sempre além, como o desejo. Além dos limites da cidade, para além de nosso alcance, muito além de nossos sonhos. Por isso o desencontro é sua regra: não há saída para os amantes para além da eterna procura. O desejo vive da insatisfação, como o amor: trata-se apenas de aprender a suportar a dor.

Os amantes de “Stella Maris”, canção da banda alemã Einstürzende Neubauten que consta do disco Ende Neu de 1996, sonham um com o outro e também sonham que irão se encontram em algum ponto da Terra, em algum ponto do sonho ou da realidade. Por isso, percorrem incessantemente todos os seus cantos, do K9 aos dois pólos, passando pela Terra do Fogo e pelo Monte Everest, à procura um do outro.

A melodia, repetitiva e climática, remete a uma atmosfera de sonho e melancolia, explorando as possibilidades emotivas que a música minimalista e serial de Philip Glass e John Adams ilustra tão bem. O baixo sempre em destaque, característico nas canções do Einstürzende, reforça o caráter percussivo e circular da canção, que sempre retorna ao ponto inicial.

As cordas, em aparente tensão com a linha do baixo, parecem vagar com menos rigor e mais leveza, variando acordes e tonalidades. Mas a variação é falsa: as frases, apesar de longas e sinuosas, também se repetem, como a linha do baixo, e terminam por se encontrar com ele, soando em uníssono, assim que entra a percussão, linear e seca como o som de um pedaço de madeira que bate contra uma placa de zinco.

As duas vozes, baixo e cordas, procuram uma à outra no espaço da canção, mas só se encontram na busca, em paralelo, por uma solução melódica e existencial que nunca chega. A canção termina abruptamente, pois poderia estar começando. Seria indiferente terminar ou repetir mais um de seus ciclos; mais um de seus movimentos circulares, como os amantes da letra que percorrem o mundo todo repetidamente sem conseguir encontrar seu amor sequer em seus sonhos. A letra cantada em dueto, reforça a dualidade e os desencontros que a canção figura.

Será que o amor existe? Será que os amantes, eles mesmos, podem ter certeza de sua existência? Amor e desejo, que de tanto nos mostrarem o que falta em nossas vidas, podem nos convencer de que ela nunca fará sentido, de que seremos sempre essa falta, que pulsa e se desespera, inconformada em viver separada do que não sabe se um dia irá existir. Exatamente assim, é preciso viver.

O Einstürzende, como todo grande artista, não está aqui para aliviar o fardo de nossa existência. Prefere fazê-la doer e, tornando-a assim tão nítida e lancinante, tenta nos convencer a persistir na busca com algum otimismo e sentindo o prazer que nasce deste embate entre o desejo insaciável e o mundo das possibilidades infinitas:

“Don't worry, I'll find you
Before you wake up yourself
Collared in a doze I'll grab you
And pull you towards me
For you dream me, I you
I dream you, you me
We dream each other awake”

Não há como fugir disso tudo. Trata-se de vivê-lo.

NOTA:

O Einstürzende Neubauten nasceu no final da década de 70 como uma banda de rock industrial que tocava canos, furadeiras, máquinas de lixar entre outros elementos da civilização industrial, e cantava letras complexas e pessimistas que falavam de assuntos pouco afeitos ao mundo pop. Hoje, é difícil caracterizá-los como uma banda de rock: eles são apenas músicos que gravaram mais de uma dezena de discos de altíssima qualidade em mais de 20 anos de carreira, além de versões de Fausto de Goethe e Hamletmaschine de Heiner Müller. São freqüentadores constantes deste blog.

Duas maneiras de dizer "Eu te odeio" [Black Rebel Motorcycle Club, Times New Viking]

2008-10-12T20:53:00.009-03:00

:: Rodrigo Celso

O Black Rebel Motorcycle Club, a melhor banda de rock em atividade no planeta, (para o meu gosto) já está em seu quarto disco. O primeiro e o segundo, de 2001 e 2003 (B.R.M.C e Take them on, on you...) podiam ser tomados por uma cópia, ou atualização para os mais benevolentes, do som do Jesus & Mary Chain. Mais raiva e menos melancolia é verdade, no entanto, o Black Rebel seguia bem de perto a mistura de melodia e sujeira que o Jesus emprestou do Velvet Underground, mais especificamente, de White Light White Heat disco de 1968, cujo paralelo mais próximo é Helther Skelther, Revolution 9 do álbum banco dos Beatles, também de 1968.

O terceiro disco foi uma surpresa. Howl, de 2005, é uma pesquisa musical das raízes do rock: um disco essencialmente acústico em que o blues toma o primeiro plano e as belas melodias e harmonias se sobrepõem ao peso e à sujeira dos discos anteriores. Baby 81 de 2007, quarto disco da banda, é um trabalho mais complexo e cheio de nuances, em que os elementos dos discos anteriores aparecem combinados sem perder a contundência. Porque o que faz o Black Rebel interessante é sua capacidade de criar canções altamente comunicativas e emocionantes sem perder a originalidade, que aparece nos timbres, nos vocais e na mistura de doçura e peso que fez a fama de grandes bandas como Pixies, Smashing Pumpkings, REM, Oasis, o próprio Jesus e tantas outras. Sem destoar da voga levemente passadista do rock atual, o Black Rebel se destaca especialmente para capacidade de renovar seu som de um disco para o outro.

Nesta mesma linhagem musical, o Times New Viking chega a seu terceiro disco. Rip It Off, deste ano, segue Dig Yourself e Present Paisley Reich de 2005 e 2007 respectivamente. O som da banda também remete ao Jesus e ao Velvet, mas em sua linhagem mais agressiva e incômoda. A idéia não é ser melodioso, mas extremamente barulhento e sujo, a ponto de destruir os tímpanos do ouvinte. A influência punk do Jesus é radicalizada pelos Vikings que, como o Atari Teenage Riot, querem apenas cantar a violência pura, no caso dos Vikings, sem qualquer ideologia: o Atari tinha uma posição política clara, levada adiante pelo líder da banda, o anarquista Alec Empire, em seus geniais discos solo.

Como fazer barulho não é para qualquer um, é preciso que surjam bandas como os Vikings para que a raiva profunda que sentimos de tudo e de todos possa ser figurada de maneira adequada. Diante da realidade de hoje, o som das bandas punk da década de 70 soa melódico, quase sinfônico. É preciso mais distorção e sujeira, mais microfonias e percussão, mais urros e mais gritos para dar voz aos sentimentos de horror e odio que sentimos atualmente. O Black Rebel, um pouco menos agressivo, é para aqueles momentos em que as coisas fazem um pouco mais sentido. Mas as duas bandas, cada uma à sua maneira, dá voz ao mesmo animal que nos habita, cujo desejo mais profundo é destroçar, sangrar, desmembrar, dissolver, destruir o mundo inteiro sem sentir qualquer remorso.

O passado nunca termina [Fleet Foxes, The Bees]

2008-10-08T22:37:00.009-03:00

:: Rodrigo Celso

As bandas de rock atuais estão abolindo a idéia de passado e reinventando o que significa seguir uma tradição. Todas as fases do rock encontram hoje correspondentes diretos; do rockabilly ao grunge, passando pela psicodelia, pelo rock progressivo e pelo punk; todos convivendo harmonicamente com influências da música eletrônica, funk, folk, country, jazz etc. Tentar traçar uma linha reta que leve de Bill Haley a Muse; de Elvis a Modest Mouse, de The Beatles a Beck é pura perda de tempo.

Uma banda de hoje pode suceder diretamente Buddy Holly ou Kinks; Velvet Underground ou Mudhoney, a escolher, sem deixar de soar interessante e moderna. Claro, ainda há veículos de comunicação que buscam um “futuro para o rock” e tentam colocar nas mãos de uma banda ou de um artista a tocha sagrada, supostamente capaz de levar o estilo ‘adiante’.

Eu acho isso tudo uma grande bobagem; pior, sinal da incapacidade de entender o que está acontecendo na música mundial. Não há mais tocha ou maratona a ser vencida: os estilos se fragmentaram e inverteram a linha do tempo sem, surpreendentemente, perder a coesão e a organicidade.

Para entender o que se passa, é preciso deixar de lado qualquer narrativa linear em que uma banda sucede a outra e um movimento sucede o outro como numa fila indiana. É bem melhor pensar a musica como um conjunto de constelações de artistas que giram em torno de algumas referências seminais; constelações em que artistas de 30 anos atrás convivem com bandas recém-formadas sem qualquer ruído ou conflito. A eternidade chegou para todos. Ao mesmo tempo.

Uma evidência do que estou dizendo é o retorno constante das mais diversas bandas dos mais diferentes estilos. Não se trata apenas de voltar à ativa para ir atrás de um último dinheirinho. Claro, isso também está em jogo,. Mas acho que o presente do rock está ficando tão rico, plural, descentrado e internacional, que não se pode prescindir de mais nada. Toda banda, mesmo mediana, terá seu espaço e sua eternidade nesse presente eterno de imagens simultâneas cada vez mais interessante.

Fleet Foxes e The Bees são dois exemplos concretos do que estou dizendo. Os primeiros escolheram ser sucessores dos Beach Boys e de Crosby, Still, Nash & Young; os segundos, dos Beatles. Duas bandas emocionantes que, apesar de inspiradas diretamente no passado, não soam datadas ou passadistas. É música atual, que fala de temas e problemas contemporâneos.

Os Foxes e os Bees fazem música rica em harmonias e texturas, pensada para soar bem. Nada da agressividade do punk ou da breguice emotiva de boa parte da música atual. As canções emocionam pela beleza e pelos temas, pela riqueza dos arranjos, pela execução dos instrumentos e pela abundância de idéias musicais. Vale a pena ouvir com cuidado, prestando atenção nas nuances e pensando na eternidade de um passado que, a partir de agora, não tem hora certa para terminar.

De trás para frente [The Sonics e a genealogia]

2008-10-05T22:21:00.004-03:00

:: Rodrigo Celso

Um grande escritor cria seus precursores, ensinou Borges falando de Kafka. No Rock acontece a mesma coisa. Por exemplo, desde que o movimento punk surgiu, diversas bandas e artistas que antecederam o movimento passaram a ser vistos com outros olhos. “Proto-punk”, “precursores”, todos esses rótulos foram aplicados aos The Sonics, banda que esteve na ativa na metade dos anos 60 nos Estados Unidos. É claro, quando eles tocavam, não queriam ser precursores de coisa nenhuma, apenas tocar alto e gritar com raiva, falando de drogas, psicopatas, bruxas, bebidas, mulheres e Satã para criar seu estilo próprio.

Os The Sonics devem ser ouvidos por si mesmos e não como precursores de coisa nenhuma. Diga-se de passagem, o punk poderia nem ter existido e canções como “Psyco”, “The Witch” ou “Dirty Old Man” entre tantas outras, continuariam tão boas como sempre foram. Na verdade, olhados em si mesmos e em seu contexto, uma Seatle repleta de bandas de garagem, os The Sonics soam ainda mais originais.

Talvez um elo perdido entre o Rockabilly e o Psycobilly, fenômeno pós-punk capitaneado pelos The Cramps, Os Sônicos mostravam que, já naquela época, o Rock não era apenas sobre dança, namoricos e alegria juvenil. Podia falar de assuntos menos classe média e ser um excelente veículo para pensamentos inusitados, tudo isso acompanhado de um som sujo e agressivo. The Sonics é para ouvir bem alto e em versão NÃO remasterizada, de preferência acompanhado pelo barulho da agulha no vinil. Comece por qualquer lugar, por exemplo pelo CD "Maintaining My Cool".

Bons ventos

2008-09-21T20:23:00.003-03:00

Eu sempre achei que o Rodrigo Amarante levava jeito pra ser roqueiro com fama internacional (não dá pra provar, mas é verdade). Agora sei que isso é possível. Ele está em uma nova banda (internacional) chamada Little Joy. Além dele mesmo nos vocais e na guitarra, a banda conta com o Stroke Fabrizio Moretti. Ainda não apurei quem são os outros integrantes, mas a novidade é boa. Melhor ainda, já tem três faixas no Myspace deles. Ótimas.

O disco sai dia quatro de novembro. Agradeço ao Zine Qua Non pela informação.

Myspace Little Joy: http://myspace.com/littlejoy

Blog do Zine Qua Non: http://www.zinequanon.blogspot.com/

Genealogia

2008-09-21T20:12:00.003-03:00

Pensemos assim:

Black Rebel Motorcycle Club é um filho do The Jesus And Mary Chain.
O The Jesus And Mary Chain é meio-filho dos Beach Boys.
Os Beach Boys são filhos de grupos vocais dos anos 50/60, como o Chordettes.

Muito simples.
(O crédito pelo raciocínio é do Rodrigo Celso).

Black Rebel Motorcycle Club antes de "matar os pais":

As "bem-afinadas" Chordettes (com legendas pra cantar junto!):

Modinhas

2008-06-27T20:00:00.003-03:00

The Fashion é a mais nova candidata a ocupar o lugar de banda da moda - ou já ocuparam, daqui do Brasil não dá pra ver direito o que está acontecendo no resto do mundo. Na linha new rave/disco punk (alguém me explica a diferença?), os dinamarqueses acabaram de lançar o álbum Like Knives (disponível só no iTunes ou...). Ainda não "comprei" o meu, mas acabei trombando com a faixa-título do álbum há alguns meses. E é muito boa. Tomara que algum DJ leia esse post e inclua na sua seleção para agradar aos moderninhos. Porque eu tô sonhando com a noite em que vou dançar isso em alguma balada.

THE FASHION - Like Knives

* * *

E para quem gosta de moda, recomendo fortemente a coluna "Modinhas" (no site Glamurama), de Chico Felitti. Eu não manjo nada do assunto, mas dou risada com as piadas!

Modinhas por Chico Felitti

Deus já tocou blues

2008-06-27T19:51:00.003-03:00

Se deus existe, ele desceu à terra no dia em que esse especial do Albert King com o Stevie Ray Vaughan foi gravado e se apossou de todo mundo que estava no estúdio.

Sem muitas explicações, ouçam:

São os dois dos melhores guitarristas de blues da história, na minha opinião, junto com o Muddy Waters, Howlin' Wolf e Buddy Guy.

Contra os guitarristas! O som do zZz.

2008-05-23T13:55:00.008-03:00

:: Rodrigo Celso

Com apenas teclados e bateria a dupla holandesa zZz conseguiu criar um som original já em sua estréia, Sound of zZz. Electro, timbres de rock psicodélico, Punk, vocais que lembram Jim Morrison; vontade de dançar e de chutar alguém: tudo isso aparece neste álbum surpreendente. Talvez a referência sonora mais forte da banda seja de fato os Doors, mas sem a pretensão poética e a chatice grandiloqüente de seus piores momentos, ou seja, com uma forte injeção de Punk.

Os zZzs não escrevem tão bem quanto Morrison, mas em troca, não somos incomodados com a auto-mitificação e a “star quality” tão bem aproveitadas pelos marketeiros do Rock. Além disso, leva-se de brinde um som climático, sombrio e dançante, que dá vontade de ouvir tomando uma Guiness em um bar esfumaçado. Só de ouvir já sinto o cheiro da cerveja, mas tem um detalhe: zZz é para dançar como o Iggy Pop e não como Madonna.

Dá para dizer que o Rock e o Pop se dividem, pelo menos desde o final dos anos 70, em dois times: o time da música e o time do estilo. O surgimento de grandes gravadoras, lançamentos mundiais, “cross promotion” com esportes, bebida, moda e etc foram responsáveis por tirar a música do primeiro plano e estabelecer a hegemonia do segundo time. Seja como for, o zZz é sobre música e não sobre imagem. Você não vai encontrar menininhas gritando “lindo” em seus shows; eles não vão se vestir de panda ou serem nomeados embaixadores da UNICEF. Também não acho que Björn Ottenheim e Daan Schinkel levem jeito para galãs de cinema ou para namorados de mocinhas de cabeça oca. Elas iriam se assustar, pois eles são muito feios. Graças a Deus! Se você não gostar da música, não sobra nada...

Além de todas essas qualidades, imagino que, em razão da formação que escolheram, teclado e bateria, o cotidiano dos zZzs seja uma mar tranqüilidade. Quem já teve banda sabe: imagine a paz de um ensaio sem a presença de guitarristas? Está certo que eles são cruciais para a história do Rock e nós os amamos. Mas que é duro agüentá-los, disso não se pode ter dúvida. Sempre querendo aparecer, sempre querendo aumentar o volume da guitarra, sempre solando sem se preocupar com o andamento da música... Formar uma banda excelente sem precisar de guitarristas é mais uma prova do talento e da inteligência dos feiosos zZzs.

"zZz - OFG":

My Space: www.myspace.com/zzzsoundofzzz

Sexta-feira é dia de dançar

2008-05-16T21:07:00.002-03:00

Uma ótima notícia para quem gosta de eletrônico, mas não tem paciência para ir dançar nos lugares em que esse tipo de música geralmente toca (como eu), nem para ouvir o de sempre - tecno. A noite drum'n'bass de São Paulo volta a existir com o retorno da festa Subgrave. Antes na D-Edge às quartas-feiras, os bpm acelearados poderão ser ouvidos às sextas na nova casa Boca Club (que fica no 902 da Augusta).

Difícil de entender o porquê do drum'n'bass estar tão sumido da noite paulistana, já que é um estilo de novo em alta na Europa. Mas ainda bem que não estamos mais limitados ao minimal como opção de batida eletrônica pesada. O residente será o já tradicional DJ Andy. Nunca cheguei a passar na Subgrave nem na Lov.e, porque descobri o d'n'b recentemente. Imagino que a noite vá ser ao menos divertida.

Para comemorar, algumas músicas para criar um clima e apresentar um pouco do drum'n'bass a quem não conhece:

Pendulum - Girl in The Fire

Evol Intent - Flipside

Jem (Adam F. vs. Pendulum remix) - Just a Ride

Site Boca Club: http://www.bocaclub.com.br/

Dia do disco esquecido

2008-05-15T13:17:00.002-03:00

Imitando descaradamente um blog que leio, o Forgotten Disc Friday, vou resgatar um ótimo disco do rock nacional que foi deixado de lado. Carniceria Tropical é certamente um dos melhores álbuns que já saíram no Brasil. A começar pela gravação, muito bem-feita, chegando às ótimas faixas. O hardcore e o punk nunca foram gêneros muito populares aqui e as poucas bandas que se arriscaram nesse tipo de música não chegaram a ser nem medianas.

As guitarras, a bateria e o baixo são absolutamente agressivos; os gritos de um João Gordo no auge da carreira de cantor contribuem para esconder as melodias das canções e deixar só ruídos e síncope. Uma lenda que foi divulgada na época em que saiu o disco (1997) dizia que Gordo havia gravado muitos dos vocais do disco com bolo de fubá na boca. Por isso as letras são tão inintelígiveis. De fato, é impossível entender o que está sendo dito em quase todas as músicas.

Nem sei se é fácil de achar Carniceria Tropical, mas tenho certeza de que ele foi subestimado ou nem chegou a ser ouvido direito pelos críticos de música. Vale a pena resgatar esse ótimo álbum de hardcore/punk, que contribuiu para o reconhecimento dos Ratos de Porão no exterior.

Um clipe desse disco, mas que na legenda da MTV consta como pertencendo à coletânea dos Ratos que saiu alguns anos depois: Ratos de Porão - Crocodilá.

Música da semana

2008-05-15T02:17:00.005-03:00

:: Rodrigo Celso

Nome: Demolición
Banda: Damn Laser Vampires
País: Brasil - Porto Alegre, RS
MySpace: http://www.myspace.com/damnlaservampires

Psychobilly: sabe o que é? Em uma palavra: Rockabilly misturado com punk. Na verdade, o estilo mostra como o Rock dos anos 50 ainda soa moderno, desde que feitas algumas adaptações ao gosto agressivo dos dias atuais, em que até bandas ridiculamente românticas usam guitarras distorcidas e acham bonito tocar pesado.

Além do punk, em sua forma clássica, o Psychobilly inspira-se esteticamente nos filmes B, especialmente de monstros, no universo trash e brinca com a sexualidade: o vocalista dos Cramps, expoentes do gênero, canta de salto alto... Literalmente!

Os Damn Laser Vampires seguem este caminho, mas, por assim dizer, um tanto excessivamente. A receita está todinha lá: caveirinhas, vampirinhos, topetinhos, roupas de couro, botas sexy... Parece que eles estudaram os Cramps, fizeram uma lista e compraram tudo na Galeria Ouro Fino, depois de cortar o cabelo com o genial Raul do Mundorama.

Em suma, a banda ainda não mostrou exatamente a que veio; não tem cara própria, mas já fez boas músicas, como a “Demolición” acima. Porque eles acabam de começar, não há problema em copiar. No mínimo, são bem divertidos, como vocês podem conferir hoje no CB as 22H e amanhã no Astronetes.

As canções perfeitas [Maggie May, Every Picture Tells a Story, Rod Stewart]

2008-05-12T02:27:00.011-03:00

:: Rodrigo Celso

Para quem está a fim de ouvir rock básico: providencie os seguintes discos de Rod Stewart: Gasoline Alley, The Rod Stewart Album, Never a Dull Moment e, especialmente, Every Picture Tells a Story. O resto da carreira é um pouco constrangedora: ver o fulano vestindo uma calça apertadinha, de permanente e reflexo nos cabelos, rebolar e perguntar “Do you think I am sexy?” é no mínimo desnecessário. A bundinha dele, dizem os (as) especialistas, mesmo hoje, aos 60 anos, é, de fato, uma delícia.

Por incrível que pareça, houve um tempo em que o cara fazia mais música e menos caras e bocas. E música para valer: uma mistura de Rock, Folk, Soul e Country, altamente interessante e cheia de entusiasmo. Maggie May é dessa época, um daqueles hits que sua tia, sua mãe, bobeou sua vovozinha (veja abaixo o vídeo do gostosão ao vivo na Rockefeller Plaza em NY) já cantou e dançou.

E a música merece. Uma letra de amor adolescente cantada com emoção, uma melodia fácil e um belo arranjo, com destaque para as guitarras e o moog. Por incrível que pareça, a introdução (que não aparece nos vídeos acima e abaixo) e o riff remetem a uma canção de amor medieval tocada no alaúde ou no bandolim.

Os caras não eram bobos e sabiam muito bem o que estavam fazendo: queriam criar uma canção de amor simples, feita para durar séculos, como aquelas entoadas pelos trovadores medievais. Passados mais ou menos 40 anos, podemos dizer que está dando certo. Faltam apenas 60 para Maggie May fazer 100 anos e tenho certeza de que ela chega lá em plena forma.

Veja uma releitura feminista da canção por Suzane Vega em "(I Will Never Be) Your Maggie May".

Veja vovozinhas americanas cantando Maggie May:

Para o fim do domingo: The Monas, Colombia

2008-05-11T18:47:00.005-03:00

: Rodrigo Celso

Divertido, muito divertido. Quem gosta de Rock como eu, adora novidades, mas de vez em quando precisa ouvir um Rock básico, simples, dançante e sem compromisso. Foi como tudo começou: três acordes, um bom riff de guitarra e um vocalista carismático. Nada fácil de fazer sem soar totalmente sem graça, afinal, esse estilo musical já tem mais de 60 anos e algumas dezenas (?) de milhares de representantes ao redor do mundo. Hellacopters, Pearl Jam, Strokes e mais algumas poucas bandas conseguem soar interessantes mesmo ficando apenas com os ingredientes básicos. É o caso do The Monas da Colômbia, banda que qualquer rockeiro vai adorar ouvir. Várias canções, como “Cuanto tiempo mas”, têm aquele balanço gostoso a la Santana, com um moog reforçando as harmonias. Mas em resumo, trata-se de rock básico com riffs simples e letras diretas como todos nós gostamos. Não é o futuro do Rock, mas seu presente contínuo. Se você está começando sua banda, aprenda este vocabulário básico e apenas depois pense em ir além.

Video acima: "Cae la noche".
My Space: www.myspace.com/themonas

Para embalar o fim-de-semana

2008-05-09T17:26:00.004-03:00

Confesso que eu não sabia nada sobre o rock uruguaio (nem que ele existia) até assistir ao show da La Vela Puerca no Quilmes Rock. Foi surpreendente, só não melhor do que o show principal, da Bersuit. Fazendo rock/ska/punk desde 1995, La Vela Puerca tem um belo repertório de hits, que os argentinos cantaram junto durante quase toda a apresentação. E são uma daquelas bandas que desperta simpatia em qualquer um logo de cara, principalmente por causa do carisma do vocalista, Sebastián Teysera.

Chama atenção a competência da banda e a capacidade da La Vela Puerca de compor músicas muito pop e muito divertidas. O naipe de metais é o que faz a diferença e que dá suingue ao rock simples dos uruguaios.

MySpace: http://www.myspace.com/lavelapuerca

Ponho aqui um vídeo do Quilmes Rock 2008, que foi no Estádio Monumental de Nuñez, em Buenos Aires, no dia quatro de abril:

La Vela Puerca - Me Pierdo

O Sonic Youth por adolescentes

2008-05-09T11:27:00.004-03:00

O Project Moonshine, uma organização não-lucrativa que ensina cinema a adolescentes produziu um documentário sobre o Sonic Youth. Chamado Sonic Youth: Sleeping's Night Awake, o longa faz parte da seleção de vários festivais de cinema pelo mundo todo. Filmado por sete adolescentes que fazem parte do projeto, o filme acompanha um show da banda nos EUA.

O trailer do documentário, que assim como Loud Quiet Loud, sobre os Pixies, talvez nunca chegue ao Brasil:

Sonic Youth: Sleeping Nights Awake (Trailer)

Vídeo dançante [De Novo Dahl]

2008-05-08T15:52:00.004-03:00

Uma banda que conheci ouvindo o programa @ The Lounge da WOXY.
Muito boa a música, empolgante. Parece tema de desenho animado.
No MySpace deles dá pra baixar a faixa: http://www.myspace.com/denovodahl

De Novo Dahl - Shout

Música da semana

2008-05-07T19:25:00.005-03:00

Nome: Center Of The Universe
Banda: The Dead Rocks
País: Brasil (SP)
MySpace: http://www.myspace.com/thedeadrocks

Os anos 50 e 60 definitivamente não morreram. Ainda é possível dançar rockabilly ao som de Jerry Lee Lewis na The Clock e ainda existe surf music à la Dick Dale sendo feita.

Assim como o blues, a surf music é um gênero que morreu nele mesmo. Tirando alguns momentos de exceção como Stevie Ray Vaughan no caso do primeiro e Man Or Astro Man? no segundo, os clichês são mais ou menos os mesmos desde que os pioneiros de ambos os estilos estavam gravando seus primeiros discos. Nem por isso deixa de ser divertido.

The Dead Rocks é uma banda que definitivamente deve valer a pena ver ao vivo. Quinta eles estarão no Vegas e sexta no CB, para quem quiser dar uma chance. No site oficial há muitos mp3 para download, vale a pena dar uma olhada.

De graça mesmo: o novo álbum do Nine Inch Nails e o bolor

2008-05-07T00:56:00.005-03:00

Era mais do que se esperava da vaidade de Trent Reznor. Depois de cobrar apenas cinco dólares por um disco quádruplo (Ghosts I-IV) e de vender milhares de "pacotes especiais" (com CD e vinil) desse mesmo disco, o homem que é uma banda resolveu dar seu disco novo de graça logo de uma vez. Não só isso, ele pôs o álbum sob a licença Creative Commons, permitindo o uso das faixas em podcasts, blogs, remixes, etc.

The Slip tem dez faixas e é uma continuação da lógica iniciada em With Teeth: rock eletrônico pesado, mas menos industrial e mais próximo do pop. Mas ainda não passemos para a crítica musical deste post. Vamos começar pela nossa usual discussão sobre direitos autorais e sobre a internet como veículo de disseminação de conhecimento/arte/entretenimento.

O disco é de graça!
Levando "ao extremo" o que o Radiohead fez com seu último disco, In Rainbows, Trent Reznor pôs à nossa disposição todo o disco sem custo algum. Melhor que os ingleses, ele oferece várias opções de formato de áudio, desde mp3 até arquivos da mais alta qualidade, melhor do que CD. Mas o que o levaria a ser tão bondoso?

Bom, na verdade o disco ainda vai ser lançado em sua versão física, em CD, que será vendido em lojas de maneira convencional. Como In Rainbows também foi, aliás. Tem alguma coisa nessa equação da qual não sabemos. Digo isso porque não acredito que se trate de filantropia em nenhum dos dois casos. Tanto Reznor quanto Yorke e cia. não vão abrir mão de ganhar dinheiro simplesmente para ganhar a simpatia dos fãs (e com razão).

Os fatos comuns aqui são a possibilidade de se obter os discos em questão de graça e o fato de eles serem lançados posteriormente em CD, mesmo após "vazarem" pela mundo todo através da internet. Alguém vai dizer que o Nine Inch Nails ainda tem contrato com a Universal e por isso eles foram obrigados a também disponibilizarem o formato físico do álbum. Não é o caso: o contrato já acabou, a Universal só vai distribuir The Slip. A rigor, ele é como In Rainbows, um disco independente.

Chegamos a uma conclusão? Discos ainda são importantes, certo? Beleza, certo, ainda se ganha muito vendendo CDs. Divulgar na internet é essencial, podemos concluir também. Muito bom. Então estamos diante de um novo parâmetro revolucionário de comercialização da música! Cada vez mais teremos discos de graça, mais artistas lançarão arquivos zip dois meses antes de seu novo CD chegar às lojas! Revolução! Calma lá.

Quem põe música de graça na internet? Responda rápido.
Resposta: bandas independentes. Alguns exemplos são o The Dead Rocks, o The Black and White Years, o Downliners Sekt... E muitas outras MySpace e Last.fm afora. Por que diabos eles nos deixam baixar seu trabalho de graça? Porque eles não vendem discos. Ou se vendem, é um número irrisório, cujos rendimentos são engolidos pelas gravadoras estelionatárias. Vale mais a pena ficar conhecido e conseguir bons shows e tirar uma graninha garantida do que ficar preso a contratos de semi-escravidão criativa ganhando pouco a longo prazo.

E por que as bandas se sujeitam a esse tipo de constrangimento, por que elas assinam contratos com majors, minors e outras subsidiárias das grandes empresas de comercialização de música? Em primeiro lugar porque é muito caro gravar. É preciso um bom estúdio, com bons equipamentos e ótimos profissionais. Segundo, porque o know-how de distribuição e marketing está todo sob o monopólio das grandes gravadoras. O acesso ao meio é extremamente restrito, só entra quem tem cacife e um grande nome por trás.

Meu amigo, adivinhe quem acabou de se tornar independente, quem acabou de fazer o caminho inverso ao de uma banda independente que aspira ser alguém no mercado musical? Radiohead e Nine Inch Nails! Eles esperaram seus contratos expirarem e coincidentemente fizeram coisas parecidas com seus discos agora independentes. No que eles são diferentes das nossas bandas de MySpace e Last.fm lá de cima? Começa pelo estúdio. Milhões de dólares depois, as mais novas bandas independentes têm todo o conhecimento e equipamento para fazer em casa um disco do mesmo nível dos gravados nos grandes estúdios. Outra coisa, mais importante, é o nome. Ambos já são artistas muito famosos com anos de carreira. O empecilho de se fazer conhecido não existe aqui. No fim das contas, o que eles fizeram e estão fazendo é explorar eles mesmos o lucro que antes ficava com a gravadora.

Uma grande vantagem, não? Claro, mas nada muda para as bandas pequenas e sem nome. Essas continuam tendo que lutar por reconhecimento em meio a muita gente e tendo que competir com estratégias comerciais altamente elaboradas desenvolvidas por especialistas. As novas tecnologias de gravação estão reduzindo consideravelmente os custos de gravação de um bom disco, isso temos de reconhecer. Ótimos EPs como o do The Black and White Years talvez não existissem não fosse por isso. O problema, porém, ainda é o de quem determina o que as pessoas vão ouvir e de como isso vai chegar aos consumidores.

Estamos longe, apesar de cada vez mais perto, de um mercado, de uma mídia, de um mundo descentralizado e menos sujeito a monopólios (sejam reais ou culturais) de certos modelos de circulação de música, de certos jeitos de fazer a informação se disseminar. Portanto, não nos animemos com o fato de The Slip ser de graça. Obviamente que não ter de gastar 30 reais com um CD é uma vantagem para mim, um indivíduo com 30 reais a mais no bolso. Só que temos de pensar no contexto maior, na visão de cima da coisa, senão seremos enganados e repetiremos bobagens sem saber do que estamos falando. E faço aqui a minha mea culpa sobre toda a minha empolgação anterior com In Rainbows.

Afinal de contas, o CD é bom?
Depois dessa digressão enorme passemos à parte menos interessante da história. Confesso que esse raciocínio todo me deixou bem mais desanimado com The Slip do antes de começar a escrever. Não que seja um disco ruim, mas sinceramente, o Nine Inch Nails anda se repetindo muito.

Incomoda o fato de o disco ser muito parecido com os dois anteriores, With Teeth e Year Zero. Poderia ser um sinal de coerência, de projeto musical, só que não me parece o caso. Já faz três anos que Trent Reznor nos submete aos mesmos timbres, temas e ruídos. Admiro a coragem mudar o som industrial no NIN para um rock eletrônico mais acessível. O problema é que faltou imaginação. Já em Year Zero, o segundo da "trilogia" se percebia sinais de esgotamento. Ali ainda se identifica a força que Reznor mostrou em mesclar efeitos programados com instrumentos de verdade. Mas também já se percebe que o homem-banda começou a ficar um pouco perdido, sem inspiração.

Previsilibilidade é que faz de The Slip uma decepção. Ele é apenas a repetição de uma fórmula, o resto de uma intenção criativa. "Resto" num sentido negativo, algo requentado, misturado, que não se sabe bem do que se trata. Como quando o molho da carne ensopa o arroz e o purê de batata naquele prato deixado em cima da pia. Ainda é a comida da avó, mas com um aspecto feio, os aromas misturados, a comida fria. Cada grito, baixo distorcido e piano melódico estão bem colocados demais. Um disco pesado de butique (como se dizia dos punks de butique, artificiais).

O Nine Inch Nails está a poucos passos da irrelevância agora. Não há nada a ser dito, nada a ser mostrado. Está como o nosso prato de sobras em cima da pia. Parafraseando Arnaldo Baptista, o que me vem à cabeça depois de um dia de reflexão e audições de The Slip é: será que Trent Reznor vai virar bolor?

Onde baixar: www.nin.com

As canções perfeitas [Swastika Eyes, XTRMNTR, Primal Scream]

2008-05-03T22:47:00.003-03:00

:: Rodrigo Celso

Empolgante é pouco. Swastica Eyes (1999) é capaz de levar à euforia, como várias músicas do genial Primal Scream. A letra, o que menos importa nessa canção feroz e niilista, fala de uma mulher que escurece o Sol, uma parasita e sifilítica que conduz uma política de eliminação, uma ilusão de democracia, militar e industrial. É assim mesmo: palavras soltas, na verdade, gritos desconexos contra alguma coisa, que a banda identificou na época, diante da pressão da imprensa, com Madeleine Albright então Secretária de Defesa dos Estados Unidos do Governo Bush. Mas poderia não ser: Primal Scream como Sex Pistols, Atari Teenage Riot e Alec Empire fazem músicas para dar forma ao puro prazer de destruir; violência pura contra tudo e contra todos.

Swastica Eyes, obviamente, gera sentimentos ambíguos: é admissível dançar ao som de um refrão que fala da suástica, o símbolo maior do totalitarismo alemão? E dançar embalados por um som eletrônico irresistível, genial, milimetricamente construído para não deixar ninguém parado? Os punks já haviam se apropriado da suástica, mais para chocar do que para expressar uma ideologia qualquer, já que o Punk é exatamente o contrário disso. Os Skinheads (no Brasil chamados de “Carecas do Subúrbio”) esses sim incorporaram a ideologia nazista e se têm se dedicado a espancar homossexuais e outras minorias e fazer canções que fazem apologia do nacionalismo e da homogeneidade social.

O Primal Scream, como os Punks, não respeita nada, e aí está seu interesse e sua importância. É preciso preservar e prestar atenção em todos aqueles que negam os méritos do mundo como ele existe; que não se constrangem diante de nenhuma idéia ou símbolo e se sentem livres para agredir e ofender credos, religiões, ideologias, teorias... Claro, é importante que gente assim fique bem distante da política, pois sua vocação não é fazer acordos para que a sociedade seja governada, mas colocar tudo em questão. Voltar-se contra todos os ídolos e todos os tabus é uma atitude central em uma democracia.

Do incômodo diante de ataques deste tipo nasce a necessidade de justificar e argumentar para defender todas as posições. O niilismo na arte e na esfera pública é um aliado poderoso do Estado de Direito: ninguém fica impune, nenhum argumento, nenhum pressuposto, nenhuma visão de mundo. Tudo precisa ser justificado racionalmente. Claro, a depender da ferocidade do ataque, o niilista pode enfrentar reações, inclusive do sistema jurídico, e terminar na cadeia. Mas não foi esse o caso do Primal Scream. Afinal, eles só fizeram uma canção dúbia...

Ao dançar ao som de Swastica Eyes e ao sentir certo incômodo por isso, estamos vivenciando e construindo o Estado de Direito. Também damos vazão ao nosso próprio desejo de destruir. Afinal, às vezes, temos vontade de começar do zero e explodir a tudo e a todos! Mas só é aceitável fazer isso na letra de uma canção e não no mundo real. A não ser que se queira fazer renascer uma das ideologias mais sombrias da cultura ocidental.

As canções perfeitas [12:51, Room on Fire, The Strokes]

2008-05-03T17:47:00.013-03:00

:: Rodrigo Celso

Não poderia ser mais simples: um riff poderoso embala um rapaz que canta a ausência da mulher de que ele gosta. Ele canta exatamente o momento em que descobre que ela faz muita falta: são 12:51 e sua voz encontra as palavras para dizer que ele está com saudade, que eles poderiam estar juntos para ir àquela festa, que ele não vai tentar controlá-la. A canção 12:51 é um chamado dolorido no meio da noite de uma cidade anônima: todas as possibilidades estão abertas, tudo parece possível, mas ela não está ali.

A faixa começa devagar, mas logo cria um clima de tensão que não se resolve nunca, pois ela não telefona e nada acontece: eles não ficam juntos, pelo menos até o fim desses maravilhosos dois minutos e vinte e cinco segundos da vida do eu poético. Tons e alturas diferentes se alternam a cada verso, mostrando a variação emocional que a letra vai descortinando: eu descobri que você faz falta e te chamo com todas as minhas forças, mas você não aparece...

Sussurros e gritos: o vocal, entre o contido e o derramado. O riff ajuda a reforçar o clima de ambiguidade, dúvida e suspense com variaçoes de tom a cada repetição: a guitarra toca notas inesperadas, como seria inesperado que ela surgisse ali, naquele instante, indicando a melancolia e a euforia que acompanham tais sentimentos.

No momento final da canção, o mais comovente, o baterista, que até então tocava de forma seca e discreta, conduzindo com o chimbau fechado, passa a conduzir no prato, criando um som estridente que ressalta a explosão emocional do vocalista e da letra que, neste ponto, por repetir e repetir o chamado vão, começa a doer em nós.

Nada mais simples: a letra de 12:51 poderia ser uma anotação na agenda de qualquer moleque de 15 anos, mais ou menos a idade a que se fica reduzido quando se gosta de alguém.

O Rock e o princípio da seleção natural [o que é que o Mogwai tem]

2008-05-02T16:30:00.010-03:00

:: Rodrigo Celso

Eu gosto de shoegaze, o Diogo não, mas surpreendentemente, nós dois gostamos do Mogwai, uma banda instrumental que usa os clichês, os timbres e os instrumentos do Rock em harmonias nada usuais para o gênero. Lembra o shoegaze e algo mais, eu diria, as bandas de Post-Rock, rotulo da imprensa mundial para um tipo de musica nascida no final dos anos 90. Se eu fosse jornalista, diria que o Mogwai faz um som climático; a trilha sonora de um fim do mundo, às vezes melancólico, às vezes agressivo. Mas como não sou, posso dizer que a banda rompeu com o formato da canção POP em busca de novos caminhos: mais ou menos o que o Radiohead fez no Kid A e o que caracterizou o Post-Rock e minha banda favorita no genero, o Slint (foto acima, capa de Spinerland).

Era um clima de época: o primeiro disco do Mogwai é de 1997 (Mogwai Young Team), mesmo ano de OK Computer, disco em que o Radiohead começava sua jornada na direção de um Rock inovador e interessante, depois de fazer faixas POP bregas como a grudenta, quase insuportável, mas irresistível “Fake Plastic Trees” que, não por acaso, tocou em comerciais cujo objetivo era nos fazer chorar e doar dinheiro para os desvalidos do mundo. Justamente nos anos 90, especialmente na região de Chicago, EUA, surgem bandas como Basrto, Table, Cheer-Accident, Shellac, Breadwinner e Maple todas girando em torno dos selos Touch and Go records, Quartersick Records e Skin Graf Records e do engenheiro Steve Albibi, que seguiam a mesma trilha.

Don Caballero, banda de Pittisburg, que estreou em 1993 com For Respect, seguiu na mesma direção, com um som bem pesado, mistura de Sonic Youth com Helmet e Metaalica, sem usar letras ou vocais. Quem ouviu a banda Jesu, que estreou ano passado com Conqueror, álbum que teve uma acolhida razoável pela crítica, sabe do que eu estou falando.

Drive Like Jehu, Antioch Arrow, Clikitat Ikatowi, Tristeza e Havy Vegetable de San Diego; Shudder to Think, Faraquet, 1.6 Band, Autoclave, Jawbox e Circus Lupus de Washington; Breadwinner, Kenmores, Sordid Doctrine, MEN, Alter Natives, Mao Tse Helen, Hell Mach 4, Hose.got.cable, Mulch, Hegoat, King Sour, Chutney, HRM, Nudibranch, Ebonite, Engine Down, Gore de Vol and Human Thurma de Richmond (Virginia) também fizeram parte desta cena.

Não podemos esquecer de Slint, banda de Louisville, uma das mais influentes do gênero, com um som mais clean, sem distorção nas guitarras, que não buscou inspiração no Metal ou no Hardcore como Don Caballero e tantas outras bandas desse "movimento". A banda durou de 1986 a 1991 e gravou apenas Tweez e Spinerland, discos extremamente influentes, especialmente Spinerland, copiados por diversas bandas. A banda se reuniu em 2005, mas enfim..., não é a mesma coisa.

Você pode gastar boa parte de sua vida para ouvir todos estes discos, mas não perca seu tempo. Fique apenas com as principais, a não ser que seu grau de maluquice esteja próximo ao meu e ao do Diogo. O “name dropping” aí de cima não foi para intimidar, mas para mostrar quantas bandas razoáveis são necessárias para se produzir um artista fora de série. Pense nisso antes de endeusar o primeiro idiota que aparecer e antes de acreditar na imprensa, sempre preocupada em encontrar o novo hype do momento. Eu acredito em duendes e em jabá. Em suma, o Rock também está sujeito ao princípio da seleção natural.

Sobre a Touch and go Records:

Slint (Good Morning, Captain):

Mogwai (Travel is Dangerous):

Das antigas

2008-04-29T11:27:00.007-03:00

Elvis Costello e Anne Sofie Von Otter (cantora lírica) lançaram em 2001 o disco For The Stars. Trata-se de uma compilação de releituras de músicas pop com um toque de jazz e o óbvio acento de música clássica dado por Von Otter. Apesar de soar meio caça-níqueis, a coisa funciona de fato e tem grandes momentos, como "Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)", originalmente em Pet Sounds, dos Beach Boys.

O grande momento do CD é a combinação de duas músicas, "Broken Bicycles", de Tom Waits, e "Junk", de Paul McCartney. Essa última chegou a ser gravada como demo pelos Beatles, mas nunca foi lançada. Costello e sua banda tiveram a grande sacada de perceber que tanto as letras quanto as melodias são incrivelmente complementares. Seria possível que fosse uma canção só.

Infelizmente, não achei vídeo dessa versão composta no YouTube. Porém, não deve ser difícil achar a faixa na internet.

Tom Waits - "Broken Bicycles"

Paul McCartney - "Junk"

É de graça: Nine Inch Nails

2008-04-28T01:06:00.003-03:00

:: Diogo BarbaRuiva

O single mais recente do Nine Inch Nails está disponível para download de graça no site oficial da banda. Ainda aproveitando a onda In Rainbows, Trent Reznor parece que gostou de divulgar seus discos na internet.

Quanto à música em si, a faixa "Discipline", mais do mesmo. Batidinha dançante (com bateria, parece), baixo rasgado, efeitos eletrônicos e a voz rouca de Reznor dando seus gritos aparentemente desesperados. Nem bom, nem ruim. O problema é que hoje não existem boas bandas pesadas e o Nine Inch Nails preenche esse vácuo senão de maneira original, pelo menos competentemente.

Nine Inch Nails - "Discipline"

Outra banda desse estilo que ainda faz valer a pena gostar de rock mais pesado é a Irlandesa Therapy?. Com vinte anos de existência, Andrew Cairnes (o dono da bagaça) não lança disco da banda desde 2006, portanto, provavelmente algo novo vem esse anos.

Therapy? - "Rise Up" (de Never Apologise, Never Explain)

Música da semana

2008-04-24T04:00:00.003-03:00

:: Diogo BarbaRuiva

Nome: Butterfly Catch
Banda: Ablespacer
País: Irlanda do Norte
MySpace: http://www.myspace.com/ablespacer

Ouvindo o podcast da BBC Ulster descobri o Ablespacer, uma banda boa em potencial. Muito barulho e um nível aceitável de gritaria. Lembra Nirvana, Pearl Jam (até um certo ponto), The Mars Volta; tem um certo nível de shoegaze implícito, dá para perceber.

O MySpace deles não é muito esclarecedor porque só tem três músicas. Pelo que parece só existe um EP, chamado Butterfly Catch e não há indicação de como comprá-lo pela internet. Só indo ao show mesmo.

A eleita da semana é boa para quem tem objetivos a cumprir, como a minha. Um som bem animado e tenso, perfeito para acompanhar prazos apertados.

Mais um show que vale a pena

2008-04-23T21:48:00.003-03:00

:: Diogo BarbaRuiva

E mais uma da lista das básicas vai aparecer em São Paulo. Eu sempre reclamo dessa moda de bandas voltarem, mas sempre me beneficio com isso. Caso contrário eu não teria visto o Iggy com os Stooges, por exemplo. É meio chato mesmo, principalmente se acontece o que os Pixies estão fazendo, isso de não lançar disco novo nunca - apesar de eu saber que eles provavelmente estão fazendo a coisa certa; e além do mais, o Frank Black voltou a fazer rock mais sujo.

No dia oito de novembro - se o dólar continuar baixo - o Planeta Terra (que teve o Devo ano passado) o The Jesus and Mary Chain vai tocar aqui em São Paulo. Provavelmente tocam no Sul também, mas não sei de outras datas. Para quem nunca ouviu falar, a música "Just Like Honey" está na trilha de "Encontros e Desencontros", da Sofia Coppola. Belo filme, aliás. E quem conhece sabe da importância da banda, uma das pioneiras do "shoegaze" (estilo de rock viajado, com muita distorção e eco). Se estivesse minimamente envolvido na organização do festival, tratava de contratar os também recém-voltados My Bloody Valentine, uma das melhores bandas de shoegaze de todos os tempos.

Just Like Honey:

Outra curiosidade: "shoegaze" vem de "olhar para os sapatos", do inglês, em referência ao modo como os músicos desse estilo tocam. Geralmente sob o efeito de drogas (ácido e ecstasy), os guitarristas e baixistas olham para baixo, como se estivessem olhando fixo (gaze) para os sapatos (shoes). É o que rezam a lenda e a Wikipédia.

E a lista do que eu ainda tenho que ver:

David Bowie
Radiohead
Frank Black
Alec Empire
Tom Waits
Attaque 77
Beck

e mais...

Mergulhando de cabeça na Bersuit Vergarabat

2008-04-09T14:46:00.006-03:00

:: Diogo BarbaRuiva Rodriguez

Assistir a "La Bersuit" no Monumental de Nuñez (estádio do River Plate) foi extremamente adequado: a banda de múltiplos integrantes não tem fãs, tem torcedores. Desde a antepenúltima banda do festival (a estranhíssima e poser Intoxicados) já se ouviam os gritos de guerra. "Olê olê, olê olê olá, de la cabeza con Bersuit Vergarabat!" foi entoado diversas vezes até o fim da noite, que acabou lá pela uma da manhã.

Pelo que li em alguns veículos da imprensa argentina, o Monumental é uma prova de fogo. Quem consegue sucesso ali acaba virando uma banda respeitada, quem vacila entra no ostracismo musical. Pudera também, os argentinos de fato assistem aos shows. Até o momento em que La Bersuit entrou no palco foram raros os momentos em que as pessoas pularam ou cantaram juntos. Mas não arredavam o pé das placas de plástico com o desenho de uma bola de futebol que cobria o gramado. Vaias tampouco; pura atenção, coisa que eu nunca vi acontecer no Brasil, principalmente em festivais. Ou o público pira com a simples presença do artista no palco ou está completamente desinteressado no que não conhece.

Sempre gostei de assistir a shows, principalmente de bandas desconhecidas. O Quilmes Rock realmente começou quando La Vela Puerca entrou no palco. Os uruguaios veteranos (existem desde 1995) têm pelo menos cinco hits que levantaram o público e mostraram ter muita experiência em grandes festivais. Cumpriram bem a missão de ser coadjuvantes na noite que estava com cartas marcadas a favor da atração local.

É difícil lembrar de todo o show da Bersuit. Foram mais de duas horas, com os maiores sucessos e algumas das canções do (fraco) novo disco. A preferência foi dada ao regular "Argentinidad Al Palo", mas houve boas surpresas dos discos mais inspirados como "Negra Murguera" (do excepcional Hijos Del Culo). Para nós brasileiros que não temos oportunidade de acompanhar de perto a carreira dos vizinhos portenhos, foi surpreendente constatar que a já enorme banda ficou ainda maior (pelo menos no palco). "El Tiempo No Para" foi a música que melhor utilizou os quatro guitarristas, dois percussionistas, sete vocalistas, baixo, bateria e guitarra. Um coral acompanhava a já tradicional interpretação emocionada de Gustavo Cordera, em que os argentinos pegam emprestadas as palavras de Cazuza para poderem reclamar da situação econômica-política-moral que todos nós vivíamos no começo dos anos 90.

Não foi raro ver um estádio inteiro pulando junto: "Se Viene", "El Viejo de Arriba", "La Argentinidad Al Palo, "El Baile de La Gambeta", "La Bolsa", "Porteño de Ley". Era mais do que comoção - como aconteceu no show do Pearl Jam em São Paulo, era uma verdadeira troca entre o público e a banda. Ao mesmo tempo relaxados e empenhados, os bersuiteros dos dois lados do palco eram na verdade uma multidão só.

Ao sair do palco antes do bis, Cordera exigiu um "piquete" para trazer a Bersuit de volta ao palco. Novamente os gritos de guerra, típicos dos estádios argentinos foram entoados sem parar, assim como "Señor Cobranza" (hino anti Menem, Cavallo e De La Rúa). Depois de alguns minutos os portenhos voltaram ao palco, claro, e terminaram a festa no Monumental.

Ainda bem que a Argentina não é tão longe assim.

Bis antes do show?

2008-03-04T11:23:00.005-03:00

:: Diogo BarbaRuiva

Definitivamente uma novidade: Black Francis (também conhecido como Frank Black, Charles Thompson IV e o líder dos Pixies) decidiu não fazer bis na sua turnê pela Europa (que acabou mês passado). Ao invés disso, ele fez "pré-bis", horas antes dos shows (ou, como ele chamou, precore). O detalhe é que ele tocou na rua! Na rua mesmo, na calçada, como se fosse um desses músicos de rua da Europa. Claro que em muitos dos lugares a sua presença gerou comoção, com centenas de pessoas se espremendo em volta dele para tentar ouvir o gordinho cantar músicas do Pixies. O público se emocionou em Dublin, na Irlanda, cantando "Monkey Gone To Heaven" e fazendo o solo de guitarra com a voz. Ele chegou a até ser levado pela polícia, mas provavelmente não foi preso.

Pena que ele nunca sinalizou uma vinda para cá. Dizem que os Pixies vêm de novo. Será que eles vão fazer a mesma coisa? Podia ser na Avenida Paulista...

Coletânea de vídeos do "pré-bis":

1) Mr. Grieves em Glasgow

2) Angels Come To Comfort You e She Took All The Money em Glasgow

Aqui, Francis fala bastante com o público e explica coisas relacionadas às músicas que ele está tocando e a Herman Brood . Sonho de qualquer fã.

3) Monkey Gone To Heaven em Dublin

Com direito a coro e solo de guitarra.

4) Black Francis sendo levado pela polícia em Dublin

Preste atenção – Sunset Rubdown

2008-03-02T03:53:00.007-03:00

:: Rodrigo Celso

Eles já têm três discos e começaram como o projeto solo de um "cientista" maluco, o canadense Spencer Krug. Hoje, já como uma banda e com alguma estrada nas costas, o Sunset Rubdown já tem grandes serviços prestados ao rock. Difícil explicar seu som: pense no Johnny Rotten cantando com músicos que realmente sabem tocar, ouviram muito rock alternativo e não gostam muito de se repetir de uma música para a outra. Na verdade, gente que não gosta muito de se repetir dentro da mesma faixa e por isso muda de andamento, de timbre, e varia os vocais. A referência mais próxima que eu teria para oferecer seria a banda brasileira Os Mulheres Negras da década de 90 e o Karnak, formado algum tempo depois por um de seus integrantes. Acrescente a isso certa atmosfera de mistério, ligeiramente etérea, como uma banda psicodélica e aí está o Sunset...

A intenção é salvar o pop da bobagem, algo sempre difícil, mas muitas vezes compensador. O Sunset não chega a ser hermético, incompreensível, mas também não se entrega fácil como uma canção que já apela para os clichês logo de cara, afinal, o bom pop é aquele que renova os lugares comuns. Uma comparação cinematográfica pode ajudar: se o Coldplay é Steven Spielberg, o Sunset Rubdown é Francis Ford Coppola. Os dois são grande diretores em Hollywood, mas um fez A Lista de Schindler e o outro Apocalipse Now.

No MySpace: http://www.myspace.com/justchoke
Site (ruim) da banda: http://www.sunsetrubdown.net/index.php

Veja a musica "I'm Sorry I Sang On Your Hands.... ":

Porque ver o Interpol

2008-02-29T13:41:00.006-03:00

:: Diogo BarbaRuiva

Eu não tinha pensado muito no assunto, mas percebi que quero ir no show do Interpol no dia 11 de março, no amado Via Funchal. Ainda sem saber se vou conseguir ingressos, se as meias-entradas ainda existem, enfim, sem saber se vai dar certo, enumerei algumas razões pelas quais valeria a pena gastar algum dinheiro e trocar o Bob Dylan por uma banda razoavelmente iniciante. Ao estilo da polêmica lista que dava algumas razões para não ver o show do Bob Dylan (esta e esta outra) em São Paulo, aqui vai outra lista, mas dessa vez falando os porquês de ir ao show dos nova-iorquinos:

1) Bom, o preço dos ingressos. Dá para pagar R$ 50 (estudante) para ficar na pista. O mais caro (camarote) sai por 160 reais (inteira).

2) O Interpol não faz parte do hype. Em seis anos de carreira foram lançados três discos, o que dá uma média de um a cada dois anos. Entre Antics e Our Love To Admire o intervalo foi de mais três anos, algo similar ao que o Radiohead (uma das bandas que faz os discos mais bem-feitos hoje em dia) demora para lançar seus álbuns.

3) Ao contrário de outras bandas (como o Bloc Party), eles sobreviveram à chuva de rótulos como "pós-punk" e "parecido com Joy Division", dados no começo da carreira e com sucesso "atualizaram" (como diria Simon Cowell, do American Idol) seu som. Resumindo: não cederam à pressão new rave que toma conta do rock hoje em dia.

4) Será a apresentação de uma banda no seu auge. Nunca eles foram tão famosos ou tão bons como hoje em dia. Nunca tiveram tantos fãs ou críticas favoráveis. Our Love To Admire foi citdo em várias listas de melhores de 2007. E de fato é um dos melhores do ano passado.

5) Se o Via Funchal era um motivo desfavorável no caso de Bob Dylan, aqui é algo positivo. Como são uma banda menor, o local escolhido para o show é perfeito: todos poderão ver e ouvir bem. Quem foi no New Order sabe.

6) Os caras são muito bons ao vivo.

Mais algumas razões para todos nós irmos ao Via Funchal no dia 11 (que complementam o item números seis):

6.1) PDA (ao vivo no programa Late Show With David Letterman)

Do primeiro disco Turn on The Bright Lights (2002).

6.2) Cmere (ao vivo no festival Eurockennes 2005)

Bela faixa de Antics (2004).

6.3) No I in Threesome (ao vivo no VFestival)

Do disco Our Love To Admire, que saiu ano passado.

Preste Atenção - Gay Against You

2008-02-28T20:42:00.000-03:00

:: Rodrigo Celso

O som do Gay Against You, banda escocesa que lançou o primeiro disco em 2007, Muscle Milk, é bem estranho. O rótulo que a imprensa colocou é “hardcore”, mas nada a ver com as bobagens nacionais que atendem por esse nome. O hardcore de verdade é inaudível; é música para quem tem como projeto de vida ficar surdo ou perder parte da audição. O estilo faz a alegria dos otorrinolaringologistas: se a sua cabeça não começar a doer depois de dois minutos de audição, o som não merece este nome. Mas voltando à vaca fria, a referência aqui é, de novo, o Atari Teenage Riot (se você não conhece, não sabe de onde vem metade do que existe de mais interessante na música eletrônica), mas o Gay Against You consegue fazer um som ainda mais difícil do que seus antecessores mais recentes.

As músicas do Atari ainda pareciam músicas: havia estruturas, às vezes refrão e batidas mais ou menos inteligíveis... Nas canções (?) da banda de Glasgow, isso tudo é muito, muito raro. As faixas são quase sempre desestruturadas, os sons mal se mantêm juntos. A impressão é que tudo aquilo vai se desconjuntar em um segundo e virar apenas barulho, um barulho incômodo, quase insuportável, mesmo que nem sempre rápido ou alto. É como se a gente ouvisse uma canção sendo desconstruída, ou melhor, sendo frustrada: a cada acorde ou batida parece que uma estrutura vai se formar, mas ela fracassa, retomando a rotina de destruição sonora.

Você nunca ouviu nada mais estranho.

Lucy and The Popsonics e o "wit"

2008-02-26T01:47:00.003-03:00

:: Rodrigo Celso

Música para dançar não precisa de letras profundas, essa é a tradição. Jorge Benjor que o diga. Neste caso, a melhor maneira de ser inteligente e evitar cair no romantismo meloso ou na cafajestagem é apostar no non-sense. A não ser que o objetivo seja construir atmosferas de pesadelo como as do Joy Division, caminho trilhado, em algumas faixas, pelo Interpol e pelo She Wants Revenge.

Lucy and The Pospsonics, banda de Brasília formada pela dupla Fernanda e Pil, está mais para Benjor do que para Joy Division: “Eu quero ser seu Tamagoshi”, o título da música já diz tudo. Deve haver umas 200 bandas no mundo recuperando a sonoridade eletrônica dos anos 80 e misturando punk com rock, na linha do Atari Teenage Riot e do Nine Inch Nails, sua versão diluída e comercial. Deve haver mais umas 300 fazendo piadinhas para parecerem engraçadas. A diferença entre todas essas bandas e os Popsonics é que eles conseguem.

Não vou comentar no detalhe as letras para não estragar a surpresa. O som também é bom, denso, pesado e bem trabalhado, algo inusitado para uma banda iniciante, especialmente brasileira. Todas as canções são bem resolvidas, mas às vezes um pouco óbvias, especialmente no uso de guitarras pesadas e distorcidas para contrastar com batidas e loops “engraçadinhos”. Seja como for, o começo é promissor.

Os vocais de Fernanda estão muito acima de média. Sua voz tem uma força e uma ironia difíceis de encontrar. É preciso muita cara de pau para cantar o refrão “Eu quero ser seu Tamagoshi” com aquela agressividade... O efeito é hilário. “Popdollkiller” tem momentos inacreditáveis, juntando no mesmo saco o desejo de dançar como a Sharon Stone (ela dança?) e de ter uma perna de silicone (o que?), depois de lamentar que um certo amor da sua vida tenha dado “as minhas roupas e acessórios”.

Falar bobagem parece fácil. Aparentemente, qualquer um seria capaz de inventar uma letra “nada a ver”, “muito louca”... Bom, amigo, amiga tente e veja o que sai. É provável que você faça algo sem graça e bobo que nem sua mãe vai conseguir gostar. Até para falar bosta é preciso inteligência. Os ingleses chamam isso de “wit”, algo que os Popsonics tem de sobra.

As letras surpreendem sempre, com versos completamente desvairados em que não se sabe o que esperar da estrofe seguinte. Apesar de não terem o compromisso de dizer coisa com coisa, são as letras as estrelas da estréia dessa banda brasiliense. Se como eu disse acima, o som é interessante, faz dançar e diverte, ele ainda tem muito que evoluir. O texto já é de alto nível.

Como é bom encontrar letristas que sabem escrever! Uma coisa cada vez mais rara...

No MYSPACE: http://www.myspace.com/lucyandthepopsonics

Preste Atenção - The Bell Rays e John Spencer Blues Explosion

2008-02-25T20:52:00.004-03:00

:: Rodrigo Celso

Se você já ouviu o John Spencer Blues Explosion vai gostar dos Bellrays. Punk e Blues: uma cantora que soa como Aretha Franklin e guitarras altas e pesadas, que às vezes lembram Jimmy Hendrix. Aproveite o embalo e ouça Acme do John Spencer, de 1999. É imperdível e está à altura do que foi feito de melhor no Rock em todos os tempos. “Poderoso”, “tapa da orelha”, “soco no estômago” são expressões adequadas, com o perdão do clichê. Os Bellrays são (algumas vezes) mais melódicos e agradáveis, mas fazem parte da mesma família. Uma família que gosta de barulho e, quando dança, sente prazer em chutar o próximo.

1. The Bellrays

2. John Spencer Blues Explosion

Os inclassificáveis

2008-02-21T21:01:00.000-03:00

:: Rodrigo Celso

Acho que é por isso que gostamos tanto do The Black & White Years: difícil de classificar. Evidentemente, ser inclassificável não é necessariamente uma qualidade. Há artistas bons e ruins de todos os tipos: nem todos os que se embrenham por caminhos alternativos se saem bem. Mas eu confesso ter uma queda por eles. De cara, eu admiro sua coragem de tentar fazer diferente. Se eu souber que existe uma banda formada por gaitistas de fole e músicos de bateria de escola de samba, comprarei o CD no dia seguinte. Mesmo que seja muito ruim, vou me divertir com a tentativa.

Há artistas que gostam de tocar estritamente dentro das regras de um determinado estilo e estão muito bem assim. Ninguém gosta de ser rotulado, mas a maior parte das bandas, de fato, segue um estilo e ponto. Normalmente, essas são as músicas que eu ouço no banho, no trabalho ou quando estou comendo alguma coisa requentada às 3 da manhã. Elas exigem muito pouco do ouvinte. Têm digestão fácil e agradam sempre. Agora, sentar para ouvir música com atenção, colocar um CD ou ligar o computador e ficar atento para as letras e para os detalhes dos arranjos, isso eu só faço com artistas inclassificáveis.

Talvez isso tenha a ver com ficar mais velho e já ter ouvido uma tonelada de bandas, cantores e cantoras. Quando alguém já ouviu música (especialmente Rock) por mais de 20 anos, sem pular um dia da semana ou um período do dia, provavelmente irá vibrar menos com a banda do momento (a não ser que ela seja tão boa quanto os excelentes The Strokes) e com a “garotinha folk desafinada que mal sabe tocar violão ou escrever uma letra” do momento. Mas acho que, no fundo, no fundo, a questão é outra. O fato é que eu sempre gostei muito de música de difícil audição.

Basta dizer que adoro o Einstürzende Neubauten. Meu professor de alemão sua frio sempre que eu peço para ler e discutir uma de suas letras. Ele, que tem sérios problemas com a Alemanha, sua terra Natal, às vezes é obrigado a ouvir uma das coisas que ele mais odeia por uma hora seguida. “Eu pegava carona com um amigo que ouvia essa banda todos os dias às 7 da manhã, no caminho para a Faculdade, em Dusseldorf. Você pode imaginar a alegria que me dá ouvir esse troço! Fala sério: você realmente acha que isso é música”.

Eu acho. Para quem não gosta, algumas músicas do Einstürzende se parecem com um liquidificador ligado, tocando em uníssono com uma serra elétrica. Bom, azar. Eu gosto. Acho estimulante pensar o que o compositor quis dizer ao inventar aqueles sons estranhos. Fico fascinado com letras complexas e alusivas, que não se entregam à primeira audição. Gosto de canções sem refrão e que não conseguimos cantar junto; músicas que não servem de fundo musical para um encontro ou para um jantar, pois geram incômodo, perplexidade e não deixam ninguém ficar tranqüilo, sentado na cadeira.

Há uma série de bandas e artistas que seguiram este caminho difícil, algumas poucas no Brasil. Atari Teenage Riot, Einstürzende Neubauten, Sonic Youth, Velvet Undergoud, Kraftwerk e outras. No Brasil, o Vzyadok Moe. Se você começar a ouvir essas bandas e se interessar por música clássica, vai descobrir o parentesco delas com o atonalismo. Um passo para começar a ouvir Shoenberg e Stockhausen. Enfim, espero que os interessados se divirtam.

“Mas como alguém pode gostar de coisas assim?” Alguns vão insistir. “Que graça tem ouvir canções estranhas, sem melodias bonitas e com letras obscuras? Um som cabeça e pretensioso, que se recusa a nos divertir?” Eu já tentei explicar. Não consigo dizer nada além do que eu já disse. Talvez ajude comparar o gosto musical com o gosto por comida e bebida. Quando temos dez anos de idade, é difícil imaginar que algum dia iremos gostar de cerveja e de moela, aquela água suja, amarga e ruim junto com aquela gosma meio fedorenta... Depois de alguns anos, o gosto amargo começa a dar água na boca e o que era nojento passa a ser apetitoso...

Com música é a mesma coisa. O gosto vai mudando, o paladar vai se sofisticando e aqueles artistas que achávamos estranhos e difíceis começam a soar melhor, a despertar nossa atenção. Começamos então a gostar de ouvir aquele som inusitado e quando nos damos conta, estamos ali, batendo um suco de abacaxi e ouvindo atentamente o liquidificador ligado, admirados com o tom e a textura de seu som... Quando nos damos conta, estamos com o IPOD cheio de músicas de artistas inclassificáveis, autores de canções disformes e de letras estranhas.

Não dá para negar: eu adoro artistas inclassificáveis. Gosto mesmo de música difícil. E de ornitorrincos.

Preste Atenção - Vídeos

2008-02-20T20:19:00.002-03:00

:: Diogo BarbaRuiva

Aqui vai uma compilação de bandas novas e desconhecidas com bons vídeos no YouTube.

1. The Black and White Years - Hysterical Sickness
O show deles deve ser muito bom. Esse bootleg é ótimo, aliás.

2. Oppenheimer - Breakfast in NYC
Belo clipe de baixo orçamento. Eu boto fé nesses norte-irlandeses.

3. Times New Viking - Thing With a Hook
Usando uma definição fácil, uma mistura de Pixies com Atari Teenage Riot que deu certo. Ainda vou dedicar um post a eles, uma das bandas mais promissoras com as quais andei topando.

4. Glasvegas - Daddy's Gone
Não são tão desconhecidos assim lá fora. Já têm clipe na MTV e saem nas revistas que alimentam o hype. Mas são muito bons e merecem atenção. Definição fácil? The Jesus and Mary Chain encontra Paul Anka e Neil Sedaka.

5. Cajun Dance Party - The Next Untouchable
Outra que já tem uma certa fama. O estilo é um The Libertines melhorado e com um pouco menos afetação. Belo riff de guitarra.

Porque ver Guilherme Arantes

2008-02-14T14:43:00.011-02:00

:: Rodrigo Celso

para Bruno

Guilherme Arantes fará um show neste sábado no antigo Palace, hoje Citybank Music Hall na Av. Jamaris, 213, as 22H. Custa relativamente barato (entre 40 e 80), é em Moema, ou seja, perto da civilização e, além disso, este "hall" diminuiu em 15% sua capacidade para acomodar melhor o público. Mas estas não são as únicas razões para ir ao show de Guilherme Arantes.

Guilherme Arantes é ecológico. Autor de "Planeta Água", música que mostra a necessidade de preservar nossos recursos hídricos, ele é um militante da Ecologia e dirige uma fundação destinada a promover a educação ambiental.

Guilherme Arantes é o primeiro Emmo. Suas melodias são sempre hamoniosas e leves, suas letras são sensíveis e delicadas e falam de emoçoes doces e desilusões amorosas, sempre ao som de um piano meloso e muitas vezes belo.

Ou seja, Guilherme Arantes é o Coldplay brasileiro, mesmo sem usar muitas guitarras. Para respeitar a cronologia, seria mais adequado dizer que o Coldplay é o Guilherme Arantes do Rock mundial.

Se você é fã da banda do namorado Gwyneth Paltrow ou de qualquer astro Emmo, não perca! Eu vou. Também tenho meu lado sensível. Se você quiser chorar no meu ombro durante o intervalo, nos encontramos no bar. Vou estar com minha camisa verde e de calça jeans escura.

"Amanhã, será um novo dia, da mais louca alegria, que se possa imaginar...."

Guilherme Arantes é alegria. Guilherme Arantes é amor. Guilherme Arantes é o sorriso aberto que nasce depois da última lágrima...

Porque não ver Bob Dylan II

2008-02-14T01:54:00.004-02:00

:: Rodrigo Celso

Recentemente, o Diogo deu algumas razões para não ir ver Bob Dylan. Foi chamado de imbecil para baixo por alguns leitores que, pelo jeito, não admitem ironias com suas vacas sagradas. Como não quero deixá-lo sozinho nessa, aproveito o ensejo e apresento minhas razões, aguardando ansiosamente os xingamentos:

1. Ir a um show em qualquer um dos atuais “halls” é um atestado de burrice. Estacionamento difícil e caro, som ruim, barulhos de todos os tipos interferindo no espetáculo, entre outras coisas Um clima de feira de animais no parque da Água Branca, nunca de show.

2. Os últimos shows de grandes nomes a que tive o desprazer de comparecer foram espetáculos burocráticos e previsíveis, que cumpriram a obrigação de entreter o público sem empolgar ninguém. A não ser é claro, aqueles que se deixam deslumbrar por “lendas vivas” da música, ou seja, gente que não gosta de música e sim de hype. Quem gosta de som, normalmente, sai decepcionado.

3. Se continuar chovendo como ultimamente meu amigo e minha amiga, preparem-se para sofrer no trânsito. Depois de demorar horas para chegar, demorar um tempão para estacionar, ver um show ruinzinho, pagar uma nota de estacionamento e sofrer mais um pouco para sair de lá com fome e sede porque tudo nesses “halls” é caro pacas, vocês vão se lembrar desse modesto blogue.

Eu e o Diogo estaremos aqui, ouvindo música no gostozinho e iremos te dizer, como uma certa motinho de um desenho animado de minha infância:

- Eu te disse! Mas eu te disse! Eu te disse! Disse! Disse!

Mas enfim, tem gente que precisa pular pela janela para descobrir que machuca.

Preste Atenção - Downliners Sekt

2008-02-13T13:43:00.005-02:00

:: Diogo BarbaRuiva

No Eu Garimpo nós temos louvado constantemente a iniciativa do Radiohead de não fixar um preço para o download do disco In Rainbows enquanto ele esteve disponível para download. Vimos essa atitude como algo possivelmente revolucionário, como uma forte balançada na indústria musical. Tem sido difícil encontrar opiniões que destoassem disso. Na maioria dos veículos de mídia o tom foi o mesmo que o nosso. Porém, nem todo mundo concorda com isso, e têm bons argumentos para defender tal posição.

Downliners Sekt é um coletivo de música baseado em Paris, Londres e Barcelona. São três lugares porque, segundo eles, o trabalho é feito trocando arquivos pela internet. Eles se recusam a dar seus nomes e a enumerar suas influências. A única coisa que admitem é que o nome foi "emprestado" de uma banda de rock dos anos 60, o Downliners Sect (com "c" mesmo). Além de produzirem música eletrônica o nome do coletivo é também o de um netlabel, um selo de distribuição baseado na internet. Tudo o que foi produzido nos três anos de existência do selo e do coletivo (três ábuns, no total) está disponível para download no site do selo, de graça.

Semelhanças com o Radiohead? Para o Downliners Sekt, não são muitas. A perspectiva do projeto multinacional é muito mais radical. A estratégia de In Rainbows é vista como um mero golpe de marketing, como apenas mais uma maneira de ganhar dinheiro sem realmente subverter ou inverter a lógica de comercialização da música. O desejo é o de que a indústria da música se exploda, que dê tudo errado, que falências aconteçam. Por isso o apoio do Downliners Sekt às trocas ilegais de arquivos na internet e às rede peer-to-peer (p2p).

São dois lados de uma discussão. Uma vertente procura desmantelar parâmetros convencionais sem questionar a necessidade do lucro. A outra, bem mais radical, vê na extinção do capitalismo a única possibilidade para que a música seja música de verdade e não produto.

Falando da música em si, o Downliners Sekt privilegia os ambientes, quase como uma banda de shoegaze (exemplos: The Jesus and Mary Chain, Slowdive, My Bloody Valentine, Sigur Rós) mas orienta a composição para a música eletrônica. Há momentos em que o jungle e o drum'n'bass são citados fortemente, como em "Ohrwurm". Como projeto experimental o som é interessante. muito bem-feito. Mas é música específica e não tem a menor intenção de parecer pop.

No site deles há um FAQ (perguntas frequentes) muito interessante para quem gosta da discussão sobre a autoria da música e o download legal ou ilegal de mp3. E ainda é possível baixar toda a discografia do selo e do projeto.

Downliners Sekt

Site

MySpace

Querem nos banir

2008-02-12T13:16:00.000-02:00

:: Diogo BarbaRuiva

Notícia do G1:

O governo britânico está preparando um projeto de lei que obrigará os provedores de serviços da internet a "desconectar" usuários reincidentes no download ilegal de música ou filmes.

Não conheço as leis britânicas, mas acredito que essa lei represente no mínimo uma grave violação aos direitos individuais e ao pressuposto de que quem comete um crime deve ter a chance de recuperação e reintegração à sociedade.

Será que criminalizar sistematicamente significa coibir de fato o crime? Parece que não, que essa é a solução mais aceitável porque cria celeuma e dá uma sensação de justiça, mas o fato é que os músicos (em sua imensa maioria) nunca ganharam dinheiro com venda de música. Quem está reclamando são as gravadoras. E já tem muita gente colocando disco de graça na internet (Radiohead, The Charlatans, The Black Kids) para que se diga que é impossível que exista um modelo alternativo de comercialização de música.

Leia a notícia na íntegra.

Veja Paul McCartney (um cidadão britânico) dando seu parecer sobre download ilegal:

Porque não ver Bob Dylan

2008-02-11T16:22:00.000-02:00

:: Diogo BarbaRuiva

É uma "heresia" dizer isso, mas consigo pensar em ótimos motivos para não ir aos shows de Bob Dylan no Brasil. Não estou negando todo o senso comum sobre ele, tampouco o meu gosto por sua música, mas geralmente shows como esse desencadeiam uma certa histeria de ocasião que não é muito agradável. Claro que eu gostaria de ver Bob Dylan, mas deu preguiça. E pelos seguintes motivos:

1. O ingresso custa 250 reais.
2. O ingresso de 250 reais acabou. No mínimo, um ingresso custa R$ 400 agora.
3. Vai estar cheio de gente que não sabe o que está fazendo lá. Aposto que um monte desses ingressos foi para os patrocinadores do evento. E aposto que vai ter um monte de celebridade saindo em foto para a Caras.
4. É um inferno parar o carro em qualquer casa de show. Ainda mais naquele buraco viário onde está o Via Funchal.
5. A cerveja pilsen de má qualidade custa o mesmo que um pint de cerveja irlandesa em um pub.
6. Andam falando demais sobre o Bob Dylan desde que ele lançou Modern Times. Que nem é dos seus melhores discos, apesar do que todo mundo disse.

Claro que muito disso é inveja, mas não ignoremos o que há de verdadeiro na minha crítica. Nós acabamos fazendo muito alarde quando algum grande ídolo internacional vem para cá. Todos os veículos de mídia falam sobre ele, aparecem especiais, reportagens no Fantástico, no TV Fama. É quase um favor que esses músicos fazem ao virem tocar aqui. Dessa vez em não vou passar o mês no perrengue.

Preste Atenção - Oppenheimer

2008-02-06T22:05:00.000-02:00

:: Diogo BarbaRuiva

Nossa obsessão pelo The Black and White Years continua rendendo frutos. Depois de nos dar conta de que as bandas alternativas/independentes/desconhecidas estão mais próximas do que parecia, resolvemos criar uma seção semanal dedicada a compartilhar as descobertas. Horas de MySpace, Hype Machine, Last.fm, blogs de mp3, podcasts, serão agora compartilhadas com os nossos leitores-amigos.

Daremos preferência a bandas relativamente desconhecidas que tenham – de preferência, mas não exclusivamente – músicas gratuitas para download. Não faz sentido ficar resenhando discos de grandes gravadoras. Pensamos que pinçar as boas músicas disponíveis na rede é muito mais divertido e interessante. Porque se o hype traz à tona inúmeras bandas, há muita coisa que fica de fora, mas merece a atenção de quem gosta de música.

Nossa primeira tacada é uma banda da Irlanda do Norte, Oppenheimer. Essa dupla já tem um disco lançado e está gravando o segundo. O som é bem pop, com a presença forte de sintetizadores (eles são fascinados pelo moog) e vocais eletrônicos. No primeiro disco, auto-intulado, o fio condutor é dado pelas melodias. Com um pé no electro e outro no indie-rock, os norte-irlandeses fazem muita reverência aos anos 80. Sem muita pretensão, o primeiro disco do Oppenheimer mostra caminhos divertidos para o rock-pop que já foram trilhados por artistas como LCD Soundsystem e Fischerspooner.

Ao que parece, os dias de obscuridade do Oppenheimer parecem estar fadados ao fim, já que a faixa “This Is Not a Test” fez parte da trilha sonora do seriado-novela americano Ugly Betty, versão da novela colombiana Betty, a Feia, exibida no Brasil pelo SBT.

Ouça a catártica “Saturday Looks Bad”, a melhor do álbum de estréia da banda:

Aqui você pode baixar a participação deles no programa Lounge Act, da rádio WOXY.com.

MySpace da banda

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Mais The Black and White Years!

2008-02-05T14:52:00.000-02:00

Para ilustrar ao menos um pouco essa nossa obsessão com os texanos, ouçam a melhor faixa do EP/álbum Real! In Color!, a ótima "Everyone".

Não abandonamos o blog, não!

Preparem-se para o novo disco dos doces rapazes de Nova Iorque, Nada Surf. O quinto disco da banda, Lucky, acabou de ser lançado nos EUA.

Música densa

2008-01-11T14:07:00.000-02:00

:: Diogo BarbaRuiva

O lançamento oficial do primeiro disco do The Black and White Years é no dia dois de fevereiro. Ainda não se sabe quais serão as faixas, mas a tendência é que muitas das que apareceram em Real! In Color! (o EP que compramos pela internet) devem se repetir. No Myspace já estão disponíveis as regravações de Power To Change e Everyone.

Se já sabemos que o novo CD dos texanos está para sair e o acesso a ele está garantido (o Rodrigo Celso já fez um pre-order) qual é o objetivo de fazer uma resenha detalhada de um simples EP que logo ficará esquecido? Bom, primeiro para que ele não fique tão esquecido assim. Se fosse necessário lançar o material que o The Black and White Years já tem, sem regravar nada para cortar custos, a qualidade seria ainda assim acima da média. Além de serem ótimos letristas e compositores, o trio do Texas sabe gravar muito bem. Outro motivo para essa resenha tardia e ao mesmo tempo adiantada é o fato de que a força da banda não reside somente na qualidade da parte instrumental. O que vai permitir que ela sobreviva ao lançamento do disco propriamente dito é que se baseia na força dos temas tratados nas letras. No máximo, vai ser necessário um complemento caso exista alguma faixa nova. Porém, nota-se que o The Black And White Years já tem uma temática própria. E eles ainda nem lançaram o primeiro disco!

In a Book é um desabafo sobre a frustração do ato de escrever. As nossas tentativas de encadeamento de palavras, seja em um livro, seja em canções, são constantemente frustradas pelas críticas dos nossos amigos e pelas opiniões dos outros. O medo de dizer a coisa errada da maneira errada está presente aqui, o medo da exposição. É um modo original de se apresentar ao ouvinte: fazer ressalvas ao que vai se seguir e ao modo como o disco será ouvido. Pode parecer cauteloso demais ou até medroso, mas conforme se desdobram as canções percebe-se que algumas afirmações dos The Black and White Years podem acabar incomodando quem está acostumado a um rock que não se presta muito a pensar. Há mais informação do que de costume tanto nas letras quanto no instrumental. O cartão de visitas da primeira faixa fica ainda mais claro por causa da guitarra ao estilo Johnny Cash que guia a melodia, afinal, quem vive no Texas não pode estar imune à música country.

Logo em seguida vem o tal do incômodo: Power To Change. Um certa lembrança de reggae, electro e guitar rock se misturam a uma letra incomum. Não se trata de falar sobre a mudança na política, mas de mostrar (talvez de maneira irônica) que a evolução do homem, tanto no sentido social como no biológico, não necessariamente fez dele um ser melhor do que os animais. A letra passa por esse processo evolutivo e chega ao final dele mais descrente do que estava no começo; primeiro ele diz que nós temos o poder de mudar, depois ele espera que tenhamos o poder de mudar. Mas mudar o quê? Esse elo não está claro, mas é fácil perceber o pessimismo em relação à natureza humana. Podemos (e tomara que seja realmente possível) mudar nossa natureza sádica e animalesca, individualista, que só atende a impulsos de sobrevivência. As ressalvas de In a Book começam a fazer sentido.

Bom, somos como os animais e como eles, iremos morrer. Diferente deles, sabemos que vamos morrer. Podemos deixar este mundo a qualquer momento. A nossa miséria e a nossa salvação virão quando morrermos. O mundo gira em torno do fato inegável de que não mais estaremos aqui no futuro. Não há o que impeça isso. Qual é a nossa reação frente a essas certezas? Negá-la. "When the gloomy truth arrives, everyone denies" (Quando a triste verdade chega todos negam). Difícil pensar em outra maneira de viver. A maior balela do mundo é aquela frase do senso comum que diz "viva todo dia como se fosse o último". Seja por causa das contas do fim do mês ou de alguma promessa de vida eterna, nós não podemos esquecer do amanhã. Um grande paradoxo, não? Sabemos que tudo terá fim, que o que estamos fazendo neste instante (você lendo este texto, eu, escrevendo-o) pode ser simplesmente uma perda de tempo. Poderíamos todos estar aproveitando os nossos últimos instantes, mas não temos a certeza de que serão mesmo os nossos últimos. Tudo o que temos é a dúvida.

Esse é um contraste forte que permeia todo o disco: a vida e a morte e os conflitos que as duas engendram. Pode-se pensar a vida como o terreno da possibilidade e a morte como o terreno do impossível, do que não pode ser realizado, a imobilidade total. Forcemos a barra e a vida pode ser o branco, a existência de todas as cores; o preto, a ausência absoluta de cor. Acho que é uma boa possibilidade de interpretação.

Ainda no terreno das dualidades como ponto de partida para pensar a vida, Waking/Dreaming não só coloca essas duas possibilidades opostas juntas no título da canção, como as coloca separadas apenas por uma barra que não as deixa estabelecer qualquer tipo de relação. É quase uma separação física. Aqui, a dualidade é um momento de confusão em que não se sabe mais qual é diferença entre estar acordado (a "verdade", o "real") e sonhar (o que não é real, o inventado). Isso é um problema. Deveria ser possível entender a diferença entre viver de verdade e fingir. "I can't be happy unless I make believe" (Não posso ser feliz a menos que eu imagine [que sou feliz]). As duas realidades, tão separadas, tão incompatíveis, estão misturadas e isso é perturbador. Essa separação entre o real o não-real aparece em outros momentos do disco. Em You Are a Dragon, fala-se de uma mulher que é um modelo de excelência e perfeição, alguém que é perfeita demais para ser verdadeira. Perfeição de uma deusa, como Atena ("You are Athena"). Porém, na mitologia grega, sabemos que os deuses estão longe de serem modelos. Eles mentem, roubam, matam, misturam-se ao humanos muitas vezes. Os deuses são filhos de Zeus, têm poderes especiais , mas não são, como é o deus cristão, algo que não possa falhar. Ao invocar essas imagens gregas, o The Black and White Years talvez esteja brincando com a obsessão que temos em tratar de coisas que não entendemos de uma maneira idealizada.

Rodrigo Celso disse, em um texto anterior, que as novas cantoras da MPB não têm a menor graça porque não apresentam aos ouvintes nenhum problema artístico. Isso certamente não falta ao The Black And White Years. Existe uma linha de pensamento em Real! In Color! Há assuntos a serem abordados, questões que são postas na mesa. A banda têm uma opinião sobre o mundo que é identificável. Eles assumem uma posição frente ao que estão expondo. São muito ricos os temas apresentados e também a maneira como eles são tratados. O The Black and White Years tem uma densidade muito rara de se encontrar hoje em dia. As comparações com o Talking Heads são precoces, mas não injustificadas.

In Rainbows e a tradição

2008-01-08T22:04:00.000-02:00

Notícia do Estadão e de muitos outros veículos de comunicação: In Rainbows, do Radiohead, o disco de verdade, palpável, estreou na parada britânica em primeiro lugar, vendendo 50 mil cópias na primeira semana de vendas. Se a grande sacada de vender o disco primeiro em mp3 para evitar os famosos "vazamentos" pela internet já tinham colocado em xeque o modo como a comercialização de música pode ser pensado, certamente que essa notícia ainda vai (ou deveria, pelo menos) dar muito ao que pensar aos executivos das gravadoras.

Sem apostar no poder dos críticos de jornais e revistas (que normalmente recebem cópias dos discos antes de eles chegarem às lojas), o Radiohead conseguiu tanta ou mais mídia do que se fosse usar dos meios "tradicionais". Claro, trata-se de uma das maiores bandas do planeta, é fácil para que eles chamem a atenção. Mas duvido que tudo isso teria acontecido (e continua acontecendo) se a música não fosse realmente cativante (para não dizer ótima). Como já apontamos aqui, a discussão definitivamente tem que passar pela qualidade do que está sendo entregue, da produção (não em um sentido marxista) do artista.

Notemos também que oineditismo da música, o ocultamento o produto em caixas lacradas e o atrelamento a exibição do resultado de um trabalho a uma data de possibilidade de compra não são o segredo para o sucesso. O interesse do público inglês foi tanto que a possibilidade de baixar o disco de graça pela internet não impediu o primeiro lugar do Radiohead nas paradas de venda de discos. Difícil não pensar que ter acesso à obra foi um fator fundamental. Ouvi quem quis, baixou e comprou quem quis.

Longe querer analisar profundamente todas essas repercussões, queremos apontar que novos caminhos estão sugeridos, apesar das limitações. Para entender um pouco melhor as motivações da banda e possíveis explicações para esse empreendimento inovados, recomendo a entrevista de Thom Yorke a David Byrne na revista Wired.

Ei, você aí! Me dá um dinheiro aí! Me dá um dinheiro aí!

2007-12-30T16:14:00.000-02:00

:: Rodrigo Celso

The Black & White Years: O Diogo descobriu esta banda no blog Ryan’s Smashing Life. O som chama a atenção, muito diferente do que anda acontecendo no Rock e no POP. Quem já ouviu as bandas alternativas americanas da geração do Yo La Tengo e Pavement (estranhamente, não citadas por eles como influência) vai se sentir em casa, especialmente os fãs do Cake.

Essencialmente, os caras dos Anos Pretos e Brancos fazem boas canções, com melodias bonitas e arranjos inventivos, que incorporam elementos eletrônicos e sons incidentais sem cair no clichê atual, que faz todos os artistas soarem igualmente "cool" e "antenados". Não é um guitar band: a força do rock está lá, insinuada em alguns acordes mais agressivos e no modo de cantar de algumas canções. No entanto, a banda está mais próxima de artistas como David Bowie, maior do que qualquer estilo e um inovador no campo do Rock `n` Roll. Como em um disco de Bowie, cada faixa é uma surpresa: há mudanças de andamento, de clima, de humor, sempre com a predominância de ritmos dançantes.

Eles estão apenas começando (e muito bem!): ficamos amigos deles no My Space, compramos o CD Demo, que veio com o nome da banda e do disco escrito a caneta num CD virgem, embalado em uma capa xerocopiada. A banda está pedindo aos fãs doações para financiar sua viagem para um importante festival de bandas em Cannes, França. Eu doei 50 reais. Se quiser ajudar, clique aqui. Recentemente, recebemos a notícia do lançamento do primeiro disco, que será comemorado em um bar no Texas, seu local de origem. Aguardem a resenha. Enquando isso, oucam algumas faixas do album no My Space.

Os caras acharam muito estranho ter dois fãs brasileiros. Chegaram a perguntar para o Diogo, meio espantados, como ele tinha ficado sabendo deles, o que de certa forma me surpreende. Se a internet não vai salvar a humanidade, pelo menos ela permite que eventos como esse aconteçam: a força do talento de um artista é capaz de encontrar ouvintes em qualquer lugar, sem a mediação da indústria, por intermédio de um blog de sucesso, escrito por um executivo do ramo de aparelhos médicos. No que tudo isso vai dar eu não sei. Mas que está divertido, isso ninguém pode negar.

O CD que virou suco [FBI e pirataria]

2007-12-28T23:50:00.000-02:00

:: Rodrigo Celso

Recentemente, comprei um CD em que havia um espetacular aviso do FBI para informar o consumidor que a pirataria é punida pelas leis federais norte-americanas. A intenção do aviso é, evidentemente, intimidar os compradores. Funcionou.

Mesmo sem ter qualquer intenção de piratear as músicas, fiquei um pouco assustado, afinal, o que eu sei do FBI vem da cultura POP e nela, ele sempre aparece como uma polícia super-poderosa, que sabe tudo e é capaz de tudo. Se os bravos agentes do FBI foram capazes de resolver casos intrincados e prender infratores perigosos, por que não seriam capazes de vir me pegar?

Passados alguns minutos, comecei a me acalmar. FBI ou Polícia Federal; é difícil imaginar que as autoridades seriam capazes de ir atrás de todos os autores de crimes de pirataria e prender cada pessoa que copia um CD sem tê-lo adquirido. São tantos culpados; são tantas as formas de se obter música de graça, que fica difícil ter medo. Pode ser que as autoridades resolvam escolher alguns bodes expiatórios para servirem de exemplo e eu acabe dançando, mas é difícil imaginar que consigam reprimir efetivamente verdadeiras legiões de infratores.

Nada disso é capaz de apagar o fato de que a pirataria é um crime que deve ser punido enquanto permanecer como tal. Nem a polícia nem o Poder Judiciário estão isentos da responsabilidade de reprimir tais práticas. No entanto, a imensa quantidade de criminosos de fato e em potencial espalhados por todo o mundo nos faz refletir.

Faz sentido criminalizar um fato de que tantas pessoas são culpadas e, pior de tudo, que uma parcela cada vez maior da sociedade considera como aceitável, ao menos em algumas de suas formas? Não seria mais inteligente abandonar a estratégia repressiva e pensar em alternativas para lidar com o problema? Alternativas que não exigissem que o FBI intimidasse um inocente comprador de CDs, correndo o risco de desmoralização diante da tarefa hercúlea e impossível de colocar todos os piratas na cadeia?

Parte da sociedade tem insistido no seguinte ponto: é necessário mudar o padrão de comercialização da música e pensar a internet como espaço inescapável para o mercado musical. Ninguém tem um novo modelo, ninguém sabe o que fazer. É evidente que os artistas devem ganhar com a venda de sua música e que seus editores têm direito a uma parte deste bolo. No entanto, parece claro que o uso da linguagem do crime e da pena, neste caso, tem servido apenas para tampar o Sol com a peneira. Trata-se de tentar parar a história e manter uma forma de comércio que já não atende às necessidades do consumidor.

Estou decepcionado com os comerciantes de música quanto a este ponto. Normalmente, o comércio está sempre na frente e é capaz de apresentar ao público alternativas inimagináveis, capazes de maravilhar a todos os compradores. No entanto, a capacidade de inovação, de criação de novos modelos de negócio, desta vez, deixou muito a desejar. A situação é a seguinte: eu não quero comprar um CD completo de determinados artistas; quero experimentar novas faixas, novas bandas, todos os dias sem ter que desembolsar dezenas de reais por isso; em suma, quero pagar, mas não pelos produtos que me tem sido oferecidos.

Eu não sei o que fazer, mas como um grande consumidor de música, penso na comodidade de serviços como a Last FM e a Pandora Box, rádios on line que tocam apenas o tipo de música escolhida pelo ouvinte, sem apresentadores. Serviços como esse, se fossem pagos e abrissem a possibilidade de se adquirir a faixa (ou o CD) que se acabou de ouvir, poderiam ser uma boa alternativa. Os artistas ganhariam pela execução da faixa e por sua eventual aquisição e nós, consumidores, poderíamos pagar pelo acesso às faixas e/ou por sua aquisição, sem correr risco de prisão.

Não sei se esse é o modelo, mas gostaria que alguém surgisse logo com uma solução. Eu quero ser um cidadão respeitável, quero respeitar as leis, pagar minhas contas e cumprir todos os meus deveres com a sociedade, mas não tenho vontade de comprar coisas que não quero, nem de ser submetido a tarefas impossíveis.

Comprar um cacho de bananas quando se quer comer apenas uma é tão irracional quanto comprar um CD inteiro quando se quer ouvir apenas uma faixa. O que é melhor para o vendedor de bananas: passar a vender unidades ou correr o risco de ver os furtos aumentarem, cometidos por consumidores que não desejam comprar um cacho inteiro? Quem sabe funcione punir duramente o furto de bananas?

Comprar bananas indesejadas nao é assim tão ruim. Com as bananas extras pode-se sempre fazer vitaminas, bolos, doces, etc. Mas e com as faixas extras do CD que compramos sem nenhuma vontade? Vamos fazer o que? Suco?

O samba de raiz e a preguiça mental da juventude

2007-12-18T00:59:00.000-02:00

:: Rodrigo Celso

Desde Stevie Ray Vaughan o blues não avançou um só milímetro. Continua repetindo os mesmos clichês, sem capacidade de renovar o material musical com que trabalha. O samba “de raiz”, do mesmo modo, parou em Paulinho da Viola e só faz retomar as mesmas fórmulas, cristalizadas e sem graça. Os dois estilos estacionaram e, por isso, se tornaram estéreis como a Bossa Nova para exportação, tocada por alguns artistas brasileiros ou o blues constrangedor praticado por tantos outros.

Um estilo musical estaciona quando não consegue dizer nada novo e repete os mesmos temas, sem acrescentar novos elementos à tradição. Figuras seminais como Nelson Cavaquinho e Stevie Ray Vaughan começam a rarear e o estilo passa a contar apenas com artistas médios, sem grande autonomia de vôo. É difícil explicar como isso acontece, mas podemos seguir algumas pistas.

Para ficar com os exemplos citados, pensemos inicialmente em Nelson Cavaquinho. Seus sambas falam da morte, da decadência, do envelhecimento de maneira direta e pungente, sem romance, sem drama, muito além do lugar comum. Ao invés de se dedicar a repetir histórias conservadoras de malandros e boêmios machistas e sexistas, ele tratou de temas profundos e graves, levando o samba a lugares onde ele nunca havia estado.

Stevie Ray Vaughan, por sua vez, aplicou todas inovações da guitarra de Jimi Hendrix ao blues tradicional, levando adiante o impulso inovador de Albert King. Sem deixar de tocar temas clássicos, Vaughan trouxe mais peso, velocidade e distorção ao Blues, colocando-o ao lado do rock em potência e capacidade de empolgar a juventude, sem nunca abandonar as formas tradicionais. Duas proezas notáveis, que permanecem sem par.

O assim chamado samba “de raiz”, como atualmente é conhecido, vive dos mortos. À exceção de Teresa Cristina, que se mantém num bom nível poético e musical e ensaia um caminho original, escapando da sombra poderosa e castradora de Paulinho da Viola, assistimos a um desfile de mocinhas de classe média (da Lapa ou Vila Madalena) que buscam no passado a legitimidade para seu talento medíocre. Interpretações frouxas e sem imaginação ficam lado a lado de letras repetitivas; meras paráfrases ou simples cópias de letras antigas.

O exemplo à mão é o lamentável disco novo de Maria Rita recém-convertida ao samba, na esteira de uma dezena de outras mocinhas milimetricamente desencanadas, vestidas de chita e fibras naturais, agitando os cabelos desgrenhados e os colares de semente e pedras coloridas. Bonitinhas (mesmo sem nenhuma maquiagem!), mas ordinárias. Bom para ouvir no elevador, muito bom como som ambiente em uma feijoada, mas não dá para levar a sério.

Nelson Cavaquinho tinha um problema artístico claro e difícil: como cantar a morte, a decadência física, a destruição? Stevie Ray Vaughan idem: como tocar guitarra, especialmente no Blues, um estilo cristalizado e repleto de formas fixas, depois de Jimi Hendrix? Essas moças (lindinhas, lindinhas), só querem ser bacanas, enturmar-se com os “bambas”; com o “pessoal da pesada” e curtir a música invertebrada delas.

Falta raça, falta transcendência, falta uma questão, um problema, um desafio do mesmo quilate daquele enfrentado por Nelson Cavaquinho. Mas enfim, elas só querem cantar bonitinho e nos agradar! Melhor eu deixar de ser chato e apenas curtir, não é mesmo?

She Wants Revenge no Nokia Trends

2007-12-16T22:28:00.001-02:00

:: Diogo BarbaRuiva ::

Um dos melhores shows do ano. O She Wants Revenge se provou digno de ser headliner de um festival de considerável peso e fez um ótimo show no Nokia Trends. O público não se empolgou muito. Acho que muita gente nem conhecia a banda, mas mesmo assim os que não ficaram andando pela pista para comprar cerveja ou ir ao banheiro toda hora reagiram bem ao set dos californianos.

Pelos discos, confesso que achei que o som deles fosse perder qualidade ao vivo, As batidas são eletrônicas e muito repetitivas, o que talvez não funcionasse no palco. Mas o She Wants Revenge toca com uma banda de rock: bateria, baixo e guitarra, sem perder a contundência e sem deixar de ser totalmente dançante. Muito dançante. Mesmo as músicas mais lentas ficaram empolgantes devido à competência da banda.

Os momentos mais fracos do show foram as músicas do novo disco, This is Forever. Ficou bem claro que o álbum anterior é mais vigoroso e melhor que o recém-lançado trabalho do SWR. O mérito de She Wants Revenge (2006) é sua vocação para as pistas de dança. This is Forever deixou um pouco de lado essa característica para buscar mais detalhamento na produção. O melhor da banda ficou obscurecido.

Não há do que reclamar, porém. É raro termos chances de ver uma banda boa no auge tocar no Brasil, e tivemos essa chance no Nokia Trends. Muito melhor do que ir ao Maracanã assistir a mais uma turnê de “dinossauros” que querem tirar uma casquinha dessa onda irritante de voltas.

She Wants Revenge e New Model Army fizeram os melhores shows do ano de 2007, sem dúvida. E nem me venha falar do TIM Festival.

In Rainbows, a internet e o futuro

2007-12-10T23:47:00.000-02:00

:: Diogo R.

Depois de muito tempo sem dizer nada, acho que o fim do ano é um bom momento para voltar à ativa. Nós começamos esse blog na mesma época do ano passado, motivados pela decepção de ter jogado muito dinheiro fora para assistir a um show meia-boca de B.B. King. Emplacamos um trecho do texto na seção de reclamações do Guia da Folha, foi um orgulho. E percebemos que a vocação da internet para descentralizar a edição de conteúdos seria um meio de entrar em contato com pessoas que compartilhavam da nossa necessidade de pensar a música.

Senti que faltou falar de In Rainbows, do Radiohead. Deveríamos ter saído do limbo naquele momento. Sempre nos propusemos a procurar os fios mais sutis ou mesmo mais reais de discos, artistas. Nosso micro-público respondia muito bem às nossas tentativas de acertar um alvo que estava além da embalagem do rock. “Falhamos” no timing do post. A venda do mais recente disco do Radiohead foi muito mais do que um jeito inovador de vender música, foi também uma inovação no que diz respeito ao status da música no mundo.

Primeiro ponto a ser explorado: o disco foi, até dezembro, lançado exclusivamente na internet. Ao contrário do que aconteceu com Hail To The Thief, que vazou um bom tempo antes do lançamento oficial, In Rainbows foi exposto somente quando a banda decidiu que era a hora. Não me lembro de outro álbum que tenha sido lançado dessa maneira antes desse.

O segundo aspecto importante é o modo como o preço do download do disco foi determinado. Isso deixou algumas mentes inquietas por algumas semanas, inclusive a minha. A tentação de usar “revolução” neste parágrafo é grande, mas deixarei as análises mais finas a cargo dos sociólogos e economistas. Porém, convenhamos, é perturbador pensar em todos os significados que isso tem. De um centavo a 100 mil libras, o consumidor, o cliente, o admirador, curioso, podia simplesmente determinar o quanto achava que um disco valia. A liberdade de atribuir valor a uma certa coisa se tornou um exercício em que a arte entrou em questão não mais como produto de um certo modo de fabricar coisas concretas, mas como um punhado de informação passível de ser avaliado sem qualquer mediação que não a da subjetividade de quem comprou In Rainbows. Que se explodam os encartes, a distribuição de material físico, o preço da gasolina, o turno da fábrica de compact discs, a Zona Franca de Manaus, os impostos. A responsabilidade era sua. Deixamos de passivamente esperar a FNAC da Paulista encomendar uma pilha de CDs para passar o cartão de débito sem ter muito o que fazer porque o preço na Saraiva e no Submarino era mais ou menos o mesmo.

Até aqui essa história deixa em êxtase qualquer um que enxerga a música como algo mais do que um produto. Agora entra o detalhe que é verdadeiramente fantástico disso tudo: a liberdade de atribuir um valor era total. Sim, total. Zero era possível também. Liberdade e responsabilidade de atribuir um valor, de dizer aos cinco homens que vivem de música o quanto o esforço deles merece receber em valores monetários. Liberdade de ter acesso ao trabalho feito, acima de tudo. In Rainbows não é um álbum (pelo menos até ser lançado em CD no ano que vem) porque álbum é algo concreto, cheio de fotos, manuseável, um pedaço de plástico que um dia vai virar entulho . O Radiohead alçou seu disco a um lugar que normalmente não pertence a álbuns, mas sim àqueles shows memoráveis que nunca mais vão ser reproduzidos, nem se forem lançados em DVD. Quem conhece o Radiohead sabe que a música deles nunca se limitou aos álbuns. A força da banda é criar música a partir do que já existe (o que está gravado), mas sem deixar que detalhes de produção limitem a execução ao vivo. In Rainbows já era conhecido de muita gente antes mesmo de sair. As faixas do disco já haviam sido executadas em shows, já circulavam em suas versões ao vivo pela internet.

Hoje em dia são poucas as bandas que ganham dinheiro vendendo discos. Percentualmente, é vergonhoso o que os artistas ganham de royalties em cima da venda de CDs. A gravadora se dá ao luxo de roubar (literalmente) partes de lotes de discos e calcula o quanto o artista recebe sem levar em conta o total de discos produzidos. O artista só recebe sobre o que é vendido de fato, não recebe sobre o que é roubado pela gravadora. Acredito que os integrantes do Radiohead sejam bem ricos hoje em dia. Montar um esquema como esse e ainda conseguir lançar um dos melhores álbuns do ano requer mais do que apenas talento. Certamente, ao abrir mão de ter uma gravadora, de distribuir os discos pelo mundo todo, o Radiohead estava apostando em outro meio de se sustentar. Seria muita falta de bom-senso arriscar tanto em uma empreitada cara só para ser diferente. A verdade é que o dinheiro de verdade está nos shows. E isso nunca faltou para o Radiohead. Eles já estão agendados nos principais festivais europeus do ano que vem.

É muito cedo para podermos ter uma noção de qual será o impacto para o resto da indústria musical. Um fato é que o Radiohead não vai sair no prejuízo com isso tudo. Dificilmente o que foi feito com In Rainbows se tornará um modelo de comercialização (pelo menos nos próximos anos). Mas o impacto foi forte em toda a cadeia produtiva da música. Esse mérito já está garantido.

Terminando o raciocínio com um exemplo que tem muito a ver com a discussão da internet como meio de acesso à “cultura”: In Rainbows foi tão supreendente que acabou sendo assunto em uma entrevista de José Padilha sobre seu filme, Tropa de Elite (que foi o principal tema de conversas de mesa de bar em 2007). Ambos, o disco e o filme, tiveram na internet seu principal meio de veiculação. A fama não veio pelos meios tradicionais, institucionalizados socialmente, de divulgação de “cultura e arte”. A minha pergunta, a dúvida que passou a me guiar depois de assistir (e de ser parte disso tudo também) é: até que ponto a arte poderá ser considerada um bem do artista? Como será possível controlar a distribuição de discos, filmes, mangás, revistas, quando temos um meio disseminador tão poderoso como a rede mundial de computadores? A questão importante é, para mim, o acesso à arte. E parece impossível limitar a Internet. Alguém já se manifestou a esse respeito: o Radiohead.

A resposta que foi dada não discute a quem pertence a gravação, nem o modo pelo qual ela se dissemina; não questiona que não se pague por uma obra. O Radiohead, de uma maneira corajosa, tirou a questão da ilegalidade formal de baixar música da Internet do centro da discussão e nos fez pensar no que significa a arte para quem de fato a aprecia.

PS: no dia de hoje o site de download de In Rainbows foi desativado. Feliz coincidência.

O ano de 2007

2007-11-22T13:33:00.000-02:00

:: por Barbaruiva

Apesar da ausência prolongada que fez com que não comentássemos momentos importantes de 2007, acho que a quantidade de música interessante lançada justifica uma lista de melhores do ano. Isso será feito mês que vem.

Só In Rainbows, do Radiohead, já fez com que ares novos voltassem a soprar no mundo da música pop, o que não acontecia há muito tempo. Estamos devendo um comentário mais extenso sobre isso. Uma vez que realmente pensamos algo a respeito, contaremos o que significa para nós esse baque no modelo de distribuição de música.

Houve uma ressurreição da boa música pop (exemplos: Orson e Mika) com a volta de um braço rock não-indie ao mainstream. O rap e o r'n'b se esgotaram nesses últimos anos e me parece que cansaram o público não-especializado.

M.I.A. foi uma que desafiou as convenções em geral e as atribuídas a ela e prestou grandes homenagens ao rock dos anos 80 (nós já falamos sobre isso no blog). A volta de Black Francis e a qualidade de In Rainbows (agora para abordar a música em si, não como ela foi vendida) mostraram que ainda há caminhos a trilhar sem cair em fórmulas imbecilizantes (emo, indie, nu-metal, etc). Mais uma prova disso é a opção do artista de "world-music" Manu Chao pelo formato rock em seu novo disco.

O ano de 2007 foi importante para que o rock pudesse se sentir seguro para ser boa música novamente. Sem pretensões de fazer do rock "a" música pop, os artistas que citei (e muitos outros que não couberam neste post), ao mesmo tempo em que alargaram mais uma vez os limites desse tipo de música, devolveram a ele especificidades que pareciam estar para sempre embotadas. A mais importante delas, mais até que a rebeldia, a autocrítica, é um assunto novamente em pauta para quem se propõe a fazer algo que pode ser chamado de rock, mesmo que muitas vezes, não o seja propriamente.

Mais detalhes nas próximas semanas.

M.I.A. também gosta de rock

2007-09-03T01:28:00.000-03:00

:: Diogo Barbaruiva

para A.J.M.C.

M.I.A, cantora do Sri-Lanka radicada na Inglaterra, está para lançar Kala, seu segundo disco. Ela ficou conhecida aqui por usar bases de funk carioca em suas músicas e por ter se apresentado com Deize Tigrona no TIM Festival de 2005. No novo álbum ela continua sua busca por ritmos de locais periféricos do mundo que dêem liga com seu vocal suingado que tem algo de rap e música jamaicana.

O que mais me chamou a atenção em Kala, porém, foram as referências mais do que cultas ao rock. Na primeira faixa, “Bamboo Banger”, M.I.A. cita a letra de “Roadrunner” da banda The Modern Lovers (citada no blog no texto anterior). Os bostonianos liderados pelo megalômano cantor, compositor e guitarrista Jonathan Richman foram uma das primeiras bandas de rock “alternativo”. Apesar de não serem geniais em toda a sua carreira os Lovers ajudaram a formatar o tipo de canção que seria trabalhado nos anos 80 por bandas como Pixies, The Jesus and Mary Chain, Meat Puppets etc.

Outra faixa que mostra o conhecimento de Maya (nome verdadeiro de M.I.A.) sobre o rock é “$20”. A linha de baixo é uma cópia da histórica linha de Peter Hook em “Blue Monday”. Já seria bem impressionante. Mas, na mesma música, ouve-se o refrão de “Where Is My Mind?”, dos Pixies, que é o refrão de “$20”. Numa só tacada, M.I.A conseguiu citar duas das mais importantes bandas da história do rock ambas de Boston e ambas influentes, cada uma a seu tempo. O que realmente impressiona é seu conhecimento das relações existente entre as duas bandas em questão, os The Modern Lovers e os Pixies.

Frank Black/Black Francis é um fã declarado de Jonathan Richman. Não se pode negar que se os Pixies herdaram os temas sexuais de Lou Reed e Velvet Underground, a irreverência veio de Richman. Assim como Black/Francis, Richman lançava álbuns solo compulsivamente. No primeiro disco com os The Catholics, Frank Black fez uma homenagem ao seu ídolo na faixa “The Man Who Was Too Loud”.

O rock não precisa ficar limitado a influenciar gente que partilhe das mesmas intenções estéticas; é importante notar que alguém tão relevante na música feita atualmente (como M.I.A.) tenha ouvido essas bandas e partido de um ponto de vista completamente diferente. Nunca imaginei que fossem possíveis tais "ligações perigosas". Falta, agora, alguma coisa parecida acontecer no sentido inverso.

Quanto Mais Idiota Melhor?

2007-09-03T00:47:00.000-03:00

:: Rodrigo Celso

É difícil imaginar uma música mais idiota do que “Pablo Picasso” dos The Modern Lovers. A letra, uma suposta homenagem ao grande pintor espanhol, não fala de seus quadros genais, como “Guernica” ou das “Demoiselles d’Avignon”. A música celebra sua capacidade de pegar mulheres: apesar de feio e baixinho, Picasso mandava muito bem com a mulherada. Difícil não dar risada e não ser simpático a essa canção que, claramente, tira sarro da intelectualidade nova iorquina (e de todo o planeta por tabela), com seu tom cínico e desencanado, pegando uma figura central da cultura ocidental e louvando outro aspecto de sua “genialidade”.

Na minha opinião, os “amantes modernos” deram o pontapé inicial (ou pelo menos levaram à perfeição) no que vou chamar de estilo “quanto mais idiota melhor”, que vive seu auge no rock-pop atual (também no cinema, na TV, etc), em bandas como Artic Monkeys, os brasileiros do CSS (Cansei de Ser Sexy) e outras que disputam para ver quem fala mais bobagem, quem se veste de bichinho da maneira mais estúpida e quem produz a música mais vazia e sem sentido.

Na verdade, não sei se tudo isso começou com os The Modern Lovers, mas ao que parece, começou mesmo em Nova Iorque. De lá vieram os Ramones com suas letras abertamente cínicas e imbecis e os New York Dolls, uma das bandas mais sem sentido da história. Ambas marcaram a passagem dos anos 70 para os anos 80 com sua postura “eu estou pouco me fodendo com o mundo”, “vamos falar de quadrinhos, de festa, de bobagens e deixar tudo de lado”.

É claro que, naquela época, isso era muito transgressor. Os EUA e o mundo viviam o auge do neoliberalismo; o nascimento da era yuppie em que tudo o que importava era ganhar dinheiro, vestir ternos caros, comprar carros de centenas de milhares de dólares, cheirar cocaína e viver sob as regras do capitalismo em expansão. Dar uma banana para tudo isso e falar bobagem, desencanar de tudo e gritar “Gabba, Gabba Hey!” significava desprezar as corporações e suas regras, desprezar a sanha por ganhar dinheiro; dar uma banana para ternos caros e mulheres loiras peitudas e procurar outras coisas para fazer.

Hoje, vinte e cinco anos depois, eu não consigo deixar de pensar ao ver os Artic Monkeys vestidos de bichinhos no British Awards e ao assistir aos vídeos do CSS que eles são apenas idiotas. Não estão protestando contra nada, não são contra a sociedade de consumo ou contra o capitalismo: são apenas um bando de rematados e orgulhosos idiotas, que querem divertir o público, divertir-se e ganhar dinheiro com isso.

Nada contra, nada a favor: cada um cada um, como já dizia o filósofo Tim Maia. No entanto, será que devemos ficar felizes ao ver o rock reduzido a esse monte de bobagens? Será que todas as bandas precisam se comportar como os Mamonas Assassinas para fazer sucesso? Não há espaço para coisas mais interessantes no mainstream?

Não foi à toa que o vocalista do The Modern Lovers resolveu tocar no filme “Quem vai ficar com Mary?”, um dos maiores representantes do estilo “quanto mais idiota melhor” do cinema. Hoje, fora de contexto, os “amantes modernos” também não passam de completos imbecis. Jim Carrey, o ator símbolo do estilo no cinema, é o protótipo do imbecil cínico mais engraçado que conheço. Difícil não rir de pelo menos algum de seus filmes, difícil não se divertir com o sem sentido de “Quem vai ficar com Mary?”. Eu não me sinto mal nem culpado por isso, o problema não é esse.

Os idiotas têm direito de existir. São divertidos, são simpáticos, animam nosso domingo: eu sou o primeiro a amá-los do fundo do meu coração, rir com suas piadas, comprar seus CDs e assistir a seus shows. O problema é que os idiotas estão dominando o mundo. O problema é que hoje, quando abro o caderno de cinema no fim de semana, vejo que 90% dos filmes em cartaz são idiotas. Assisto à MTV (Ya Dog!, por exemplo, adoro!), leio o Melody Maker, a Q, e só encontro imbecilidades.

O problema não é a existência de idiotas, mas a ausência quase completa de bandas, programas e filmes que se proponham a discutir problemas graves como o direito dos homossexuais, o aquecimento global, a exploração do trabalho no terceiro mundo e tantas outras questões que foram tema do rock no passado. E não é preciso ser sério e sisudo para falar disso.

É só ouvir o Dogs Die in Hot Cars e ver como eles tratam a questão da desigualdade entre os sexos ao ritmo de ska; ouvir Futurist, de Alec Empire, e sentir com ele a raiva diante das injustiças sociais; sacudir o esqueleto com Manu Chao e ficar sabendo do problema dos clandestinos em todo o mundo. Nada contra os imbecis, mas nem só de imbecis vive o rock e o mundo. Às vezes é legal ver e ouvir alguém falando de alguma coisa que presta. Nem que seja só para variar.

Quando três não querem, um lança disco

2007-09-01T21:41:00.000-03:00

:: Diogo Barbaruiva

Ele voltou!

Todos sabemos que Frank Black e Black Francis são a mesma pessoa, mas não a mesma persona. O primeiro teve seus momentos quase Pixies no disco Teenager Of The Year (1994), mas desde então embarcou numa viagem em busca das raízes da canção norte-americana. Foi do punk ao hard rock, e deste ao folk, por onde tem andado nos últimos tempos. Francis é a voz esganiçada e perturbada da melhor banda de rock dos últimos 20 anos, criador de uma obra rápida, curta e direta.

Francis resolveu que era hora de mostrar aos outros Pixies que sua fúria criadora não podia mais ficar presa. Cansou de esperar Kim Deal, Joey Santiago e David Lovering criarem coragem para lançar um disco novo. Assumiu que o passado o incomoda, retomou seu nome e deixou seu lado mais pesado, rápido e “psicótico” aflorar novamente, depois de pelo menos nove anos - desde Cult Of Ray não se ouve Frank Black Francis tão punk. Bluefinger, uma homenagem temática ao músico/artista holandês Herman Brood, é uma retomada histórica.

Black Francis nem precisou se esforçar muito para deixar toda a pose das bandas de hoje em dia comendo poeira. Pegou sua guitarra, um baixo, uma bateria e sua esposa Violet Clark e gravou o que provavelmente será um dos melhores discos de 2007. Simples, como sempre foi em toda sua carreira. Nada de excepcional, digamos a verdade. Cumpre seu papel muito bem, mas como era de se esperar, não traz muitas novidades. Há discos puxados para o rock na carreira de Frank Black (como o antológico Teenager Of The Year) que são muito mais próximos da qualidade do Pixies. Mas essa não é a questão. Temos a volta de um dos mais importantes “songwriters” dos anos 80 ao tipo de canção que o consagrou e fez dele objeto de um culto fiel e extenso.

Bluefinger nos relembra de como o rock pode ter energia sem soar forçado demais. “Threshold Apprehension”, um festival de gritos punk, certamente faz inveja aos Arctic Monkeys (para não perder o costume). Digna de um disco como Trompe Le Monde (1991), - não o melhor dos Pixies, mas ainda assim excelente - “You Can’t Break A Heart And Have It” mescla o estilo falado/cantado de Frank Black com backing vocals que são menção clara a Kim Deal. Sem fugir da veia folk há “Angels Come To Comfort You”, que conta a história do suicídio de Herman Brood (que se atirou do telhado de um hotel) de maneira quase inocente. A guitarra marcada de Francis não deixa dúvida de que foi uma música inicialmente pensada para o violão (a lembrança de Dylan quando ficou elétrico vem forte à mente do ouvinte). A faixa termina com os vocais de igreja de Violet Clark embalando uma batida forte e cheia de viradas (“Freedom Rock”?).

Ao contrário do que disse que faria no filme LoudQuietLOud, Frank Black cansou de lançar discos country e de esperar seus companheiros resolverem ter uma aventura no estúdio. Arrisco dizer que Frank Black Francis é um dos mais corajosos músicos de rock que temos hoje em dia. Ele teve tudo: a fama, o reconhecimento, a oportunidade de voltar a ganhar dinheiro com uma reunião do Pixies. A necessidade de se expor nunca se apagou, o que é admirável para um quarentão que poderia muito bem ter resolvido viver do passado e vir ao Brasil fazer sets de DJ em casas noturnas da moda (em tempo: Frank Black, em uma entrevista na WOXY disse que um dos locais em que ele gostaria de fazer um show é São Paulo, além de Manchester; portanto, ele sabe que nós existimos!). Com Bluefinger, mais uma vez o caminho “fácil” foi deixado de lado e o rock voltou a fazer parte de seu repertório. Esperemos, então, o lendário Black Francis e sua família virem ao Brasil mostrar sua inquietude.

Ouça "Captain Pasty" e "Threshold Apprehension" aqui: http://www.bluefingeronline.com/

Não há previsão de lançamento para o Brasil.

Black Francis cantando "Threshold Apprehension" ao vivo: